W tłumaczeniu z francuskiego „art deco” oznacza „sztukę dekoracyjną”. Styl Art Deco, lub jak go nazywa się - Art Deco, otrzymał swoją nazwę, gdy w 1925 roku w Paryżu odbyła się wystawa sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Kiedy i jak powstał ten styl? I ogólnie, co to reprezentuje w biżuterii?
Już na początku XX wieku jubilerzy zaczęli porzucać kręte linie secesji i zwracać się w stronę poszukiwania nowych środków wyrazu. W późnej nowoczesności odkryto już geometryczne linie nieodłącznie związane z Art Deco, jednak wszystko przerwała I wojna światowa, po której zakończeniu ludzie z jeszcze większym zapałem próbowali znaleźć nowe ideały, ponieważ oprócz zniszczeń i ofiar w ludziach, było rozczarowanie wartościami z przeszłości.
Pojawiła się nowa kobieta, która inspirowała poetów i artystów, w tym także twórców biżuterii. W tym czasie Louis Cartier naszkicował swoją pierwszą biżuterię w nowym kierunku.
Art Deco wchłaniał prostotę i luksus, czystą i jasną grę kamieni, poszukiwania stylistyczne, w tym kubizm, modernizm, surrealizm, neoklasycyzm i cechy etniczne starożytnej Grecji, Egiptu, Afryki i Wschodu.
Jubilerzy, jak wszyscy rzeźbiarze, zawsze z wyczuciem wsłuchują się w nastroje społeczne. Jak możemy pomóc zapomnieć o okropnościach wojny i sprawić ludziom radość? To właśnie w tym czasie eklektyzm trendów stylistycznych uczynił Art Deco stylem nowatorskim.
I tak projektanci domów jubilerskich zaproponowali nowe formy, które stały się geometrycznym, liniowym designem, symetryczną kompozycją, kontrastami kolorystycznymi i specjalnym krojem. kamienie szlachetne, które nabyły wyraźniejsze linie, częściej spotykane były trójkątne, trapezowe i szmaragdowe.
Początkowo jubilerzy używali niedrogich materiałów: emalii, chromu, szkła, plastiku i preferowanych jasnych kolorów. Jednak powojenne społeczeństwo starało się stworzyć wokół siebie iluzję luksusu i dobrobytu. A przede wszystkim mogłyby tego dokonać królowe srebrnego ekranu Hollywood. Ich bransoletki i naszyjniki błyszczały od diamentów z ekranów.
W epoce Art Deco platyna stała się metalem kultowym, to właśnie ten metal szlachetny wszedł w modę. A wraz z nim popularność zyskało białe złoto, srebro, stal, a nawet aluminium. Oprócz metali jubilerzy często używali materiałów egzotycznych - kości słoniowej, skóry krokodyla i rekina, a także rzadkiego drewna. Użyliśmy czystej białej masy perłowej, białych diamentów i czarnego onyksu...
Zaletą stylu Art Deco jest odważne połączenie kamieni szlachetnych z kryształkami w jednej biżuterii, naturalne perły– ze sztucznymi.
Najpopularniejszą techniką zdobienia było emaliowanie metali i nietypowe cięcie. Formy biżuterii w stylu Art Deco to wyraźna geometria i ścisła symetria, układ elementów z pewnym rytmem naprzemienności.
Wiodącymi motywami w projektowaniu biżuterii, oprócz geometrii, były obrazy i dekoracje Baletu Rosyjskiego S. Diagilewa, kultura różne kraje i epoki - Starożytny Egipt, Chiny, Japonia, Indie, starożytna Grecja, Afryka, obiekty flory i fauny.
Do najbardziej malowniczej biżuterii należą broszka-chwost, długie kolczyki, w tym kolczyki-frędzle, które zdobiły spięte głowy piękności, ciężkie paski, bransoletki noszone nie tylko na nadgarstku, ale także na przedramieniu, opaska na głowę (bandeau), ozdobiona cyrkonie, perły, a dla niektórych diamenty, pierścionek koktajlowy, naszyjnik z obrożą, naszyjnik i bransoletka w kształcie węża, pierścionek i bransoletka w kształcie pantery...
W okresie Art Deco modne stały się także cenne zapalniczki i cygarniczki, w których na przemian pojawiały się także czarne i białe elementy.
Wyjątkową popularność zyskały zegarki naręczne, przy tworzeniu których jubilerzy wykazali się niezwykłą wyobraźnią. Zegarki charakteryzowały się różnorodnością kształtów, bogatą dekoracją, oryginalnością i wdziękiem. Kopertę zegarka i bransoletki ozdobiono kamieniami szlachetnymi.
Jednym z najsłynniejszych jubilerów tamtych czasów był Georges Fouquet i jego syn. Ciekawe rozwiązania artystyczne stworzył także paryski jubiler Raymond Templier. Szczególne miejsce w jego twórczości zajmuje biżuteria z surowymi geometrycznymi elementami, ozdobiona jasną emalią, o efektownym kontraście kolorystycznym.
Historia rodu Cartierów wyraźnie ilustruje rozwój stylu Art Deco. Prace jubilerskie z lat 20. i 30. autorstwa Louisa Cartiera ukazują główne etapy rozwoju nowego stylu. Początkowo Cartier używał więcej okręgu lub segmentu, wierząc, że to właśnie te figury geometryczne Nadaje się do biżuterii damskiej. Potem zaczął używać kwadratu i prostokąta.
Jubiler ozdabiał swoją biżuterię diamentami w połączeniu z innymi kamieniami i emalią. W swojej biżuterii bawił się jasnymi i wykwintnymi kolorami, na przykład dodawał luksusowe diamenty do wyrobów wykonanych z onyksu, kryształu górskiego i jadeitu, koralowca i macicy perłowej. Stopniowo jubilerzy Cartiera porzucili jasne kolory i zaczęli używać biały kolor. Tak pojawił się styl „białe art deco”.
Biżuteria o surowych geometrycznych kształtach w kontrastowym połączeniu bieli i czerni - biała platyna i diamenty z czarnym onyksem lub czarną emalią - była wspaniała. To właśnie na bazie tego kontrastu kolorystycznego powstał niepowtarzalny motyw, zwany „skórą pantery”.
Następnie motyw ten wykorzystano do tworzenia broszek w kształcie panter, a także do ozdabiania ozdób do włosów i zegarków na rękę. Niemniej jednak trudno było całkowicie odmówić jasnych kolorów szmaragdów, rubinów, szafirów, nawet w „białym art deco”. Dlatego Cartier uwielbiał tworzyć broszki - „wazony z owocami”. Wielobarwne klejnoty w stylu tutti frutti stały się słynną biżuterią Cartier.
Po odkryciu grobowca Tutanchamona w 1922 roku nastąpił gwałtowny wzrost zainteresowania biżuterią egipską; wśród biżuterii Cartiera znalazły się efektowne wisiorki z płytek jadeitowych z diamentami i rubinami, słynna broszka „skarabeusz” wykonana z kwarcu dymnego, ceramiki, ozdobiona diamentami .
Jasność i kolor biżuterii wzrosła jeszcze bardziej w roku 1929 i później, ponieważ były to lata, w których siła nabywcza traciła we wszystkich dziedzinach życia, a aby przyciągnąć uwagę i przetrwać w trudnych czasach, stworzono najjaśniejsze przedmioty jubilerskie. Popularne stały się jadeit, topaz, cyrkonia, koral i akwamaryn.
Styl Art Deco można nazwać ostatecznie ukształtowanym na początku lat 20. XX wieku, a ostateczne uznanie zyskał w roku 1925 i dlatego właśnie na wystawie zorganizowanej w Paryżu w 1925 r. styl otrzymał swoją nazwę.
Na wystawie zaprezentowano prace jubilerskie Fouqueta, Templiera, Sandoza, Boucherona, Van Cleefa, Cartiera, Mauboussina i wielu innych francuskich jubilerów. Sukces jubilerów był niesamowity. Paryski jubiler Georges Mauboussin otrzymał złoty medal za biżuterię w stylu Art Deco.
Zachwyt gości nie miał granic. Wszyscy zachwycali się naszyjnikami stworzonymi przez Mauboussina, w których diamenty w platynowej oprawie przeplatały się z pięknymi perłami, pierścionkiem z jadeitu, wisiorkami w postaci wazonów z kwiatami i fontannami. Po wystawie firma Mauboussin zasłynęła.
Nie tylko dzieła jubilerskie Cartiera i Mauboussina gloryfikowały styl Art Deco; dzięki jubilerom Boucheron, Van Cleef i Arpels styl Art Deco stał się międzynarodowym uznaniem jako synonim luksusu i podziwu. W tamtych latach wiele się zmieniło w życiu ludzi, opracowano nowe technologie, poszukiwano nowych materiałów, prowadzono badania naukowo-techniczne.
Było to stulecie osiągnięć we wszystkich dziedzinach ludzkiej działalności i życia. Wszystko to znalazło odzwierciedlenie w działalności sztuki jubilerskiej. W firmie Van Cleef & Arpels jubilerzy wymyślili nowy rodzaj oprawy kamieni szlachetnych – oprawę niewidoczną. Kamienie zostały przycięte w taki sposób, aby można je było układać blisko siebie, dzięki czemu metal bazowy został całkowicie pokryty „kamienną nawierzchnią”. Umożliwiło to stworzenie najdoskonalszej biżuterii.
Na rynku jubilerskim poszukiwane były broszki z diamentowymi klipsami, sautoiry i eleganckie bransoletki z wyraźnymi ozdobnymi wzorami wykonanymi z kamieni szlachetnych. Modne stały się broszki-frędzle i koraliki z kamieni naturalnych. Szczególną popularnością, dzięki modzie na krótkie fryzury, cieszyły się długie kolczyki kaskadowe oraz duże kolczyki przypinane zakrywające płatek ucha.
Historycy sztuki uważają, że styl Art Deco dominował w świecie sztuki zaledwie przez około dwie dekady, od I do II wojny światowej. Ważne jest jednak coś innego – wiele technik i osiągnięć technologii jubilerskiej wypracowanych w okresie Art Deco okazało się na tyle uniwersalnych, że mistrzowie jubilerscy przez długi czas odczuwali wpływ tego stylu w kolejnych pokoleniach.
W nowoczesna moda Styl Art Deco znów jest popularny. Wybierają go kobiety pewne siebie, preferujące luksus i jednocześnie arystokratyczną powściągliwość.
Siergiej Dyagelew
pory roku” Siergieja Diagilewa jubilerzy, podobnie jak ich koledzy artyści – architekci i artyści dekoratorzy zajmujący się aranżacją wnętrz – ostatecznie porzucili fantazyjnie zakrzywione linie i wyblakłą kolorystykę secesji. W poszukiwaniu nowych środków wyrazu zwrócili się w stronę wyraźnych form geometrycznych, o wyraźnej konstrukcji symetrycznych kompozycji, w których dominującą rolę odgrywały pięknie szlifowane kamienie szlachetne.
Styl stworzonych przez nich dzieł nazwano później Art Deco. Łączył w sobie prostotę i luksus, przejrzystość geometrycznych wzorów i jasną grę błyszczących kamieni. Styl ten, który ukształtował się we Francji na początku lat dwudziestych XX wieku, wkrótce podbił Stany Zjednoczone, a następnie większość krajów europejskich, podporządkowując swoim artystycznym zasadom niemal wszystkie rodzaje sztuki użytkowej, w tym kostiumy.
Nowa moda całkowicie poddała się władzy czystej geometrii, a damski garnitur, który krojem przypominał koszulę, zaczęto definiować rygorystycznie. 
konstruktywność. Wśród twórców mody pojawiły się nowe nazwiska. W 1920 roku awangardowa artystka Sonia Delaunay otworzyła w Paryżu salon mody, ozdabiając swoje modelki jasnymi geometrycznymi wzorami. W latach trzydziestych na horyzoncie mody pojawiła się nowa gwiazda – Coco Chanel, która przywiązywała dużą wagę do biżuteryjnych dodatków i wkrótce sama zaczęła projektować biżuterię. Nowe czasy zrodziły nowy ideał kobiety. Stała się niezależna i niezależna, równym partnerem mężczyzny. Odważni Paryżanie
Coco Chanel
uznane trendsetterki, zaraz po wojnie przede wszystkim obcięły włosy, następnie skróciły spódnice i założyły sukienki bez rękawów. Pojawił się oryginalny trend w modzie, skupiający się na sylwetce pół dziewczęcej, pół chłopięcej – tzw. moda „garçon”. To prawda, że w latach trzydziestych linia ubiorów nieco złagodniała, moda luksusowa stała się bardziej kobieca, a idee piękna zostały ucieleśnione w wizerunkach hollywoodzkich gwiazd filmowych. Ale w obu tych dekadach kostium damski otworzył szerokie możliwości wyobraźni jubilerów.
Wśród najbardziej malowniczych dekoracji znajdują się m.in. 
niewątpliwie należała do „broszki z frędzlami”, która zdobiła otwarty kołnierz sukni wieczorowej; w ciągu dnia, skromniejszych toalet, zastępowano go niezwykle długim sznurem sztucznych pereł lub koralików wykonanych z kamieni. Weszły w modę długie kolczyki, efektownie zdobiące przycięte głowy, ciężkie paski i bransoletki, które często noszono nie tylko na nadgarstku, ale także na przedramieniu. Pojawił się nowy rodzaj biżuterii - dwuczęściowa broszka z zatrzaskiem; Służył do przypinania modnych truakartów. W tym okresie wyjątkową popularność zyskały zegarki naręczne, tworzyli je jubilerzy 
wykazał się niesamowitą wyobraźnią. Zegarki wyróżniała się różnorodnością kształtów, bogactwem dekoracji i elegancją. Korpus i bransoletki ozdobiono kamieniami szlachetnymi.
Pionierami nowego kierunku w sztuce jubilerskiej byli francuscy mistrzowie. Wśród nich znalazł się jeden z najsłynniejszych paryskich jubilerów, Georges Fouquet, którego w epoce secesji nazywano „drugim po Lalique”. W jednym ze swoich najwybitniejszych dzieł z początku lat dwudziestych XX w 
lat w okrągłym wisiorku z symetrycznymi zawieszkami widoczne są już wszystkie cechy nowego stylu - wyraźna geometria formy i zdobnicza struktura dekoru, odważne połączenie drogich materiałów: diamentów, szmaragdów, lapis lazuli i kryształu górskiego .
Jeszcze bardziej nowatorskie były eksperymenty jego syna Jeana Fouqueta: stworzył serię biżuterii zupełnie odmiennej od wszystkiego, co dotychczas tworzono. W zbiorach Paryża i Nowego Jorku znajduje się jego broszka i bransoletka z kości słoniowej, złożone z okrągłych ogniw z żółtego złota, ozdobionych piramidami z czarnego onyksu i kółkami białe złoto. Te niezwykłe klejnoty najwyraźniej powstały pod wpływem awangardowych poszukiwań malarzy początku wieku, a przede wszystkim kubistów. Nie mniej interesujące są platynowe kolczyki innego paryskiego jubilera, Raymonda Templiera; idee konstruktywizmu są wyraźnie odczuwalne w ich konstrukcji. Templier dekorował surowe geometryczne elementy swoich „cennych projektów” jasną emalią lub japońskim lakierem, uzyskując niezwykle efektowne kontrasty kolorystyczne. Jednak te wyraziste i oryginalne dzieła obu jubilerów sprawiały bardziej wrażenie „samowystarczalnych” dzieł sztuki niż biżuterii harmonijnie powiązanej z ludzkim ciałem i jego strojem. 
Być może w tym podejściu do artystycznego projektowania biżuterii Jean Fouquet i Raymond Templier wyprzedzili swoje czasy o prawie sto lat.
W latach dwudziestych XX wieku, na początku tego, co czasami nazywano „jazz modern”, jubilerzy często używali materiałów takich jak emalia, chrom, szkło i plastik, preferując jasne kolory. Ale bardzo szybko zdali sobie sprawę, że powojenne „stracone pokolenie” potrzebowało iluzji dobrobytu, którą zapewniało jedynie złoto, platyna i najpiękniejsze kamienie naturalne. Wiele osób przekonało się już na własnym gorzkim doświadczeniu, w czym tkwi ratujące życie źródło finansów czasy piersi biżuteria może stać się - poza tym była jej pozbawiona przez długi czas.
Jubilerzy z rodu Cartierów doskonale to rozumieli, ponieważ zawsze starali się używać w biżuterii najbardziej luksusowych kamieni. Jeszcze przed I wojną światową Louis Cartier, być może, jako pierwszy wśród jubilerów wyczuł nowe trendy w sztuce i zaczął stylizować swoje ulubione motywy rozmaitych girland, nadając im geometryczny charakter. Jego prace z lat 20. i 30. XX wieku wyraźnie ukazują główne etapy rozwoju nowego stylu. 
W pierwszym etapie Cartier preferował harmonijne kompozycje i proste, przejrzyste formy. Początkowo było to koło lub odcinek, gdyż uważał, że są to kształty geometryczne najodpowiedniejsze dla biżuterii przeznaczonej dla kobiety. Później sięgnął po inne kształty geometryczne: kwadrat, prostokąt, rzadziej romb. Ozdobił biżuterię o prostej i wyrazistej sylwetce, wykonaną z onyksu, kryształu górskiego, jadeitu, korala czy macicy perłowej, diamentami i innymi kamieniami szlachetnymi, subtelnie dobierając ich wykwintną kolorystykę.
Jednak dość szybko jubilerzy z rodu Cartierów porzucili jasne kolory i zapoczątkowali pojawienie się tak zwanego stylu „białego art deco”. Ścisły figury geometryczne Ich biżuterię ożywiły kontrastujące połączenia białej platyny i diamentów z czarnym onyksem lub czarną emalią. Na podstawie tej wyrazistej gry optycznej czarnych i białych plam stworzono unikalny motyw zwany „skórą pantery”. Motyw ten wykorzystywano przy tworzeniu oryginalnych broszek w formie panter czy ozdób do włosów, wykorzystywano go także przy projektowaniu zegarków naręcznych. Być może okres „białego art déco” okazał się nie tylko najbardziej owocny w działalności firmy, ale także najważniejszy dla ukształtowania się nowego stylu jako całości. 
Jednak Louis Cartier nawet w „białym okresie” nie porzucił koloru, wykonując broszki ze szmaragdów, rubinów i szafirów, które odtwarzały „wazony z owocami” lub „kosze kwiatów”. Swoją drogą motyw kosza z kwiatami był bardzo typowy dla wystroju w stylu Art Deco. Zwracali się do niego nie tylko jubilerzy, ale także dekoratorzy wnętrz i mistrzowie innych rodzajów sztuki użytkowej. Stąd najsłynniejszy francuski stolarz tamtych czasów, Emile-Jacques Ruhlmann, uwielbiał ozdabiać swoje meble modnymi kompozycjami w postaci stylizowanych koszy z kwiatami.
Biżuteria wielobarwna stała się szczególnie popularna po pojawieniu się mody na biżuterię indyjską. Ponadto rynek kamieni nasycony był rubinami, szafirami, szmaragdami, szlifowanymi w kształcie liści, kwiatów, jagód czy kulek. W tym samym czasie pojawiła się słynna biżuteria Cartiera w wymyślonym przez niego stylu „tutti frutti”; były to jasne, wielokolorowe kompozycje z rzeźbionych kamieni szlachetnych. Po odkryciu grobowca Tutanchamona w 1922 roku i późniejszym wzroście zainteresowania Egiptem firma rozpoczęła produkcję kolorowej biżuterii, 
wykonane w „stylu egipskim”. Wśród nich znajdują się spektakularne wisiorki z płytek jadeitu, ozdobione diamentami i rubinami oraz słynna broszka skarabeusz z kwarcu dymnego ze skrzydełkami z niebieskiego fajansu wysadzanymi diamentami. Szczególnie często jubilerzy zaczęli tworzyć jasne elementy dekoracyjne po kryzysie 1929 roku: w ten sposób, przyciągając uwagę kupujących, próbowali przetrwać ten trudny czas.
Tym samym historia rodu Cartierów wyraźnie ilustruje proces kształtowania się stylu Art Deco. Ostatecznie powstał na początku lat dwudziestych XX wieku, a apogeum osiągnął w połowie dekady. Czasem jego triumfu była Wystawa Sztuki Dekoracyjnej i Przemysłu Nowoczesnego, która odbyła się w 1925 roku w Paryżu. Właściwie to na tej wystawie styl zyskał ostateczne uznanie, a później jego skrócona nazwa – „Art Deco” – stała się nazwą stylu.
Ekspozycja jubilerska mieściła się w luksusowym budynku Grand Palais. Cartier wystawiał się w innym pawilonie wystawy (Elegancja), współpracując ze słynnymi projektantami mody tamtych czasów - Bortem, Lanvinem i innymi, prawdopodobnie po to, aby po raz kolejny podkreślić nierozerwalny związek biżuterii i kostiumu. Prezentowane na wystawie dzieła Fouqueta, Sandoza, Templiera, Boucherona, Cartiera, Van Cleefa, Mauboussina i innych francuskich jubilerów były dopełnieniem poszukiwań poprzedniego okresu i symbolizowały narodziny estetyki nowej ery. 
Sukces jubilerów działających w stylu Art Deco był fenomenalny. Za formalne uznanie nowego stylu można uznać fakt, że najwyższe wyróżnienie wystawy – Złoty Medal – otrzymał paryski jubiler Georges Mauboussin za biżuterię w stylu Art Deco. W tym czasie jego produkty były już dobrze znane miłośnikom biżuterii. Naszyjniki stworzone przez Mauboussina, w których diamenty oprawione w platynowej oprawie przeplatały się z pięknymi perłami i zdobiły środkową część – pierścionek z jadeitem – wyróżniały się niesamowitym pięknem i elegancją i były obiektem pożądania wielu towarzyskich piękności i gwiazd Hollywood. Jego wisiorki w postaci stylizowanych wazonów z kwiatami i fontann, ozdobione rzeźbionymi szmaragdami, diamentami i emalią, stały się obiektami do naśladowania i kopiowania. Wszystkie te dekoracje wykonane są w stylu Art Deco i to właśnie ten styl rozsławił Mauboussina. 
Ale rozwój stylu nie stał w miejscu. Urodził się w epoce nauki i technologii i był pod ogromnym wpływem jej osiągnięć. Jeden z jubilerów biorących udział w wystawie napisał, że „polerowana stal, matowy nikiel, cień i światło, mechanika i geometria – to wszystko są przedmioty naszych czasów. Widzimy je i żyjemy z nimi na co dzień. Jesteśmy ludźmi naszej epoki i na tym opiera się cała nasza obecna i przyszła twórczość...” Nic dziwnego, że aby osiągnąć artystyczny wyraz, jubilerzy włożyli wiele wysiłku w poszukiwanie nowych materiałów i opracowywanie nowych technologii techniki.
Największy sukces odniosła firma Van Cleef i Arpels. W 1935 roku Alfredowi Van Cleefowi i Julienowi Arpelsowi udało się wynaleźć nowy rodzaj oprawy kamieni szlachetnych – oprawę niewidzialną. Ten sposób mocowania polega na precyzyjnym wycinaniu dobranych kolorystycznie twardych kamieni szlachetnych – diamentów, szafirów czy rubinów – w które wycinane są rowki, umożliwiające wsunięcie kamieni blisko siebie i tym samym całkowite zakrycie nimi metalu, ukrywając złotą bazę . Ta technika technologiczna pozwoliła mistrzom Van Cleef i Arpels – a później innych firm – stworzyć serię doskonałej biżuterii w stylu Art Deco. Być może dzięki właśnie takiej biżuterii, a także dziełom Cartiera, Boucherona, Mauboussina i innych jubilerów, styl Art Deco zyskał międzynarodowe uznanie jako synonim luksusu i niepowtarzalnej efektowności. 
Już w latach trzydziestych XX wieku styl Art Deco zaczął wyznaczać artystyczne wzornictwo nie tylko wyjątkowej biżuterii wykonanej z drogich kamieni; w wielu krajach Europy i Ameryki powstawały także tańsze przedmioty w tym stylu, przeznaczone do dość szerokiego grono nabywców. Na rynku jubilerskim poszukiwane były broszki i sautoiry z diamentowymi klipsami, a zwłaszcza eleganckie bransoletki, w których średniej wielkości diamenty podkreślały wyraźne linie płaskich ozdobnych wzorów. Podobne dekoracje wykonano m.in duże ilości Wiele firm jubilerskich to nie przypadek, że obecnie można je zobaczyć w każdym dużym sklepie z antykami lub znaleźć w katalogu aukcyjnym. 
Powszechnie przyjmuje się, że styl Art Deco dominował w świecie sztuki przez nieco ponad dwie dekady, od końca pierwszej wojny światowej do początku drugiej. Jednak struktura figuratywna i techniki opracowane przez mistrzów Art Deco okazały się na tyle realne i uniwersalne, że jej wpływ odczuli jubilerzy wszystkich kolejnych pokoleń. I w tym tkwi niesamowity fenomen Art Deco.
Ubrania w dobrym stylu są ucieleśnieniem uroku, luksusu i oryginalności. Stroje Art Deco nie mogą być klasyfikowane jako nieformalny strój. Takie modele są bardziej odpowiednie na ważne wydarzenie. W końcu każdy przedmiot w tym stylu jest wyjątkowy i ma swój własny pomysł na projekt.
Odzież w stylu Art Deco jest ucieleśnieniem piękna, uroku i oryginalności
Ten strój wygląda jasno, a nawet prowokacyjnie, ale jednocześnie styl art deco w ubiorze nie akceptuje żadnej wulgarności, a jedynie elegancję w całej jej wdzięku i wyrafinowaniu!
Urok Art Deco w ubraniach
Kobieta na tym zdjęciu może być luksusowa, ale zabawna, bezbronna, ale zalotna.
Styl Art Deco w ubiorze charakteryzuje się powściągliwością i wyrafinowaniem
W tym odważnym i niezwykle różnorodnym stylu łączono rzeczy pozornie absolutnie nieprzystające do siebie. Szok i powściągliwość, nadmiar i wyrafinowanie – to jego opis.
Styl Art Deco to wybór prawdziwych smakoszy mody
Kręte i proste linie, miękkość i kontrast, mieszczańskie ekscesy i prostota etnicznych motywów to cechy tego stylu.
Rozcięcia i wycięcia, odkryte ramiona i plecy, prześwitujące akcenty w postaci zwiewnego szyfonu czy wykwintnej koronki w sukni wieczorowej pomogą zademonstrować piękne ciało.
Właśnie wieczorem, bo art deco nie można przypisać codziennym ubraniom, takim jak dżinsy czy sweter, które zakłada się idąc do sklepu po pieczywo. Takie stroje przeznaczone są na wyjścia do opery czy teatru, a art deco w czystej postaci najczęściej można spotkać na specjalnych przyjęciach organizowanych w stylu lat 20-tych.
Art Deco – styl retro lat 20-tych
Triumfalny powrót
Powracając prawie sto lat później, spektakularny i luksusowy styl Art Deco po raz pierwszy pojawił się na czerwonym dywanie. Ikony stylu i uznane piękności takie jak Nicole Kidman, Christina Aguilera, Heidi Klum wybrały go, aby podkreślić indywidualność i jasność własnego wizerunku.
A po pojawieniu się na ekranach „Wielkiego Gatsby’ego” takie stroje zawędrowały do garderoby wielu współczesnych kobiet, które nie mają nic wspólnego ze sztuką.
Blichtr, przepych, przepych, przepych i szykowne ubrania – świeża interpretacja żywiołowości Wielkiego Gatsby’ego
Od kilku sezonów z rzędu ten trend w ubiorze nabiera tempa. W swoich kolekcjach mody zaprezentowali go Stefan Rolland, Albert Ferretti, Ralph Lauren, Roberto Cavalli i inni znani projektanci. Ten styl można łatwo rozpoznać po prostych sylwetkach, dużych, odważnych zdobieniach i kontrastujących kolorach. Zwykli śmiertelnicy mogą czerpać inspirację ze starych filmów, w których króluje niesamowity klimat art deco.
Początki stylu
Powstał w latach dwudziestych ubiegłego wieku. To był trudny i jednocześnie jasny czas. Właśnie się skończyło Wojna światowa. Ludzie po trudach i trudnościach wrócili do normalnego życia.
Chcieli jakoś zrekompensować to, co stracili. Być może to właśnie ta chęć celebracji doprowadziła do powstania stylu szczególnie teatralnego, pretensjonalnego, a nawet pompatycznego.
Lata 20. to punkt zwrotny w historii światowej mody.
Emancypacja odegrała także pewną rolę w powstaniu Art Deco. Kobiety starały się dorównać mężczyznom we wszystkim: jeździły samochodami, paliły i obcinały długie włosy. Krzywe kształty należą już do przeszłości. Nowoczesna kobieta powinna wyglądać jak chłopak – niska, szczupła, z wąskimi biodrami i małymi piersiami.
Moda lat 20. była idealnym połączeniem stylu i funkcjonalności
W związku z tym krój sukienki nie ma wyraźnej talii ani żadnego innego śladu kobiecości. Aby jednak zrekompensować surowość sylwetki, pojawił się wystrój, który uderzał swoją różnorodnością i bogactwem.
Cechy
Styl Art Deco to zawsze wyrafinowanie i pewna teatralność, niepraktyczność i luksus. Łączy w sobie nowoczesność, etniczność i klasycyzm. Na ubraniach widać wybielone wizerunki pawi i smoków kobiece twarze i łabędzie – wszystko, czego nie znajdziesz w zwyczajności, Życie codzienne.
Sukienki w stylu Art Deco to prawdziwe dzieło sztuki
Ten styl jest wymagający pod każdym względem: sukienka jest tylko prosta, buty to czółenka.
Klasyczna prosta sukienka w stylu art deco
Spodnie nie są wskazane, ale jeśli naprawdę chcesz je nosić, pamiętaj o spodniach typu dzwony lub absolutnie prostych.
Odzież w stylu Art Deco coraz częściej pojawia się w nowoczesnych kolekcjach
Ale płaszcz z pewnością musi mieć nietypowy kształt i sięgać do dłoni powyżej kolan.
Strój to podstawa stylu
To on skupia główną uwagę. To zawsze centralny element obrazu, który uzupełniają odpowiednie dodatki.
Suknia wieczorowa styl retro
Charakterystyczne cechy sukienki w stylu Art Deco:
- Krój jest niezwykle prosty i przypomina prostokąt, w skrajnych przypadkach dopuszczalne jest lekkie dopasowanie. Żadnych pełnych spódnic.
- Części są większe niż zwykle. Jeśli są kieszenie, to są duże, jeśli jest kołnierz, to są luksusowe.
- Długość jest tradycyjnie nieco poniżej kolan, ale w nowoczesnych odmianach może z łatwością wzrosnąć powyżej kolan. Suknia wieczorowa najczęściej spada na podłogę.
- Rękawów zwykle nie ma, choć zdarzają się wyjątki.
- Tył jest często otwarty.
- Dekolty o różnej głębokości, najczęściej głębokie.
- Dekoracja jest zawsze bogata - cekiny, kwiaty, hafty, koronki, koraliki, kamienie i tak dalej.
- Wzory są najczęściej geometryczne lub abstrakcyjne. Czasem zdarzają się kwiatowe.
Futro, błyski, szyk - wszystko to w stylu art deco
Tekstylia
Najczęściej tworząc ubrania w tym stylu projektanci wykorzystują tak szlachetne materiały jak jedwab, welur, satyna i szyfon. Chociaż na wybiegu mody, oprócz tradycyjnych eleganckich tkanin, można zobaczyć także prostsze - batystowe, lniane, bawełniane. Ale w każdym razie tkanina musi być naturalna.
Sukienki w stylu Art Deco są ucieleśnieniem uroku i luksusu
Zabarwienie
Nowoczesny styl art deco pozwala na dowolny kolor. Wszystko zależy od tego, jakie wrażenie chcą zrobić. Projektanci często decydują się na eleganckie gładkie tkaniny, wprowadzając nieoczekiwany asymetryczny, a jednocześnie dość jasny element w postaci dużego kwiatu, niespodziewanie ukształtowanego kołnierzyka czy ciekawej draperii.
Wyjątkowo kobieca i uwodzicielska sukienka w stylu art deco
Nie mniej popularne we współczesnym świecie mody są różnorodne motywy etniczne i wzory geometryczne: zarówno przejrzyste, jak i bardzo fantazyjne. Wpływ kina również miał pewien wpływ. W ciągu ostatnich kilku lat dużym zainteresowaniem cieszyły się kontrastujące zestawienia, zwłaszcza czerń i biel lub fatalna czerń-biało-czerwień. W modzie są także kolory złota, srebra i platyny.
Styl Art Deco inspiruje projektantów do nowych pomysłów, a fashionistek do eksperymentowania z ubraniami.
Wykończeniowy
Jasne elementy dekoracyjne są nieodzownym atrybutem tego stylu. Do dekoracji używa się wszystkiego, co jasne, chwytliwe i błyszczące: cyrkonie, błyskotki, koraliki itp. Ale jednocześnie kobieta nie powinna przypominać papugi ani choinki. Wręcz przeciwnie, dodatki mają za zadanie sprawiać wrażenie wyrafinowania i wyrafinowania.
Styl Art Deco w ubiorze jest jednym z trendów vintage i jest obecnie bardzo popularny.
Odpowiednio zaprojektowany obraz w stylu art deco zawsze wygląda drogo i efektownie. Dlatego wybierane są tylko materiały najwyższej jakości. Cenne i kamienie półszlachetne, perły naturalne, koronka wykonane samodzielnie. Doskonałym dodatkiem może być prawdziwe futro.
Dekoracje
Im są bardziej wyrafinowane, tym lepiej. Ilość może być również nieograniczona: kilka tur pereł naturalnych, dość długie kolczyki, wiele szerokich bransoletek.
Głównym stylem we współczesnych rodzajach biżuterii jest styl art deco, wyróżniający się prostotą, a jednocześnie luksusem
Jest to szczególnie prawdziwe, gdy sama sukienka nie jest uzupełniona elementami dekoracyjnymi. Broszki wszelkich kształtów i rozmiarów, naszyjniki i masywne pierścionki również będą wyglądać świetnie.
Art Deco różni się od innych rodzajów biżuterii wyraźną różnorodnością linii i jasną grą kamieni szlachetnych
Torba
Kobieta w stylu Art Deco może mieć w rękach jedynie elegancką torebkę lub kopertówkę albo wachlarz z prawdziwych piór. Nie ma tu dużych toreb, teczek biznesowych i nieporęcznych plecaków. Dziś bardzo miniaturowe torebki i kopertówki haftowane koralikami są u szczytu mody. Dobrze by było, gdyby dłonie trzymające taką torebkę nosiły ozdobne rękawiczki. Projektanci zdecydowanie zalecają tę wyjątkową opcję.
Stroik
W stylu art deco nakrycie głowy odgrywa szczególną rolę. Być może dlatego, że w momencie narodzin tego stylu wszystkie kobiety nosiły kapelusze. Niewątpliwie wizytówka stylem jest kapelusz kloszowy, lakoniczny i jednocześnie niezwykle kobiecy kształt, przypominający dzwonek. Zewnętrzną prostotę takiego kapelusza rekompensuje wystrój - koraliki, pióra, kwiaty z tkaniny. Można go również ozdobić siateczkowym welonem, który do połowy zakrywa twarz. Dobrą opcją jest beret lub melonik, jeśli bardziej podoba Ci się ta opcja.
Trendem jest różnorodność opasek i opasek na głowę, ale muszą być one ozdobione zgodnie ze stylem.
Opaska na głowę w stylu art deco podkreśla wygląd
Włosy i makijaż
Większość nowoczesnych fryzur nie nadaje się do stylu art deco. Nie akceptuje rozczochranych włosów i podartych grzywek. Skomplikowane kształty i zwiększone objętości również nie są dla niego. Prosty krótka fryzura lub zgrabne fale to cechy tego złożonego stylu. Długie włosy Najlepiej go upiąć i schować pod kapeluszem. Można je zabezpieczyć cienką siatką.
Harmonijny obraz w stylu art déco
Makijaż opiera się na grze kontrastów: biała skóra, srebrne, szare lub nawet czarne cienie, jasna szminka w bogatej czerwieni lub bordowym kolorze dopełnią fatalny wizerunek „playgirl” epoki secesji.
Makijaż Art Deco ma za zadanie idealnie dopełnić całość.
Buty
Żadnych butów – tylko buty! W ostateczności sandały. Wcześniej na buty nakładano szczególnie rygorystyczne wymagania. W zasadzie były to proste czółenka, bez dekoracji i zbędnych detali.
Czółenka w stylu Art Deco
Współczesna moda jest bardziej liberalna. Znani projektanci po mistrzowsku bawią się oryginalnym kształtem buta, uzupełniając go kolcami, kreatywnymi zapięciami czy kolorystyką.
Oryginalne markowe sandały w stylu art deco
Głównym warunkiem każdego buta w stylu art deco jest obecność pięty. Oprócz klasycznych butów latem mogą to być sandały z cienkimi paskami, a w chłodnym sezonie – botki.
Nowy dźwięk
Oczywiście na co dzień nieczęsto można spotkać ten styl retro w czystej postaci. Jego szyk, blask i piękno bardziej nadają się na wieczorne imprezy rozrywkowe. Ale to nie znaczy, że art deco nadaje się tylko na bale. Podobał mi się prosty krój jego sukienek moda uliczna zwłaszcza, że talia przesunięta w dół lub jej brak jako taki, rozciąga się ku górze i niezwykle wyszczupla kobiecą sylwetkę. Ten złożony i zaskakująco różnorodny styl retro zainspirował wielu współczesnych projektantów do stworzenia modeli, które wydawałyby się dalekie od art deco - sukienek, kombinezonów, tunik, których krój przypomina prostokąt. Tylko liczba się zmniejszyła jasne detale, a wzory geometryczne wręcz przeciwnie, wyglądają świeżo i nowocześnie.Często można je spotkać zarówno w stylizacjach odświętnych, jak i codziennych. Najważniejsze, aby pamiętać, że art deco jest zawsze ucieleśnieniem piękna, uroku i oryginalności.
Na początku XX wieku, około lat 20., społeczeństwo stopniowo porzuciło odchodzący styl Art Nouveau z jego pokręconymi liniami i wyblakłymi kolorami. Późna secesja, zwana „nowoczesną”, cieszyła się z umocnienia geometryzmu. Zamiast skrzydeł wróżki jubilerzy zaczęli przedstawiać skrzydła samolotu. Poszukiwania stylu przerwała na dwa lata I wojna światowa, jednak okres międzywojenny należy w całości do stylu Art Deco. Ci, którzy chcą zapoznać się z tym stylem, mogą obejrzeć film „Wielki Gatsby”.
W latach dwudziestych XX wieku pojawiła się moda na „garçon”, kiedy modne paryżanki obcinały włosy na krótko, skracały spódnice i rezygnowały z rękawów. Zamiast luksusowego wieczorowego „broszki-frędzla” w ciągu dnia nosiły sztuczne perły w postaci niekończącej się nitki lub koraliki wykonane z kamieni. Modne stały się ciężkie paski i bransolety na nadgarstkach i przedramionach. Nowością była dwuczęściowa broszka, zapinana na zatrzask, która służyła do przypinania modnych krótkich płaszczy z rękawem trzy czwarte – „troukarów”.
Zegarki naręczne, które w tym czasie zastąpiły zwykłą wersję na łańcuszku, zaczęły wchodzić do użytku i wywołały prawdziwą sensację. Produkowano je w różnorodnych kształtach oraz były bogato i elegancko zdobione.
W ten sposób styl Art Deco powstał we Francji, a następnie ugruntował swoją pozycję w całej Europie i Stanach Zjednoczonych (pisownia Art Deco w wersji rosyjskiej nie jest całkowicie poprawna, ponieważ w Art Deco litera t nie jest czytelna).
Styl Art Deco w biżuterii
W okresie konstruktywizmu technokracja stała się prawdziwą muzą jubilerów, która określiła główne cechy biżuterii tamtych czasów - kąty proste i linie, kształty geometryczne, koła, otwarte kolory „typograficzne”. Styl Art Deco miał bardzo specyficzne zadanie – w okresie międzywojennym – stworzyć mit o luksusie życia „straconego pokolenia”. 
W 1922 roku otwarto grób Tutenchamona, co wzbudziło zainteresowanie w Egipcie. Cartier otworzył linię biżuterii w stylu egipskim. Były to wisiorki z jadeitu z diamentami i rubinami, wykonane ze skarabeuszy z dymionego kwarcu, których skrzydła pokryto niebieskim fajansem.
W epoce Art Deco narodził się postimpresjonizm, surrealizm i ekspresjonizm, a gusta ludzi kształtowały pory roku Diagilewa w Paryżu. Wszystko to złożyło się na spektakl pojawiania się nowych technologii. Syn słynnego jubilera-artysty Georgesa Fouqueta z poprzedniej epoki secesji, Jean Fouquet tworzył swoje prace w stylu odmiennym od wszystkich i wszystkiego. Jego prace - bransoletki i broszki z kości słoniowej zachowane w kolekcjach w Nowym Jorku i Paryżu - są naprawdę niepodobne do niczego innego. To czysty kubizm, motyw awangardy początku XX wieku. 
Inny jubiler z Paryża, Raymond Templier, wyprodukował oryginalne „drapacze chmur” - platynowe kolczyki z przejawem idei konstruktywistycznych. Templier dekorował geometryczne elementy swoich „cennych projektów” japońskim lakierem lub jasną emalią. Jubilerów Jeana Fouqueta i Raymonda Templiera można uznać za prawdziwych „gości z przyszłości”.
Dom Jubilerski Cartier, który za podstawę przyjął Art Deco
W latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku House of Cartier produkował produkty, które wyraźnie wskazywały na pojawienie się nowego stylu. Przede wszystkim Cartier zaczął stosować proste kształty i kompozycje w formie kół i segmentów, które uważał za najbardziej „kobiece”. Potem opanował inne postacie. Ich biżuteria z kryształu górskiego, masy perłowej, jadeitu i onyksu o wyraźnych, prostych sylwetkach została ozdobiona diamentami i innymi kamieniami szlachetnymi, starannie dobraną kolorystyką.
Ale potem rzemieślnicy pracujący w Domu Cartierów opanowali „białe art deco”, łącząc diamenty i białą platynę z czarną emalią i czarnym onyksem. W ten sposób z czarno-białych plam narodził się specjalny motyw „skóry pantery”, który wykorzystano także do tworzenia zegarków naręcznych. Dzięki „białemu art deco” nie tylko firma wzbogaciła się, ale ukształtował się zupełnie nowy styl.
W tamtych czasach broszki w formie koszy z kwiatami lub wazonów z owocami, składane z szafirów, rubinów i szmaragdów, wykonywano na kolorowym tle. Motyw kosza wypełnionego kwiatami był bardzo charakterystyczny dla biżuterii Art Deco.
W 1925 roku w Paryżu odbyła się wystawa współczesnego przemysłu i sztuki zdobniczej, która stała się prawdziwym triumfem dynastii Cartierów. Francuscy jubilerzy Sandoz, Fouquet, Van Cleef, Despres, Mauboussin i inni pokazali, jak rodzi się estetyka najnowszej epoki. Złoty medal otrzymał paryski jubiler Georges Mauboussin, już bardzo dobrze znany w wyższych sferach.
Era Art Deco i technologia jubilerska
W 1935 roku Alfred Van Cleef i Julien Arpels wynaleźli niewidzialną oprawę dla kamieni szlachetnych. W rubinach, szafirach i diamentach wycięto rowki, kamienie ściśle do siebie przylegają, metal został całkowicie pokryty. Dzięki temu nowemu produktowi firma Van Cleef i Arpels, a po niej cała reszta, zaczęła tworzyć prawdziwe arcydzieła w stylu Art Deco.
W latach trzydziestych XX wieku biżuteria w stylu Art Deco stała się powszechna, gdy zarówno kraje europejskie, jak i Ameryka zaczęły tworzyć przedmioty dostępne dla szerokiego grona nabywców. Były to broszki na zatrzaski wykonane z diamentów, sautoirs (od francuskiego „porter en sautoire” – do noszenia na ramieniu) oraz bransoletki, w których drobne diamenty podkreślały ozdobne linie wyraźnych płaskich wzorów. Nadal można znaleźć wiele podobnych biżuterii w sklepach z antykami.
Na całym świecie okres dominacji stylu Art Deco przypadł na okres między I a II wojną światową. Jednak jego figuratywna struktura i zastosowane techniki okazały się na tyle uniwersalne, że do dziś wyglądają jasno i nowocześnie.
ŚLEDŹ NAS NA ZEN
Pochodzenie:
1. F Francja (Art Deco. 1925, 1966)
2. USA (styl Hollywood, New York Gley 1930, 1960, 1980)
3. ZSRR (konstruktywizm 1920-30 i styl imperialny Stalina 1935-55)
Główne cechy:
1. Forma musi podążać za funkcją. Obraz rzeczy tworzony jest z celu.
2. Kształty geometryczne schodkowe lub liniowe. Płaskie występy.
3. Podstawowe kształty geometryczne: trójkąt, elipsa, romb, zygzak, róża kompasowa.
4. Jasne, kontrastujące kolory.
5. Kompozycja dynamiczna czyli elementy ruchome
6. Wyraźne krawędzie i kontury, zaokrąglone rogi.
7. Drogie materiały: kość słoniowa, brąz, polerowany kamień
8. Materiały do produkcji masowej: chrom, szkło, bakelit.
Główna charakterystyka:
1. Styl gloryfikował dynamiczne, dostatnie życie: podróże, sport, kurorty, wyrafinowane towary zwiększające prędkość, nowy typ kobiety.
2. Refleksja poprzez sztukę nad nowym, przemysłowym środowiskiem człowieka. Przemiany materialnego i wizualnego środowiska człowieka pod presją niespotykanych wcześniej zmian technicznych i społecznych.
3. Motywy etyczne: sztuka starożytnego Egiptu i Azteków, haft rosyjski, grafika popularna
Symbole lub stałe stylu:
1. Samochód, pociąg, parowiec, drapacz chmur, fontanna
2. Szybkość, ruch.
Jak nowy styl Art Deco po raz pierwszy pojawił się we Francji i wyraźnie dominował 1918-1939 gg. V Niemcy, związek Radziecki I USA. Charakteryzuje się połączeniem monumentalnych, obciążonych form z wyszukaną dekoracją; połączenie elementów kubizmu i ekspresjonizmu; stosowanie wyrazistych form „projektu technicznego”.
Impulsem do szybkiego rozwoju tego stylu był Wystawa paryska 1925 miasta, gdzie zaprezentowano najnowsze osiągnięcia z zakresu architektury, wyposażenia wnętrz, mebli, wyrobów metalowych, szkła i ceramiki. DO Do czasu zamknięcia Wystawy Paryskiej w październiku 1925 r. i rozebrania pawilonów świat był gotowy na przyjęcie nowego, jasno określonego stylu.
Eklektyzm Art Deco Wystawa z 1925 roku ukazała splot różnych korzeni tego stylu, który swoje narodziny zawdzięcza zarówno kubizmowi, jak i modzie na egzotykę, a także współczesnej sztuce zdobniczej Austrii, Niemiec, Holandii, Włoch, Czechosłowacji, krajów skandynawskich i Sama Francja. Nowy styl rozwinął swój własny język dekoracyjny, który nadal się rozwijał i udoskonalał we wszystkich zakątkach planety, język ten stał się symbolem dynamiki i skali nowoczesny świat. Art Deco był gotowy stać się wyrazem nowoczesności, czyli stylu, który miał w niedalekiej przyszłości zacząć odgrywać dużą rolę w wielu ważnych obszarach produkcji w całym świecie zachodnim.
Zaczęło się od lekkiej, pełnej wdzięku innowacji inspirowanej baletem ” Rosyjskie pory roku", Art Deco wkrótce przekształcił się w uosobienie niesamowitej prostoty i bezkompromisowości życia w epoce maszyn. Przedstawiciele wszystkich dziedzin współczesnej sztuki plastycznej i zdobniczej poszukiwali sposobu na wyrażenie szybkości i nacisku, z jakim samochody, pociągi, samoloty, radio i elektryczność zmieniają istniejący świat - próbowali znaleźć prostsze kolory i formy, wyraźniejsze i mocniejsze niż te używane wcześniej. Art Deco ukształtowała sposób życia ludzi w okresie międzywojennymlat, ich sposób ubierania się i mówienia, podróżowania, pracy i wypoczynku. Zdominował przemysł rozrywkowy i sztukę – jego ducha można odczuć w kinach, apartamentowcach, drapaczach chmur, kompozycjach wnętrz i wzorach cennej biżuterii, w projektowaniu naczyń kuchennych i latarni ulicznych, w rzeźbach i plakatach, w ilustracjach do książek i czasopism, w tkaninach, obrazach, w budynkach użyteczności publicznej.
Ogólnie rzecz biorąc, styl ten można postrzegać jako ostatni etap rozwoju sztuki w okresie secesji lub jako styl przejściowy od secesji do powojennego funkcjonalizmu, projektowania w „stylu międzynarodowym”.Styl Art Deco wielokrotnie udowodnił swoją niesłabnącą atrakcyjność i nawet dziś pozostaje najskuteczniejszym sposobem demonstrowania elegancji i luksusu.
Zwiedzającym wystawę z 1925 roku obiecywano wielkie widowisko. Był to zarówno park tematyczny, jak i targi: Ekspozycja zajmowała duży obszar w centrum miasta, po obu brzegach Sekwany. Prawy brzeg rzeki został oddany pawilonom obcych krajów, a most Aleksandra III został przekształcony przez Maurice'a Dufresne'a w most wenecki z dwoma rzędami sklepów. Część pawilonów francuskich przeznaczono na paryskie domy towarowe, salony i duże zakłady państwowe.
Pierwsza wystawa. Nazwa Art Deco pochodzi od nazwy Międzynarodowej Wystawy Sztuki Dekoracyjnej i Przemysłowej i dosłownie oznacza „sztukę dekoracyjną”. Zgodnie z pierwotnym planem wystawa ta miała się odbyć w 1916. Jednak ze względu na trudności gospodarcze w okresie powojennym był on wielokrotnie przekładany, a takie kraje jak m.in Niemcy i Holandia. Stany Zjednoczone otrzymały zaproszenie zbyt późno i nie przygotowały się (?).
Warunkiem udziału w wystawie była klauzula, zgodnie z którą eksponaty miały ucieleśniać coś nowego w sztuce i nie mieć żadnego związku z dotychczas powszechnymi stylami. Organizatorom zależało na zwróceniu uwagi i przywróceniu wizerunku Francji jako trendsetterki mody i stylu, głównego źródła dóbr luksusowych. Głównym przesłaniem było wezwanie do tworzenia rzeczy oryginalnych, do stworzenia koncepcji odpowiadającej rosnącej industrializacji.„Wśród kubistycznych drzew naturalnej wielkości igrają ogromne szklane fontanny, a wodospady muzycznych dźwięków spływają kaskadą alejek z zawrotnych szczytów czterech gigantycznych wież. Wejdź do pawilonów, a... zobaczysz meble o niesamowitych i niewidzianych wcześniej kształtach, dekoracje o niewyobrażalnych wzorach na ścianach, podłogach i sufitach.”
Dwadzieścia dwa pawilony zagraniczne stanowiły stosunkowo niewielką część ekspozycji w porównaniu z przeważającą częścią Francji, jednak ich różnorodność wskazuje na brak dominującego stylu. Style na wystawie sięgały od radykalnego konstruktywizmu pawilonu radzieckiego po konserwatywną pseudokościelną wystawę angielską.
A jednak pewne cechy stylistyczne, które wyraźnie pojawiły się na wystawie w 1925 roku, zostały później nazwane Art Deco. Są to przede wszystkim trendy, które stały się podstawą międzynarodowej definicji stylu. W tym sensie ciężkie, zaokrąglone kontury luksusowych mebli są typowe Rühlmanna, stylizowany rysunek tapicerki meblowej Ludwik Xu I Andrzej Mara, szklane kaskady René Lalique a także zespoły Paula Follota i Maurice’a Dufresne’a, które charakteryzują prostota krzywizn fornirowanego drewna, niezwykłe oświetlenie, zygzakowate wzory i meble o kątach prostych. We wszystkim była pewna jedność, szczególnie oczywista dla tych, których to irytowało. Pewien amerykański krytyk narzekał: „Nudna przemiana kątów, sześcianów, ośmiościanów, kwadratów i prostokątów stwarza nastrój nie tyle buntu, co zabawy”. Ale to właśnie poprzez rozwój i adaptację tych form nastąpiła popularyzacja i internacjonalizacja Art Deco. To oni określili różnorodność słownictwa „ostatniego ze stylów totalnych”.
Pierwsze użycie nazwy:
Sama nazwa – art deco – pojawiła się w 1966 G. Wtedy właśnie w Paryżu, w Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, powstała wystawa dzieł sztuki użytkowej lat 20. i 30. XX wieku, stworzona w oparciu o „ekspresyjne struktury, które zawierały dynamiczną przestrzeń w zamkniętej bryle”*. Wcześniej Art Deco nazywano „jazzowym nowoczesnym”, „opływowym (opływowym) nowoczesnym”, „zygzakowatym nowoczesnym”, a w USA - „stylem gwiazd” (co oznacza gwiazdy Hollywood, które nosiły ubrania w stylu Art Deco i mieszkały w domach w stylu Art Deco architektura wyposażona w odpowiednie meble i sprzęty).
Art Deco często nazywany ostatnim wielkim stylem. Najprawdopodobniej jest to po prostu piękne zdanie. Zgadzamy się, że Art Deco-świetny styl, ale nie ostatni. Naszym zdaniem styl wdrożony (odciśnięty) w architekturze ma już pełne prawo nazywać się stylem wielkim, a każdy kierunek staje się stylem, gdy zostanie dla niego opracowany antystyl. Art Deco„odnotowywane” we wszystkich rodzajach ludzkiej działalności twórczej, od użytkowych przedmiotów gospodarstwa domowego po malarstwo i architekturę.
Tworzenie stylu:
Krytycy sztuki z łatwością odnajdują się w dziełach Art Deco pożyczyć od Art Nouveau, Kubizm, Abstrakcjonizm, Futuryzm, sztuka starożytnego Egiptu, Afryki, Japonii... Ale każdy element tego „koktajlu” był istotny dla ludzi lat dwudziestych, którzy przeżyli najstraszliwszą wojnę, zdali sobie sprawę, że nie będzie już powrotu do starego świata i zobaczyli że świat jest znacznie większy i bardziej różnorodny, niż im się wcześniej wydawało. Wiek XX to początek kształtowania się tego paradygmatu rozwoju społeczno-gospodarczego, który później, w latach 50., otrzyma wyrazistą nazwę - "społeczeństwo konsumentów" Dążenie Europejczyków i Amerykanów do estetyzacji życia codziennego, komfortu, aktywnego wprowadzania nowych technologii w życie ludzi, przejścia do produkcja seryjna te artefakty, do których należały dziesięć lat temu dobra luksusowe(Na przykład, samochód) - wszystko to wymagało odpowiedniego artystycznego opanowania nowych rzeczywistości technicznych i ludzkich.
Stopiwszy się, wszystkie te innowacje dały początek sztuce, w której jednocześnie dominowały dwa, na pierwszy rzut oka wykluczające się, trendy. Z jednej strony „energetyczne” konstrukcje w postaci zygzaków, błyskawic, błysków światła, trójkątów, rombów, rozciągniętych elips – wszystko, co pomogło oddać wrażenie prędkość ruchu, energia, ciśnienie. Wydawało się, że wokół niektórych prac Art Deco„wiatr gwiżdże”. Z drugiej strony wszystkie te dysonanse zostały paradoksalnie połączone z podkreśleniem elegancja, prostota z arystokracją.
Art Deco W centrum swojej koncepcji umieścił hedonizm i nieodłączny komfort życia codziennego. I w tym celu najpierw muszą być rzeczy otaczające osobę funkcjonalny, tj. Najlepszym sposobem przystosowane do wykonywania swoich pragmatycznych zadań. Formularz po pierwsze, musi odpowiadać Funkcje, a po drugie odzwierciedlają główną cechę współczesnego świata - szybkość zmiany, ich nowość Jest w ramach Art Deco po raz pierwszy pojawiły się eleganckie meble wykonane z pustych w środku metalowych rurek przypominających kierownicę roweru, biżuteria wykonany z aluminium, elementy wewnętrzne ze stali spawanej, neon.
Implementacja w architekturze.
Chaos, złożoność i polichromia Moderna prędzej czy później trzeba je wymienić. Z Art Deco przyszedł do architektury przejrzystość, trwałość, klasycyzm i wizualna prostota. Porządek, kolor, geometria- Manifest Art Deco. Art Deco, podobnie jak Art Nouveau, to styl międzynarodowy, który pojawił się w Ameryce, Europie i Azji; w momencie swojego powstania Art Deco zapożycza pewne zasady z secesji. W przeciwnym razie prądy te są zupełnie inne.
Przede wszystkim powraca miejsce asymetrii i poetyckiego nieładu oś symetrii i geometrii, ludzie chcieli mieć ziemię pod nogami. Nowy styl geometryczny, uporządkowany, wyrachowany- zawsze aż do ozdoby. Symetria w Art Deco jest preferowana, ale czasem może jej nie być, ale w kompozycji musi być zachowana równowaga mas. W Art Deco na czele - szybkość linii. Szczególnie widać to w drapaczach chmur w USA.
W USA w lata 30-te lata Art Deco przeniósł się do elegancki funkcjonalizm. Klasyczne przykłady architektury Art Deco są drapacze chmur Nowego Jorku. Na Manhattanie jest ich ok 150 drapaczy chmur związane z tym stylem.
Budynek Chryslera w USA
Gdy samochody stają się błyszczące, Art Deco uwielbia połysk, odblaskowe powierzchnie i oczywiście metal i jego imitacje. Jednocześnie materiał nie zmienia się wizualnie i w przeciwieństwie do Modern, jeśli jest metalem, to jest ściśle geometryczny.
Najbardziej uderzającym przykładem jest tradycyjnie uważany za słynny drapacz chmur Budynek Chryslera g (Budynek Chryslera). Szczyt budynku zdobi 38-metrowa iglica ze stali nierdzewnej Chrysler Building – aktywny udział metalu i wrażenie rakiety. Zbudowany przez architekta Williama van Alena i otwarty dla publiczności 27 maja 1930 roku. Ta majestatyczna konstrukcja zachwyca nie tylko swoją wielkością, ale także elegancją.
Za zewnętrzną prostotą budynku kryje się skomplikowana dekoracja z drogich materiałów wnętrza. Art Deco wykorzystuje elementy antycznych ozdób, jednak nie są to wierne kopie, lecz rzeczy na nowo zinterpretowane. Ozdoby są nie tylko greckie czy rzymskie – pochodzą z Egiptu, Mezopotamii i Afryki. Dla Art Deco„luksus” to nie tylko drogie materiały, ale również bogactwo wizualne: jasne, bogate kolory. Zwykle stosuje się więcej niż 3 kolory, co daje niesamowicie spójny i nieoczekiwanie piękny wygląd. Na tle szachownicy kontrastującej czerni i bieli jarzą się plamy czerwieni i złota, chromowane elementy wnętrza.
Amerykańscy architekci tamtego okresu Art Deco były zamierzone skąpy i racjonalne Projekt zewnętrzny budynki, ale rozrzutny i kreatywny w swoim projektowaniu wnętrza: wejścia, hole, korytarze, windy i lobby oraz oczywiście apartamenty, pokoje hotelowe i biura, wydając na to znaczne sumy pieniędzy, wykorzystując drogie materiały i nowoczesne technologie, a także twórczą wyobraźnię i umiejętności artystyczne.
Inne drapacze chmur w Ameryce:
Należy pamiętać, że wiele budynków w stylu Art Deco w jakiś sposób przypomnieć Piramidy egipskie. W 1922 roku cały świat zachodni był zszokowany odkryciem grobowca Tutanchamona. Najwyraźniej dlatego powszechna fascynacja motywami architektonicznymi starożytnego Egiptu (piramidy), Mezopotamii (zigguraty) była charakterystyczna dla architektury Art Deco. Często główne elementy architektoniczne domu można dostrzec jedynie trzymając głowę wysoko. Budynek Chryslera, Rockefeller Center i Empire State widoczne są w całej okazałości jedynie z pełnej szacunku odległości. Fasada wieżowca aż do 20, a nawet 30 piętra może wyglądać prosto i bezpretensjonalnie, a powyżej będzie bogato i misternie zdobiona.
1. Budynek grzejników na Manhattanie. Nowy Jork. 2. Budynek Niagara Mohawk, zbudowany dla największej firmy elektroenergetycznej w Stanach Zjednoczonych.
Azja, Chiny, Szanghaj.
Symbolem Szanghaju jest Bund. Bund jest prawdopodobnie jedną z najbardziej niechińskich atrakcji w Chinach. Dawno, dawno temu była tu strefa dla obcokrajowców. Tylko mieszkańcy innych stanów mogli mieszkać, wynajmować i kupować grunty i nieruchomości po tej stronie Huangpu. Tym samym nasyp na jakiś czas stał się małą oazą zachodniego życia w azjatyckim kraju. Później Bund zapełnił się Szanghajczykami i mieszkańcami innych pobliskich miast, a na pamiątkę po byłych osadnikach pozostały tu domy, pomniki i inne najróżniejsze budynki... Dziś w Bund znajduje się ponad 50 budynków wykonanych w stylu różnorodność stylów architektonicznych: klasycyzm, Barok, Art Deco, Gotyk, Beaux-Arts, Romantyzm, Renesans... Dzięki temu miejsce zyskało tak pochlebne przydomki, jak „muzeum architektury światowej” czy „targi architektury dziesięciu tysięcy państw”.
Na wschód od Bundu, nabrzeża Szanghaju, wznoszą się w niebo drapacze chmur. Pudong na Wschodnim Manhattanie; niektórzy z nich sami nie wiedzą równego wzrostu na świecie i na architekturze nowoczesnej. Shanghai World Financial Center to drapacz chmur w Szanghaju, którego budowę zakończono latem 2008 roku. Wysokość centrum wynosi 492 metry.
Singapur
Hotel Parkview Square (2002).
Hotel nosi uroczą nazwę Gotham Building. Styl Batmana oddaje istotę Art Deco
S S S R Konstruktywizm jest często nazywany krajowym odpowiednikiem Art Deco. Przestrzeń społeczna artystów Zachodu i Rosji Sowieckiej była inna, ale czas historyczny był ten sam, co prowadzi ludzi twórczych do bardzo podobnych decyzji artystycznych, czasem na granicy bezpośredniego zbiegu okoliczności. (zdjęcie budynku Pano Chrysler Building i radzieckich) stalinowskich drapaczy chmur
Wśród moskiewskich stacji metra najbardziej uderzającymi przykładami są stacja Kropotkinskaya (pierwotnie Pałac Sowietów), Sokol, Aeroport, ale najbardziej stacja w stylu Art Deco to „Majakowska”, z mozaikowymi odcieniami, zaprojektowany przez architekta Aleksieja Nikołajewicza Duszkina i otrzymał Grand Prix na Wystawie Światowej w Nowym Jorku w 1939 roku. Panele mozaikowe zamontowane w kopułach kesonowych wykonane są według szkiców artysty Aleksandra Deineki na temat „Dni codzienne Ziemi Sowietów”: poranek (7 paneli) - dzień (8) - noc (5) - poranek (15 ). Zakładano, że pasażerów wchodzących i wychodzących „powitają” poranne historie. Wszystkie panele przedstawiają życie obywateli młodego państwa radzieckiego. Ostatnim dużym projektem związanym ze stylem Art Deco w ZSRR był pierwszy etap metra leningradzkiego
Radziecki Art Deco to pawilon ZSRR Wystawa paryska 1937 zwieńczeniem obrazu „Pracownica i kobieta z kołchozu” Very Mukhiny. Pawilon ZSRR i pawilon nazistowskich Niemiec stały naprzeciw siebie, w samym centrum ekspozycji.
Było niezręcznie, bo nasza grupa „Robotnica i Kołchoz” leciała jak wichura prosto w stronę hitlerowców. Nie można było jednak obrócić rzeźby, gdyż zmierzała ona w stronę budynku.
Niemcy czekali długo, chcąc poznać wysokość pawilonu ZSRR wraz z grupą rzeźbiarską. Kiedy to ustalili, zbudowali nad swoim pawilonem wieżę o około dziesięć metrów wyższą od sowieckiej. Na szczycie umieszczono hitlerowskiego orła. Ale jak na taką wysokość orzeł był mały i wyglądał raczej żałośnie
Ogólnounijna Wystawa Rolnicza, która ostatecznie otrzymała tę nazwę VDNH, stała się arcydziełem architektury epoki socrealizmu, które wciąż nie zostało należycie docenione. Część pawilonów, jeśli nie wiele, to dzieła o doskonałej formie, niepowtarzalne pomniki, które odzwierciedlały ducha i istotę idealnego i być może nieosiągalnego świata prawdziwej wolności, równości i braterstwa, który miały symbolizować.
Terytorium VDNH jest bogate w różnorodne zabytki architektury, z których wiele jest znanych na całym świecie. Stworzone w czasach sowieckich, są pomnikiem epoki sowieckiej, wiele z nich to przykłady innowacji, mocy, luksusu, fundamentalności i posiadają cechy stylistyczne Art Deco. 18 kwietnia 1963 roku Komitet Centralny KPZR i Rada Ministrów ZSRR podjęły uchwałę w sprawie przeprofilowania VDNH
VV 1920-1930. Art Deco pozostawione na pamiątkę wspaniałych wnętrz moskiewskiego metra, pozostałości przedwojennego luksusu VDNH i porcelana z Leningradzkiej Fabryki Porcelany. Oczywiście nasz styl spotkał się z bardzo wyjątkową refrakcją. Ale charakter „narodowy”. Art Deco jest wyraźnie widoczne w kulturze innych krajów. Za całą tą różnorodnością nietrudno dostrzec najważniejsze: sztuka tamtych lat jest ucieleśnieniem mitu nowego Złotego Wieku, wyrażonego przez nowoczesne techniki artystyczne. W naszym wiejskim stylu Art Deco nie był tak powszechnie znany jak w Europie i USA. Uważa się, że architektura epoki stalinowskiej była jedną z prób stworzenia Art Deco
