Μετάφραση από τα γαλλικά, "art deco" σημαίνει "διακοσμητική τέχνη". Το στυλ Art Deco, ή όπως ονομάζεται επίσης - Art Deco, έλαβε το όνομά του όταν μια έκθεση διακοσμητικών και εφαρμοσμένων τεχνών πραγματοποιήθηκε στο Παρίσι το 1925. Πότε και πώς προέκυψε αυτό το στυλ; Και γενικά τι αντιπροσωπεύει στα κοσμήματα;
Ήδη στις αρχές του 20ου αιώνα, οι κοσμηματοπώλες άρχισαν να εγκαταλείπουν τις περιελίξεις της Art Nouveau και να στρέφονται στην αναζήτηση νέων μέσων έκφρασης. Στην ύστερη νεωτερικότητα, οι γεωμετρικές γραμμές που ενυπάρχουν στο Art Deco είχαν ήδη ανακαλυφθεί, αλλά όλα διακόπηκαν από τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, μετά το τέλος του οποίου οι άνθρωποι προσπάθησαν να βρουν νέα ιδανικά με ακόμη μεγαλύτερη επιθυμία, γιατί εκτός από την καταστροφή και τις ανθρώπινες απώλειες, υπήρξε απογοήτευση για τις αξίες του παρελθόντος.
Εμφανίστηκε μια νέα γυναίκα, η οποία ενέπνευσε ποιητές και καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένων καλλιτεχνών κοσμημάτων. Ήταν εκείνη τη στιγμή που ο Louis Cartier σκιαγράφησε τα πρώτα του κοσμήματα σε μια νέα κατεύθυνση.
Το Art Deco απορρόφησε την απλότητα και την πολυτέλεια, ένα αγνό και λαμπερό παιχνίδι με πέτρες, στυλιστικές αναζητήσεις, συμπεριλαμβανομένου του κυβισμού, του μοντερνισμού, του σουρεαλισμού, του νεοκλασικισμού και των εθνοτικών χαρακτηριστικών της Αρχαίας Ελλάδας, της Αιγύπτου, της Αφρικής και της Ανατολής.
Οι κοσμηματοπώλες, όπως όλοι οι γλύπτες τέχνης, ακούν πάντα με ευαισθησία τη διάθεση στην κοινωνία. Πώς μπορούμε να βοηθήσουμε να ξεχάσουμε τη φρίκη του πολέμου και να φέρουμε χαρά στους ανθρώπους; Ήταν εκείνη την εποχή που ο εκλεκτικισμός των τάσεων του στυλ έκανε το Art Deco ένα καινοτόμο στυλ.
Και έτσι, οι σχεδιαστές των οίκων κοσμημάτων πρότειναν νέες φόρμες, που έγιναν γεωμετρικές, γραμμικές σχεδιάσεις, συμμετρική σύνθεση, χρωματικές αντιθέσεις και ιδιαίτερη κοπή. πολύτιμοι λίθοι, που απέκτησαν πιο ξεκάθαρες γραμμές, οι τριγωνικές, οι τραπεζοειδείς και οι σμαραγδένιες ήταν συχνότερες.
Στην αρχή, οι κοσμηματοπώλες χρησιμοποιούσαν φθηνά υλικά: σμάλτο, χρώμιο, γυαλί, πλαστικό και προτιμούσαν έντονα χρώματα. Ωστόσο, η μεταπολεμική κοινωνία προσπάθησε να δημιουργήσει γύρω της την ψευδαίσθηση της πολυτέλειας και της ευημερίας. Και πρώτα από όλα, αυτό θα μπορούσαν να το κάνουν οι βασίλισσες της ασημικής οθόνης του Χόλιγουντ. Τα βραχιόλια και τα κολιέ τους άστραφταν με διαμάντια από τις οθόνες.
Κατά την εποχή του Art Deco, η πλατίνα έγινε λατρευτικό μέταλλο· ήταν αυτό το ευγενές μέταλλο που μπήκε στη μόδα. Και μαζί με αυτό, ο λευκός χρυσός, το ασήμι, ο χάλυβας και ακόμη και το αλουμίνιο κέρδισαν δημοτικότητα. Εκτός από τα μέταλλα, οι κοσμηματοπώλες χρησιμοποιούσαν συχνά εξωτικά υλικά - ελεφαντόδοντο, δέρμα κροκόδειλου και καρχαρία, καθώς και σπάνια ξύλα. Χρησιμοποιήσαμε καθαρό λευκό φίλντισι, λευκά διαμάντια και μαύρο όνυχα...
Το πλεονέκτημα του στυλ Art Deco είναι ο τολμηρός συνδυασμός πολύτιμων λίθων με στρας σε ένα κόσμημα, φυσικά μαργαριτάρια– με τεχνητό.
Η πιο κοινή τεχνική διακόσμησης ήταν η επισμάλτωση μετάλλων και η ασυνήθιστη κοπή. Οι μορφές κοσμημάτων στο στυλ Art Deco είναι η σαφής γεωμετρία και η αυστηρή συμμετρία, η διάταξη των στοιχείων με έναν ορισμένο ρυθμό εναλλαγής.
Τα κύρια κίνητρα στο σχεδιασμό των κοσμημάτων, εκτός από τη γεωμετρία, ήταν οι εικόνες και τα σκηνικά του Ρωσικού Μπαλέτου του S. Diaghilev, ο πολιτισμός διαφορετικές χώρεςκαι εποχές - Αρχαία Αίγυπτος, Κίνα, Ιαπωνία, Ινδία, Αρχαία Ελλάδα, Αφρική, αντικείμενα χλωρίδας και πανίδας.
Τα πιο γραφικά κοσμήματα περιλαμβάνουν μια καρφίτσα-φούντα, μακριά σκουλαρίκια, συμπεριλαμβανομένων σκουλαρίκια-φούντες που κοσμούσαν τα κομμένα κεφάλια των καλλονών, βαριές ζώνες, βραχιόλια που φοριούνται όχι μόνο στον καρπό, αλλά και στον πήχη, μια κορδέλα (bandeau), διακοσμημένη με στρας, πέρλες και για κάποιους διαμάντια, δαχτυλίδι κοκτέιλ, κολιέ γιακά, κολιέ και βραχιόλι σε σχήμα φιδιού, δαχτυλίδι και βραχιόλι σε σχήμα πάνθηρα...
Κατά την περίοδο Art Deco, ήρθαν στη μόδα και οι πολύτιμοι αναπτήρες και οι θήκες τσιγάρων, στις οποίες εναλλάσσονταν επίσης ασπρόμαυρα εξαρτήματα.
Τα ρολόγια χειρός κέρδισαν εξαιρετική δημοτικότητα, στη δημιουργία των οποίων οι κοσμηματοπώλες έδειξαν εξαιρετική φαντασία. Τα ρολόγια είχαν ποικιλία σχημάτων, πλούσια διακόσμηση, πρωτοτυπία και χάρη. Η θήκη του ρολογιού και τα βραχιόλια ήταν διακοσμημένα με πολύτιμους λίθους.
Ένας από τους πιο γνωστούς κοσμηματοπώλες εκείνης της εποχής ήταν ο Ζορζ Φουκέ και ο γιος του. Ο Παριζιάνος κοσμηματοπώλης Raymond Templier δημιούργησε επίσης ενδιαφέρουσες καλλιτεχνικές λύσεις. Ξεχωριστή θέση στη δουλειά του κατέχουν τα κοσμήματα με αυστηρά γεωμετρικά στοιχεία διακοσμημένα με λαμπερό σμάλτο, με εντυπωσιακή χρωματική αντίθεση.
Η ιστορία του Οίκου Cartier δείχνει ξεκάθαρα την ανάπτυξη του στυλ Art Deco. Τα κοσμήματα της δεκαετίας του 20-30 από τον Louis Cartier δείχνουν τα κύρια στάδια στην ανάπτυξη του νέου στυλ. Αρχικά, ο Cartier χρησιμοποίησε περισσότερο κύκλο ή τμήμα, πιστεύοντας ότι ήταν αυτά γεωμετρικά σχήματαΚατάλληλο για γυναικεία κοσμήματα. Μετά άρχισε να χρησιμοποιεί τετράγωνο και ορθογώνιο.
Ο κοσμηματοπώλης διακόσμησε τα κοσμήματά του με διαμάντια σε συνδυασμό με άλλες πέτρες και σμάλτο. Τα κοσμήματά του έπαιζαν με έντονα χρώματα και εξαιρετικά χρώματα, για παράδειγμα, πρόσθεσε πολυτελή διαμάντια σε προϊόντα από όνυχα, κρύσταλλο βράχου και νεφρίτη, κοράλλι και φίλντισι. Σταδιακά, οι κοσμηματοπώλες του Cartier εγκατέλειψαν τα έντονα χρώματα και άρχισαν να χρησιμοποιούν άσπρο χρώμα. Έτσι εμφανίστηκε το στυλ «white art deco».
Τα κοσμήματα με αυστηρά γεωμετρικά σχήματα σε έναν αντιθετικό συνδυασμό λευκού και μαύρου χρώματος -λευκή πλατίνα και διαμάντια με μαύρο όνυχα ή μαύρο σμάλτο- ήταν υπέροχα. Βάσει αυτής της χρωματικής αντίθεσης δημιουργήθηκε ένα μοναδικό μοτίβο, που ονομάζεται «δέρμα πάνθηρα».
Στη συνέχεια, το μοτίβο χρησιμοποιήθηκε για τη δημιουργία καρφίτσες σε σχήμα πάνθηρων, καθώς και για τη διακόσμηση διακοσμήσεων μαλλιών και ρολογιών χειρός. Ωστόσο, ήταν δύσκολο να αρνηθούμε εντελώς τα φωτεινά χρώματα του σμαραγδιού, των ρουμπίνων, των ζαφείρων, ακόμη και στο "λευκό art deco". Ως εκ τούτου, ο Cartier αγαπούσε να δημιουργεί καρφίτσες - "βάζα με φρούτα". Τα πολύχρωμα κοσμήματα σε στυλ tutti frutti έγιναν διάσημα κοσμήματα Cartier.
Μετά την ανακάλυψη του τάφου του Τουταγχαμών το 1922, υπήρξε έξαρση του ενδιαφέροντος για τα αιγυπτιακά κοσμήματα· ανάμεσα στα κοσμήματα του Cartier υπήρχαν θεαματικά μενταγιόν από πλάκες νεφρίτη με διαμάντια και ρουμπίνια, η περίφημη καρφίτσα «σκαραβαίος» από καπνιστή χαλαζία, πήλινα σκεύη, διακοσμημένα με διαμάντια .
Η φωτεινότητα και το χρώμα στα κοσμήματα αυξήθηκαν ακόμη περισσότερο το 1929 και μετά, γιατί ήταν τα χρόνια που χάθηκε η αγοραστική δύναμη σε όλους τους τομείς της ζωής και για να τραβήξουν την προσοχή και να επιβιώσουν στις δύσκολες στιγμές, δημιουργήθηκαν τα πιο λαμπερά αντικείμενα κοσμήματος. Ο νεφρίτης, το τοπάζι, το ζιργκόν, το κοράλλι και το γαλαζοπράσινο έχουν γίνει δημοφιλή.
Το στυλ Art Deco μπορεί να ονομαστεί τελικά διαμορφωμένο στις αρχές της δεκαετίας του 20, και το 1925 έλαβε την τελική αναγνώριση, και ως εκ τούτου σε μια έκθεση που πραγματοποιήθηκε στο Παρίσι το 1925 το στυλ έλαβε το όνομά του.
Στην έκθεση παρουσιάστηκαν έργα κοσμημάτων των Fouquet, Templier, Sandoz, Boucheron, Van Cleef, Cartier, Mauboussin και πολλών άλλων Γάλλων κοσμηματοπωλών. Η επιτυχία των κοσμηματοπωλών ήταν εκπληκτική. Ο Παριζιάνος κοσμηματοπώλης Georges Mauboussin έλαβε χρυσό μετάλλιο για κοσμήματα Art Deco.
Ο θαυμασμός των επισκεπτών δεν είχε όρια. Όλοι θαύμασαν τα περιδέραια που δημιούργησε ο Mauboussin, στα οποία τα διαμάντια σε πλατινένιο σκελετό εναλλάσσονταν με όμορφα μαργαριτάρια, ένα δαχτυλίδι jadeite, μενταγιόν σε μορφή βάζα λουλουδιών και σιντριβάνια. Μετά την έκθεση, η εταιρεία Mauboussin έγινε διάσημη.
Όχι μόνο τα κοσμήματα των Cartier και Mauboussin δόξασαν το στυλ Art Deco· χάρη στους κοσμηματοπώλες Boucheron, Van Cleef και Arpels, το στυλ Art Deco έγινε διεθνώς αναγνωρισμένο ως συνώνυμο της πολυτέλειας και του θαυμασμού. Εκείνα τα χρόνια, πολλά πράγματα άλλαξαν στη ζωή των ανθρώπων, αναπτύχθηκαν νέες τεχνολογίες, αναζητήθηκαν νέα υλικά και πραγματοποιήθηκε έρευνα στην επιστήμη και την τεχνολογία.
Ήταν ένας αιώνας επιτευγμάτων σε όλους τους τομείς της ανθρώπινης δραστηριότητας και ζωής. Όλα αυτά αντικατοπτρίστηκαν στις δραστηριότητες της τέχνης του κοσμήματος. Στο Van Cleef & Arpels, οι κοσμηματοπώλες επινόησαν έναν νέο τύπο σκηνικού για πολύτιμους λίθους - αόρατο σκηνικό. Οι πέτρες κόπηκαν με τέτοιο τρόπο ώστε να μπορούν να τοποθετηθούν η μία κοντά στην άλλη, έτσι το βασικό μέταλλο καλύφθηκε πλήρως με «πέτρινο πεζοδρόμιο». Αυτό κατέστησε δυνατή τη δημιουργία των πιο εξαιρετικών κοσμημάτων.
Διαμαντένιες καρφίτσες με κλιπ, σαβουάρ και κομψά βραχιόλια με καθαρά διακοσμητικά σχέδια από πολύτιμους λίθους ήταν περιζήτητα στις αγορές κοσμημάτων. Μπήκαν στη μόδα καρφίτσες-φούντες και χάντρες από φυσικές πέτρες. Ιδιαίτερα δημοφιλή, χάρη στη μόδα για κοντά κουρέματα, ήταν τα μακριά σκουλαρίκια με κλιμάκωση και τα μεγάλα σκουλαρίκια με κλιπ που κάλυπταν τον λοβό του αυτιού.
Οι ιστορικοί τέχνης πιστεύουν ότι το στυλ Art Deco κυριάρχησε στον κόσμο της τέχνης μόνο για περίπου δύο δεκαετίες, από τον Α' Παγκόσμιο Πόλεμο έως τον Β' Παγκόσμιο Πόλεμο. Αλλά κάτι άλλο είναι σημαντικό - πολλές από τις τεχνικές και τα επιτεύγματα στην τεχνολογία κοσμημάτων που αναπτύχθηκαν κατά τη διάρκεια του Art Deco αποδείχθηκαν τόσο καθολικές που οι κύριοι κοσμηματοπώλες ένιωσαν την επιρροή αυτού του στυλ για μεγάλο χρονικό διάστημα στις επόμενες γενιές.
ΣΕ σύγχρονη μόδαΤο στυλ Art Deco είναι και πάλι δημοφιλές. Επιλέγεται από γυναίκες με αυτοπεποίθηση που προτιμούν την πολυτέλεια και ταυτόχρονα την αριστοκρατική εγκράτεια.
Σεργκέι Ντιάγκελεφ
εποχές» του Sergei Diaghilev, οι κοσμηματοπώλες, όπως και οι συνάδελφοί τους καλλιτέχνες - αρχιτέκτονες και διακοσμητικοί καλλιτέχνες που εργάζονταν στο εσωτερικό σχέδιο - τελικά εγκατέλειψαν τις φανταστικές καμπύλες γραμμές και τους ξεθωριασμένους χρωματισμούς της Art Nouveau. Αναζητώντας νέα εκφραστικά μέσα, στράφηκαν σε καθαρές γεωμετρικές φόρμες, με σαφή κατασκευή συμμετρικών συνθέσεων, στις οποίες κυρίαρχο ρόλο έπαιξαν οι όμορφα κομμένοι πολύτιμοι λίθοι.
Το στυλ των έργων που δημιούργησαν θα ονομαζόταν αργότερα Art Deco. Συνδύαζε την απλότητα και την πολυτέλεια, τη σαφήνεια των γεωμετρικών σχεδίων και ένα λαμπερό παιχνίδι από αστραφτερές πέτρες. Αυτό το στυλ, που διαμορφώθηκε στη Γαλλία στις αρχές της δεκαετίας του 1920, κατέκτησε σύντομα τις Ηνωμένες Πολιτείες και στη συνέχεια τις περισσότερες ευρωπαϊκές χώρες, υποτάσσοντας σχεδόν όλα τα είδη εφαρμοσμένης τέχνης, συμπεριλαμβανομένης της ενδυμασίας, στις καλλιτεχνικές αρχές της.
Η νέα μόδα έπεσε εντελώς κάτω από τη δύναμη της καθαρής γεωμετρίας και το γυναικείο κοστούμι, που έμοιαζε με πουκάμισο σε κόψιμο, άρχισε να ορίζεται από αυστηρά 
εποικοδομητικότητα. Νέα ονόματα έχουν εμφανιστεί μεταξύ των δημιουργών μόδας. Το 1920, η avant-garde καλλιτέχνης Sonia Delaunay άνοιξε ένα σαλόνι μόδας στο Παρίσι, διακοσμώντας τα μοντέλα της με φωτεινά γεωμετρικά μοτίβα. Στη δεκαετία του 1930, ένα νέο αστέρι άστραψε στον ορίζοντα της μόδας - η Coco Chanel, η οποία έδωσε μεγάλη προσοχή στα αξεσουάρ κοσμημάτων και σύντομα άρχισε να σχεδιάζει η ίδια κοσμήματα. Οι νέοι καιροί δημιούργησαν ένα νέο ιδανικό για τις γυναίκες. Έγινε ανεξάρτητη και ανεξάρτητη, ισότιμη σύντροφος με έναν άντρα. Γενναίοι Παριζιάνοι
Coco Chanel
αναγνωρισμένες trendsetters, αμέσως μετά τον πόλεμο, πρώτα από όλα έκοψαν τα μαλλιά τους, μετά κόντευσαν τις φούστες τους και φόρεσαν αμάνικα φορέματα. Μια πρωτότυπη τάση της μόδας εμφανίστηκε, επικεντρωμένη σε μισές-κοριτσίσιες, μισές-αγορίστικες φιγούρες - η λεγόμενη μόδα «garçon». Είναι αλήθεια ότι στη δεκαετία του 1930, η γραμμή φορεμάτων μαλακώθηκε κάπως, η πολυτελής μόδα έγινε πιο θηλυκή και οι ιδέες για την ομορφιά ενσωματώθηκαν στις εικόνες των αστέρων του κινηματογράφου του Χόλιγουντ. Αλλά και στις δύο αυτές δεκαετίες, η γυναικεία φορεσιά άνοιξε μεγάλες δυνατότητες στη φαντασία των κοσμηματοπωλών.
Από τα πιο γραφικά διακοσμητικά, 
Αναμφίβολα ανήκε στη «καρφίτσα με φούντα» που διακοσμούσε τον ανοιχτό γιακά του βραδινού φορέματος. στις καθημερινές, πιο μέτριες τουαλέτες, αντικαταστάθηκε από μια ασυνήθιστα μακριά σειρά από τεχνητά μαργαριτάρια ή χάντρες από πέτρες. Τα μακριά σκουλαρίκια ήρθαν στη μόδα, διακοσμώντας αποτελεσματικά τα κομμένα κεφάλια, τις βαριές ζώνες και τα βραχιόλια, τα οποία φοριόνταν συχνά όχι μόνο στον καρπό, αλλά και στο αντιβράχιο. Εμφανίστηκε ένας νέος τύπος κοσμήματος - μια καρφίτσα δύο τεμαχίων με κλειδαριά κλιπ. Χρησιμοποιήθηκε για να καρφιτσώσει μοντέρνα truacarts. Τα ρολόγια χειρός κέρδισαν εξαιρετική δημοτικότητα κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου· κοσμηματοπώλες τα δημιούργησαν 
έδειξε καταπληκτική φαντασία. Τα ρολόγια διακρίνονταν για την ποικιλία σχημάτων, τον πλούτο της διακόσμησης και την κομψότητα. Το σώμα και τα βραχιόλια ήταν διακοσμημένα με πολύτιμους λίθους.
Οι πρωτοπόροι μιας νέας κατεύθυνσης στην τέχνη του κοσμήματος ήταν Γάλλοι δεξιοτέχνες. Ανάμεσά τους ήταν ένας από τους πιο διάσημους κοσμηματοπώλες στο Παρίσι, ο Ζωρζ Φουκέ, που στην εποχή της Αρ νουβό ονομαζόταν «δεύτερος μετά τον Λαλίκ». Σε ένα από τα πιο ολοκληρωμένα έργα του στις αρχές της δεκαετίας του 1920 
χρόνια, σε ένα στρογγυλό μενταγιόν με συμμετρικά μενταγιόν, όλα τα χαρακτηριστικά του νέου στυλ είναι ήδη ορατά - η σαφής γεωμετρία της μορφής και η διακοσμητική δομή της διακόσμησης, το τολμηρό μείγμα ακριβών υλικών: διαμάντια, σμαράγδια, λάπις λάζουλι και κρύσταλλο βράχου .
Ακόμη πιο καινοτόμα ήταν τα πειράματα του γιου του Jean Fouquet: δημιούργησε μια σειρά κοσμημάτων που ήταν εντελώς διαφορετικά από οτιδήποτε είχε γίνει πριν. Συλλογές στο Παρίσι και τη Νέα Υόρκη περιέχουν την ιβουάρ καρφίτσα και το βραχιόλι του, που αποτελούνται από στρογγυλούς κίτρινους χρυσούς συνδέσμους, οι οποίοι είναι διακοσμημένοι με πυραμίδες από μαύρο όνυχα και κύκλους λευκός χρυσός. Αυτά τα ασυνήθιστα κοσμήματα δημιουργήθηκαν σαφώς υπό την επίδραση των πρωτοποριακών αναζητήσεων των ζωγράφων των αρχών του αιώνα, και κυρίως των κυβιστών. Δεν είναι λιγότερο ενδιαφέροντα τα σκουλαρίκια από πλατίνα ενός άλλου Παριζιάνου κοσμηματοπώλη, του Raymond Templier. οι ιδέες του κονστρουκτιβισμού γίνονται ξεκάθαρα αισθητές στην κατασκευή τους. Ο Templier διακόσμησε τα αυστηρά γεωμετρικά στοιχεία των «πολύτιμων σχεδίων» του με λαμπερό σμάλτο ή ιαπωνικό βερνίκι, επιτυγχάνοντας ασυνήθιστα αποτελεσματικές χρωματικές αντιθέσεις. Ωστόσο, αυτά τα εκφραστικά και πρωτότυπα έργα και των δύο κοσμημάτων έδιναν περισσότερο την εντύπωση «αυτοδύναμων» έργων τέχνης παρά κοσμήματα που συνδέονται αρμονικά με το ανθρώπινο σώμα και τη φορεσιά του. 
Ίσως, σε αυτήν την προσέγγιση στον καλλιτεχνικό σχεδιασμό των κοσμημάτων, ο Jean Fouquet και ο Raymond Templier ήταν σχεδόν εκατό χρόνια μπροστά από την εποχή τους.
Στη δεκαετία του 1920, κατά τις πρώτες μέρες αυτού που μερικές φορές αποκαλούνταν «μοντέρνα τζαζ», οι κοσμηματοπώλες χρησιμοποιούσαν συχνά υλικά όπως σμάλτο, χρώμιο, γυαλί και πλαστικό και προτιμούσαν τα έντονα χρώματα. Αλλά πολύ σύντομα συνειδητοποίησαν ότι η μεταπολεμική «χαμένη γενιά» χρειαζόταν την ψευδαίσθηση της ευημερίας, την οποία παρείχαν μόνο ο χρυσός, η πλατίνα και τα πιο όμορφα φυσικές πέτρες. Πολλοί άνθρωποι έχουν ήδη μάθει από τη δική τους πικρή εμπειρία σε τι είναι μια σωτήρια οικονομική πηγή χρόνους στήθουςκοσμήματα μπορεί να γίνουν -άλλωστε τα έχουν στερηθεί εδώ και πολύ καιρό.
Οι κοσμηματοπώλες του Οίκου Cartier το κατάλαβαν πολύ καλά, έχοντας πάντα δεσμευτεί να χρησιμοποιούν τις πιο πολυτελείς πέτρες στα κοσμήματα. Ακόμη και πριν από τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, ο Louis Cartier ήταν ίσως ο πρώτος από τους κοσμηματοπώλες που αντιλήφθηκε τις νέες τάσεις στην τέχνη και άρχισε να στυλίζει τα αγαπημένα του μοτίβα από διάφορες γιρλάντες, δίνοντάς τους έναν γεωμετρικό χαρακτήρα. Τα έργα του της δεκαετίας 1920-1930 καταδεικνύουν ξεκάθαρα τα κύρια στάδια στην ανάπτυξη του νέου στυλ. 
Στο πρώτο στάδιο, ο Cartier προτίμησε τις αρμονικές συνθέσεις και τις απλές, καθαρές φόρμες. Αρχικά ήταν ένας κύκλος ή ένα τμήμα, αφού πίστευε ότι αυτά ήταν τα γεωμετρικά σχήματα που ήταν πιο κατάλληλα για κοσμήματα που προορίζονταν για μια γυναίκα. Αργότερα στράφηκε σε άλλα γεωμετρικά σχήματα: τετράγωνο, ορθογώνιο και λιγότερο συχνά ρόμβο. Διακοσμούσε κοσμήματα με λιτή και καθαρή σιλουέτα, από όνυχα, ροκ κρύσταλλο, νεφρίτη, κοράλλι ή φίλντισι, με διαμάντια και άλλους πολύτιμους λίθους, επιλέγοντας διακριτικά τα εξαίσια χρώματά τους.
Αλλά πολύ σύντομα οι κοσμηματοπώλες του Οίκου Cartier εγκατέλειψαν τα φωτεινά χρώματα και ξεκίνησαν την εμφάνιση του λεγόμενου στυλ "white art deco". Αυστηρός γεωμετρικά σχήματαΤα κοσμήματά τους αναζωογονήθηκαν από συνδυασμούς λευκής πλατίνας και διαμαντιών με μαύρο όνυχα ή μαύρο σμάλτο. Με βάση αυτό το εκφραστικό οπτικό παιχνίδι των ασπρόμαυρων κηλίδων, δημιουργήθηκε ένα μοναδικό μοτίβο, που ονομάζεται «δέρμα πάνθηρα». Αυτό το μοτίβο χρησιμοποιήθηκε για τη δημιουργία πρωτότυπων καρφίτσες με τη μορφή πάνθηρων ή διακοσμητικών μαλλιών· χρησιμοποιήθηκε επίσης στο σχεδιασμό ρολογιών χειρός. Η περίοδος "White Art Deco", ίσως, αποδείχθηκε όχι μόνο η πιο γόνιμη στις δραστηριότητες της εταιρείας, αλλά και η πιο σημαντική για τη διαμόρφωση ενός νέου στυλ στο σύνολό της. 
Ωστόσο, ο Louis Cartier, ακόμη και στη «λευκή περίοδο», δεν εγκατέλειψε το χρώμα, φτιάχνοντας καρφίτσες από σμαράγδια, ρουμπίνια και ζαφείρια που αναπαρήγαγαν «βάζα με φρούτα» ή «καλάθια με λουλούδια». Παρεμπιπτόντως, το μοτίβο ενός καλαθιού με λουλούδια ήταν πολύ χαρακτηριστικό για τη διακόσμηση σε στυλ Art Deco. Τον προσέγγισαν όχι μόνο κοσμηματοπώλες, αλλά και διακοσμητές εσωτερικών χώρων και δεξιοτέχνες άλλων ειδών εφαρμοσμένης τέχνης. Έτσι, ο πιο διάσημος Γάλλος επιπλοποιός εκείνης της εποχής, ο Emile-Jacques Ruhlmann, λάτρευε να διακοσμεί τα έπιπλά του με μοντέρνες συνθέσεις με τη μορφή στυλιζαρισμένων καλαθιών με λουλούδια.
Τα πολύχρωμα κοσμήματα έγιναν ιδιαίτερα δημοφιλή μετά την έλευση της μόδας για τα ινδικά κοσμήματα. Επιπλέον, η αγορά της πέτρας ήταν κορεσμένη με ρουμπίνια, ζαφείρια, σμαράγδια, κομμένα σε σχήμα φύλλων, λουλουδιών, μούρων ή μπάλες. Ταυτόχρονα, τα διάσημα κοσμήματα του Cartier εμφανίστηκαν στο στυλ «tutti frutti» που επινόησε· ήταν φωτεινές πολύχρωμες συνθέσεις από σκαλιστές πολύτιμους λίθους. Μετά την ανακάλυψη του τάφου του Τουταγχαμών το 1922 και την επακόλουθη αύξηση του ενδιαφέροντος για την Αίγυπτο, η εταιρεία άρχισε να παράγει πολύχρωμα κοσμήματα, 
φτιαγμένο σε «αιγυπτιακό στυλ». Ανάμεσά τους είναι εντυπωσιακά μενταγιόν από πλάκες νεφρίτη, διακοσμημένα με διαμάντια και ρουμπίνια, και η περίφημη καρφίτσα σκαραβαίων από καπνιστή χαλαζία με μπλε φτερά από φαγεντιανή σετ με διαμάντια. Ιδιαίτερα συχνά, οι κοσμηματοπώλες άρχισαν να δημιουργούν φωτεινά διακοσμητικά είδημετά την κρίση του 1929: έτσι προσπάθησαν, τραβώντας την προσοχή των αγοραστών, να επιβιώσουν αυτή τη δύσκολη εποχή.
Έτσι, η ιστορία του Οίκου Cartier απεικονίζει ξεκάθαρα τη διαδικασία διαμόρφωσης του στυλ Art Deco. Τελικά σχηματίστηκε στις αρχές της δεκαετίας του 1920 και έφτασε στο απόγειό του στα μέσα της δεκαετίας. Η εποχή του θριάμβου του ήταν η Έκθεση Διακοσμητικών Τεχνών και Μοντέρνας Βιομηχανίας, που πραγματοποιήθηκε το 1925 στο Παρίσι. Στην πραγματικότητα, ήταν σε αυτή την έκθεση που το στυλ έλαβε την τελική αναγνώριση και αργότερα το συντομευμένο όνομά του - "Art Deco" - έγινε το όνομα του στυλ.
Η έκθεση των κοσμημάτων στεγαζόταν στο πολυτελές κτίριο Grand Palais. Ο Cartier εξέθεσε σε ένα άλλο περίπτερο της έκθεσης (Elegance), συνεργαζόμενος με τους διάσημους σχεδιαστές μόδας εκείνης της εποχής - Bort, Lanvin και άλλους, πιθανώς για να τονίσει για άλλη μια φορά την άρρηκτη σχέση μεταξύ κοσμήματος και κοστουμιών. Τα έργα των Fouquet, Sandoz, Templier, Boucheron, Cartier, Van Cleef, Mauboussin και άλλων Γάλλων κοσμημάτων που παρουσιάστηκαν στην έκθεση ήταν η ολοκλήρωση των αναζητήσεων της προηγούμενης περιόδου και συμβόλισαν τη γέννηση της αισθητικής μιας νέας εποχής. 
Η επιτυχία των κοσμηματοπωλών που εργάζονταν σε στυλ Art Deco ήταν εκπληκτική. Επίσημη αναγνώριση του νέου στυλ μπορεί να θεωρηθεί το γεγονός ότι το υψηλότερο βραβείο της έκθεσης - το Χρυσό Μετάλλιο - απονεμήθηκε στον Παριζιάνο κοσμηματοπώλη Georges Mauboussin για κοσμήματα σε στυλ Art Deco. Μέχρι εκείνη την εποχή, τα προϊόντα του ήταν ήδη γνωστά στους λάτρεις του κοσμήματος. Τα περιδέραια που δημιούργησε ο Mauboussin, στα οποία τα διαμάντια σε πλατινένιο σκελετό εναλλάσσονταν με όμορφα μαργαριτάρια και διακοσμούσαν το κεντρικό μέρος - ένα δαχτυλίδι jadeite - διακρίνονταν για την εκπληκτική ομορφιά και κομψότητα και ήταν αντικείμενο πόθου πολλών κοινωνικών καλλονών και σταρ του Χόλιγουντ. Τα μενταγιόν του με τη μορφή στυλιζαρισμένων αγγείων και σιντριβανιών, διακοσμημένα με σκαλιστά σμαράγδια, διαμάντια και σμάλτο, έγιναν αντικείμενα προς μίμηση και αντιγραφή. Όλες αυτές οι διακοσμήσεις είναι φτιαγμένες σε στυλ Art Deco, και αυτό ήταν που έκανε το Mauboussin διάσημο. 
Αλλά η ανάπτυξη του στυλ δεν έμεινε ακίνητη. Γεννήθηκε στην εποχή της επιστήμης και της τεχνολογίας και επηρεάστηκε πολύ από τα επιτεύγματά της. Ένας από τους κοσμηματοπώλες που συμμετείχαν στην έκθεση έγραψε ότι «γυαλισμένο ατσάλι, θαμπό νικέλιο, σκιά και φως, μηχανική και γεωμετρία - όλα αυτά είναι αντικείμενα της εποχής μας. Τους βλέπουμε και ζούμε μαζί τους καθημερινά. Είμαστε άνθρωποι της εποχής μας, και αυτή είναι η βάση όλων των παρόντων και των μελλοντικών μας δημιουργιών...» Δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι για να επιτύχουν την καλλιτεχνική έκφραση, οι κοσμηματοπώλες κατέβαλαν μεγάλη προσπάθεια στην αναζήτηση νέων υλικών και στην ανάπτυξη νέων τεχνολογικών τεχνικές.
Τη μεγαλύτερη επιτυχία πέτυχε η εταιρεία Van Cleef and Arpels. Το 1935, ο Alfred Van Cleef και ο Julien Arpels κατάφεραν να εφεύρουν ένα νέο είδος σκηνικού για πολύτιμους λίθους - αόρατο σκηνικό. Αυτή η μέθοδος στερέωσης περιλαμβάνει ακριβή κοπή σκληρών πολύτιμων λίθων που ταιριάζουν στο χρώμα -διαμάντια, ζαφείρια ή ρουμπίνια- μέσα στα οποία επεξεργάζονται αυλακώσεις, επιτρέποντας στις πέτρες να εισαχθούν κοντά η μία στην άλλη και έτσι να καλύπτεται πλήρως το μέταλλο με αυτές, κρύβοντας τη χρυσή βάση . Αυτή η τεχνολογική τεχνική επέτρεψε στους δασκάλους των Van Cleef και Arpels -και στη συνέχεια άλλων εταιρειών- να δημιουργήσουν μια σειρά από εξαιρετικά κοσμήματα σε στυλ Art Deco. Ίσως, χάρη σε αυτά ακριβώς τα κοσμήματα, καθώς και τα έργα των Cartier, Boucheron, Mauboussin και άλλων κοσμημάτων, το στυλ Art Deco έχει αναγνωριστεί διεθνώς ως συνώνυμο της πολυτέλειας και της μοναδικής εμφάνισης. 
Ήδη από τη δεκαετία του 1930, το στυλ Art Deco άρχισε να καθορίζει τον καλλιτεχνικό σχεδιασμό όχι μόνο μοναδικών κοσμημάτων κατασκευασμένων με πέτρες υψηλού κόστους· σε πολλές χώρες της Ευρώπης και της Αμερικής, δημιουργήθηκαν επίσης φθηνότερα αντικείμενα σε αυτό το στυλ, που προορίζονταν για αρκετά ευρύ γκάμα αγοραστών. Οι διαμαντένιες καρφίτσες και τα σαουτάρι ήταν περιζήτητα στην αγορά κοσμημάτων, και ιδιαίτερα τα κομψά βραχιόλια, στα οποία τα μεσαίου μεγέθους διαμάντια έδιναν έμφαση στις σαφείς γραμμές επίπεδων διακοσμητικών σχεδίων. Παρόμοια διακοσμητικά έγιναν και σε μεγάλες ποσότητεςΠολλές εταιρείες κοσμημάτων, δεν είναι τυχαίο ότι αυτές τις μέρες μπορούν να δουν σε οποιοδήποτε μεγάλο κατάστημα με αντίκες ή να βρεθούν σε κατάλογο δημοπρασιών. 
Είναι γενικά αποδεκτό ότι το στυλ Art Deco κυριάρχησε στον κόσμο της τέχνης για λίγο περισσότερο από δύο δεκαετίες, από το τέλος του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου έως τις αρχές του Δεύτερου. Ωστόσο, η εικονιστική δομή και οι τεχνικές που αναπτύχθηκαν από τους δασκάλους του Art Deco αποδείχθηκαν τόσο βιώσιμες και καθολικές που η επιρροή της έγινε αισθητή από τους κοσμηματοπώλες όλων των επόμενων γενεών. Και εδώ βρίσκεται το εκπληκτικό φαινόμενο του Art Deco.
Τα ρούχα με στυλ είναι η ενσάρκωση της γοητείας, της πολυτέλειας και της πρωτοτυπίας. Τα ρούχα Art Deco δεν μπορούν να ταξινομηθούν ως καθημερινό ντύσιμο. Τέτοια μοντέλα είναι πιο κατάλληλα για ένα σημαντικό γεγονός. Μετά από όλα, κάθε στοιχείο σε αυτό το στυλ είναι μοναδικό και έχει τη δική του ιδέα σχεδιασμού.
Τα ρούχα σε στυλ Art Deco είναι η ενσάρκωση της ομορφιάς, της γοητείας και της πρωτοτυπίας
Αυτό το ρούχο φαίνεται λαμπερό και μάλιστα προκλητικό, αλλά ταυτόχρονα, το στυλ art deco στα ρούχα δεν δέχεται καμία χυδαιότητα, μόνο κομψότητα σε όλη του τη χάρη και την κομψότητα!
Γοητεία Art Deco στα ρούχα
Μια γυναίκα σε αυτή την εικόνα μπορεί να είναι πολυτελής, αλλά παιχνιδιάρικη, ανυπεράσπιστη, αλλά φλερτ.
Το στυλ Art Deco στην ένδυση χαρακτηρίζεται από την αυτοσυγκράτηση και την πολυπλοκότητά του
Αυτό το τολμηρό και ασυνήθιστα πολύπλευρο στυλ συνδύαζε φαινομενικά απολύτως ασύμβατα πράγματα. Συγκλονισμός και εγκράτεια, υπερβολή και επιτήδευση - αυτή είναι η περιγραφή του.
Το στυλ Art Deco είναι η επιλογή των αληθινών γκουρμέ της μόδας
Οι κουρδισμένες και ευθείες γραμμές, η απαλότητα και η αντίθεση, οι αστικές υπερβολές και η απλότητα των έθνικ μοτίβων είναι τα χαρακτηριστικά αυτού του στυλ.
Σχισμές και κοψίματα, ανοιχτοί ώμοι και πλάτη, ημιδιαφανείς νότες με τη μορφή ρέοντος σιφόν ή εξαιρετικής δαντέλας σε ένα βραδινό φόρεμα θα σας βοηθήσουν να δείξετε ένα όμορφο σώμα.
Ακριβώς το βράδυ, γιατί το art deco δεν μπορεί να αποδοθεί σε καθημερινά ρούχα, όπως τζιν ή πουλόβερ, που φοριούνται όταν πηγαίνεις στο μαγαζί για ψωμί. Τέτοια ρούχα προορίζονται για να πάτε στην όπερα ή στο θέατρο και στην καθαρή του μορφή, το art deco μπορεί να βρεθεί πιο συχνά σε ειδικά πάρτι που διοργανώνονται στο στυλ της δεκαετίας του '20.
Art Deco - ρετρό στυλ της δεκαετίας του '20
Θριαμβευτική επιστροφή
Επιστρέφοντας σχεδόν εκατό χρόνια αργότερα, το εντυπωσιακό και πολυτελές στυλ Art Deco εμφανίστηκε για πρώτη φορά στο κόκκινο χαλί. Style icons και αναγνωρισμένες καλλονές όπως η Nicole Kidman, η Christina Aguilera, η Heidi Klum το επέλεξαν για να τονίσουν την ατομικότητα και τη φωτεινότητα της δικής τους εικόνας.
Και μετά την εμφάνιση του "The Great Gatsby" στις οθόνες, τέτοια ρούχα μετανάστευσαν στην γκαρνταρόμπα πολλών σύγχρονων γυναικών που δεν έχουν καμία σχέση με την τέχνη.
Glitz, αίγλη, μεγαλοπρέπεια, χλιδή και κομψά ρούχα - μια φρέσκια ερμηνεία της πληθωρικότητας του The Great Gatsby
Για αρκετές σεζόν στη σειρά, αυτή η τάση στα ρούχα κερδίζει δυναμική. Παρουσιάστηκε στις συλλογές μόδας τους από τους Stefan Rolland, Albert Ferretti, Ralph Lauren, Roberto Cavalli και άλλους διάσημους σχεδιαστές. Αυτό το στυλ αναγνωρίζεται εύκολα από τις ευθείες σιλουέτες, τα μεγάλα έντονα διακοσμητικά και τα χρώματα που κάνουν αντίθεση. Οι απλοί θνητοί μπορούν να αντλήσουν έμπνευση από παλιές ταινίες, στις οποίες κυριαρχεί μια εκπληκτική ατμόσφαιρα art deco.
Προέλευση του στυλ
Προέκυψε στη δεκαετία του είκοσι του περασμένου αιώνα. Ήταν μια δύσκολη και συνάμα φωτεινή εποχή. Μόλις τελείωσε Παγκόσμιος πόλεμος. Οι άνθρωποι, μετά από κακουχίες και κακουχίες, επέστρεψαν στην κανονική ζωή.
Ήθελαν με κάποιο τρόπο να αντισταθμίσουν αυτό που είχαν χάσει. Ίσως ήταν ακριβώς αυτή η επιθυμία για γιορτή που οδήγησε στην εμφάνιση ενός ύφους που ήταν ιδιαίτερα θεατρικό, επιτηδευμένο και μάλιστα πομπώδες.
Η δεκαετία του 20 ήταν ένα σημείο καμπής στην ιστορία της παγκόσμιας μόδας.
Η χειραφέτηση έπαιξε επίσης κάποιο ρόλο στη διαμόρφωση του Art Deco. Οι γυναίκες προσπαθούσαν να είναι ίσες με τους άνδρες σε όλα: οδηγούσαν αυτοκίνητα, κάπνιζαν και έκοβαν τα μακριά μαλλιά τους. Τα σχήματα με καμπύλες ανήκουν στο παρελθόν. Σύγχρονη γυναίκαθα έπρεπε να έμοιαζε με αγόρι - κοντή, αδύνατη, με στενούς γοφούς και μικρό στήθος.
Η μόδα της δεκαετίας του 20 ήταν ο τέλειος συνδυασμός στυλ και λειτουργικότητας
Αντίστοιχα, το κόψιμο του φορέματος είναι χωρίς έντονη μέση ή οποιαδήποτε άλλη ένδειξη θηλυκότητας. Αλλά για να αντισταθμίσει τη σοβαρότητα της σιλουέτας, εμφανίστηκε η διακόσμηση που ήταν εντυπωσιακή στην ποικιλομορφία και τον πλούτο της.
Χαρακτηριστικά
Το στυλ Art Deco είναι πάντα εκλέπτυνση και μια ορισμένη θεατρικότητα, μη πρακτικότητα και πολυτέλεια. Συνδυάζει νεωτερικότητα και εθνικότητα και κλασικισμό. Στα ρούχα μπορείτε να δείτε εικόνες παγωνιών και δράκων, λευκασμένων γυναικεία πρόσωπακαι κύκνοι - όλα όσα δεν θα βρείτε στα συνηθισμένα, Καθημερινή ζωή.
Τα φορέματα Art Deco είναι ένα πραγματικό έργο τέχνης
Αυτό το στυλ είναι απαιτητικό σε όλα: το φόρεμα είναι μόνο ίσιο, τα παπούτσια είναι αντλίες.
Κλασικό ίσιο φόρεμα σε στυλ art deco
Τα παντελόνια δεν ενδείκνυνται, αλλά αν θέλετε πραγματικά να τα φορέσετε, φροντίστε να έχετε παντελόνι καμπάνα ή απολύτως ίσιο.
Τα ρούχα σε στυλ Art Deco βρίσκονται όλο και περισσότερο στις σύγχρονες συλλογές
Αλλά το παλτό πρέπει σίγουρα να έχει ασυνήθιστο σχήμα και να είναι μια παλάμη πάνω από τα γόνατα.
Το ντύσιμο είναι η βάση του στυλ
Είναι αυτός που λαμβάνει την κύρια προσοχή. Αυτό είναι πάντα το κεντρικό στοιχείο της εικόνας, το οποίο συμπληρώνεται από κατάλληλα αξεσουάρ.
Βραδινή τουαλέταρετρό στυλ
Χαρακτηριστικά του φορέματος σε στυλ Art Deco:
- Το στυλ είναι εξαιρετικά απλό και μοιάζει με ορθογώνιο· σε ακραίες περιπτώσεις, επιτρέπεται μια ελαφριά εφαρμογή. Όχι φουλ φούστες.
- Τα εξαρτήματα είναι μεγαλύτερα από το συνηθισμένο. Αν υπάρχουν τσέπες, τότε είναι μεγάλες, αν υπάρχει γιακάς, τότε είναι πολυτελείς.
- Το μήκος είναι παραδοσιακά ελαφρώς κάτω από το γόνατο, αλλά σε σύγχρονες παραλλαγές μπορεί εύκολα να ανέβει πάνω από τα γόνατα. Ένα βραδινό φόρεμα τις περισσότερες φορές πέφτει στο πάτωμα.
- Τα μανίκια συνήθως απουσιάζουν, αν και υπάρχουν και εξαιρέσεις.
- Η πλάτη είναι συχνά ανοιχτή.
- Λαιμόκοψη διαφορετικού βάθους, τις περισσότερες φορές βαθιές.
- Η διακόσμηση είναι πάντα πλούσια - πούλιες, λουλούδια, κεντήματα, δαντέλες, χάντρες, πέτρες και ούτω καθεξής.
- Τα σχέδια είναι συνήθως γεωμετρικά ή αφηρημένα. Μερικές φορές υπάρχουν και floral.
Γούνα, λάμψη, σικ - όλα αυτά είναι στυλ art deco
Υφάσματα
Τις περισσότερες φορές, όταν δημιουργούν ρούχα σε αυτό το στυλ, οι σχεδιαστές χρησιμοποιούν τέτοια ευγενή υλικά όπως μετάξι, βελούδο, σατέν και σιφόν. Αν και στην πασαρέλα της μόδας, εκτός από τα παραδοσιακά κομψά υφάσματα, μπορείτε να δείτε και πιο απλά - καμπρικ, λινό, βαμβάκι. Αλλά σε κάθε περίπτωση, το ύφασμα πρέπει να είναι φυσικό.
Τα φορέματα Art Deco είναι η ενσάρκωση της γοητείας και της πολυτέλειας
Χρωματιστά
Το μοντέρνο στυλ art deco επιτρέπει οποιοδήποτε χρώμα. Όλα εξαρτώνται από την εντύπωση που θέλουν να κάνουν. Οι σχεδιαστές συχνά επιλέγουν κομψά απλά υφάσματα, εισάγοντας ένα απροσδόκητο ασύμμετρο και επίσης αρκετά φωτεινό στοιχείο με τη μορφή ενός μεγάλου λουλουδιού, ενός απροσδόκητου σχήματος γιακά ή μιας ενδιαφέρουσας κουρτίνας.
Ένα ειλικρινά θηλυκό και σαγηνευτικό φόρεμα σε στυλ art deco
Όχι λιγότερο δημοφιλή στον σύγχρονο κόσμο της μόδας είναι διάφορα έθνικ μοτίβα και γεωμετρικά μοτίβα: τόσο ξεκάθαρα όσο και πολύ φανταχτερά. Η επιρροή του κινηματογράφου είχε επίσης κάποιο αντίκτυπο. Τα τελευταία χρόνια, οι συνδυασμοί με αντίθεση, ειδικά μαύρο και άσπρο, ή μοιραίο μαύρο-άσπρο-κόκκινο, έχουν μεγάλη ζήτηση. Επίσης στην τάση είναι τα χρώματα του χρυσού, του ασημί και του πλατίνα.
Το στυλ Art Deco εμπνέει τους σχεδιαστές να βρουν νέες ιδέες και τους fashionistas να πειραματιστούν με τα ρούχα.
Φινίρισμα
Τα φωτεινά διακοσμητικά στοιχεία είναι ένα απαραίτητο χαρακτηριστικό αυτού του στυλ. Οτιδήποτε φωτεινό, πιασάρικο και λαμπερό χρησιμοποιείται ως διακόσμηση: στρας, λάμψεις, χάντρες κ.λπ. Αλλά ταυτόχρονα, μια γυναίκα δεν πρέπει να θυμίζει παπαγάλο ή χριστουγεννιάτικο δέντρο. Αντίθετα, οι προσθήκες έχουν σχεδιαστεί για να δημιουργούν μια εντύπωση εκλεπτυσμένου και εκλεπτυσμένου.
Το στυλ Art Deco στα ρούχα είναι μια από τις vintage τάσεις και είναι πολύ δημοφιλές στις μέρες μας.
Μια σωστά σχεδιασμένη εικόνα σε στυλ art deco φαίνεται πάντα ακριβή και εντυπωσιακή. Επομένως, επιλέγονται μόνο τα υλικά υψηλής ποιότητας. Πολύτιμα και ημιπολύτιμες πέτρες, φυσικές πέρλες, δαντέλα αυτοφτιαγμένο. Η πραγματική γούνα μπορεί να είναι μια εξαιρετική προσθήκη.
Διακοσμήσεις
Όσο πιο εκλεπτυσμένα είναι, τόσο το καλύτερο. Η ποσότητα μπορεί επίσης να είναι απεριόριστη: πολλές στροφές από φυσικά μαργαριτάρια, μάλλον μακριά σκουλαρίκια, πολλά φαρδιά βραχιόλια.
Το κύριο στυλ στα σύγχρονα είδη κοσμημάτων είναι το στυλ art deco, που διακρίνεται για την απλότητα και, ταυτόχρονα, την πολυτέλεια.
Αυτό ισχύει ιδιαίτερα όταν το ίδιο το φόρεμα δεν συμπληρώνεται με διακοσμητικά στοιχεία. Οι καρφίτσες όλων των σχημάτων και μεγεθών, τα περιδέραια και τα τεράστια δαχτυλίδια θα φαίνονται επίσης υπέροχα.
Το Art Deco διαφέρει από άλλα είδη κοσμημάτων με τη σαφή ποικιλία των γραμμών και το φωτεινό παιχνίδι με πολύτιμους λίθους
Τσάντα
Μια γυναίκα Art Deco μπορεί να έχει στα χέρια της μόνο μια κομψή τσάντα ή clutch ή μια βεντάλια από αληθινά φτερά. Μεγάλες τσάντες, επαγγελματικοί χαρτοφύλακες και ογκώδη σακίδια δεν είναι εδώ. Σήμερα, οι πολύ μινιατούρες τσάντες και τα clutches κεντημένα με χάντρες βρίσκονται στο απόγειο της μόδας. Καλό θα ήταν τα χέρια που κρατούσαν μια τέτοια τσάντα να φορούσαν διακοσμητικά γάντια. Οι σχεδιαστές συνιστούν ανεπιφύλακτα αυτήν την εξαιρετική επιλογή.
Κόμμωση
Στο art deco, η κόμμωση παίζει ιδιαίτερο ρόλο. Ίσως επειδή κατά τη γέννηση αυτού του στυλ, όλες οι γυναίκες φορούσαν καπέλα. Αναμφίβολα επαγγελματική κάρταστυλ είναι το καπέλο κλος, ένα λακωνικό και ταυτόχρονα απίστευτα θηλυκό σχήμα, που θυμίζει λουλούδι καμπάνα. Η εξωτερική απλότητα ενός τέτοιου καπέλου αντισταθμίζεται από τη διακόσμηση - χάντρες, φτερά, υφασμάτινα λουλούδια. Μπορεί επίσης να διακοσμηθεί με διχτυωτό πέπλο που καλύπτει κατά το ήμισυ το πρόσωπο. Μια καλή επιλογή είναι ένας μπερές ή ένα καπέλο μπόουλερ, αν σας αρέσει αυτή η επιλογή καλύτερα.
Η τάση είναι μια ποικιλία από κορδέλες και κορδέλες, αλλά πρέπει να είναι διακοσμημένα ανάλογα με το στυλ.
Ένα αρ ντεκό κεφαλόδεσμο τονίζει την εμφάνιση
Μαλλιά και μακιγιάζ
Τα περισσότερα μοντέρνα χτενίσματα δεν είναι κατάλληλα για art deco. Δεν δέχεται ατημέλητα μαλλιά και σκισμένα κτυπήματα. Τα σύνθετα σχήματα και οι αυξημένοι όγκοι δεν είναι επίσης για αυτόν. Απλός κοντό κούρεμαή τακτοποιημένα κύματα είναι τα χαρακτηριστικά αυτού του πολύπλοκου στυλ. Μακριά μαλλιάΕίναι καλύτερο να το καρφιτσώσετε και να το κρύψετε κάτω από ένα καπέλο. Μπορείτε να τα στερεώσετε με ένα λεπτό πλέγμα.
Αρμονική εικόνασε στυλ art deco
Το μακιγιάζ βασίζεται σε ένα παιχνίδι αντιθέσεων: λευκό δέρμα, ασημί, γκρι ή ακόμα και μαύρες σκιές, λαμπερό κραγιόν σε πλούσιο κόκκινο ή μπορντώ χρώμα θα ολοκληρώσουν τη μοιραία εικόνα της «παιχνιδόπαιδης» της εποχής της Art Nouveau.
Το μακιγιάζ Art Deco έχει σχεδιαστεί για να ολοκληρώσει τέλεια την εμφάνιση.
Παπούτσια
Όχι μπότες - μόνο παπούτσια! Ως τελευταία λύση, σανδάλια. Προηγουμένως, ιδιαίτερα αυστηρές απαιτήσεις επιβάλλονταν στα παπούτσια. Βασικά, επρόκειτο για απλές αντλίες χωρίς διακόσμηση ή περιττές λεπτομέρειες.
Αντλίες για εμφάνιση Art Deco
Η σύγχρονη μόδα είναι πιο φιλελεύθερη. Διάσημοι σχεδιαστές παίζουν με μαεστρία με το αρχικό σχήμα του παπουτσιού, συμπληρώνοντάς το με αιχμές, δημιουργικά κουμπώματα ή χρώματα.
Πρωτότυπα επώνυμα σανδάλια σε στυλ art deco
Η κύρια προϋπόθεση για κάθε παπούτσι art deco είναι η παρουσία ενός τακουνιού. Εκτός από τα κλασικά παπούτσια το καλοκαίρι, αυτά μπορεί να είναι σανδάλια με λεπτές τιράντες, και στη δροσερή εποχή - μπότες αστραγάλου.
Νέος ήχος
Φυσικά, στην καθημερινή ζωή δεν βλέπετε συχνά αυτό το ρετρό στυλ στην καθαρή του μορφή. Η σικ, η λάμψη και η ομορφιά του ταιριάζουν περισσότερο σε βραδινές ψυχαγωγικές εκδηλώσεις. Αλλά αυτό δεν σημαίνει ότι το art deco είναι κατάλληλο μόνο για μπάλες. Μου άρεσε το απλό κόψιμο των φορεμάτων του μόδα του δρόμου, ειδικά από τη στιγμή που η μέση μετατοπίζεται προς τα κάτω ή η απουσία της ως τέτοιας, τεντώνεται προς τα πάνω και αδυνατίζει ασυνήθιστα τη γυναικεία σιλουέτα. Αυτό το περίπλοκο και εκπληκτικά πολύπλευρο ρετρό στυλ έχει εμπνεύσει πολλούς μοντέρνους σχεδιαστές να δημιουργήσουν μοντέλα που θα φαίνονται μακριά από την αρτ ντεκό - σαμαράκια, φόρμες, χιτώνες, η κοπή των οποίων μοιάζει με ορθογώνιο. Μόνο ο αριθμός έχει μειωθεί φωτεινές λεπτομέρειες, και τα γεωμετρικά μοτίβα, αντίθετα, φαίνονται φρέσκα και μοντέρνα.Βρίσκονται συχνά τόσο σε εορταστικές όσο και σε καθημερινές εμφανίσεις. Το κύριο πράγμα είναι να θυμάστε ότι το art deco είναι πάντα η ενσάρκωση της ομορφιάς, της γοητείας και της πρωτοτυπίας.
Στις αρχές του 20ου αιώνα, γύρω στη δεκαετία του 20, η κοινωνία σταδιακά εγκατέλειψε το απερχόμενο στυλ Art Nouveau με τις στριμμένες γραμμές και το ξεθωριασμένο χρώμα. Τελευταία Art Nouveau, που ονομάζεται «μοντέρνα», ευχαριστημένη με την ενίσχυση του γεωμετρισμού. Αντί για φτερά νεράιδων, οι κοσμηματοπώλες άρχισαν να απεικονίζουν φτερά αεροπλάνου. Η αναζήτηση του στυλ διακόπηκε για δύο χρόνια από τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, αλλά η περίοδος μεταξύ των δύο παγκοσμίων πολέμων ανήκει εξ ολοκλήρου στο στυλ Art Deco. Όσοι θέλουν να εξοικειωθούν με αυτό το στυλ μπορούν να παρακολουθήσουν την ταινία "The Great Gatsby".
Στη δεκαετία του 1920, εμφανίστηκε η μόδα του «garçon», όταν οι μοντέρνες Παριζιάνες έκοβαν κοντά τα μαλλιά τους, κόντευαν τις φούστες τους και εγκατέλειψαν τα μανίκια τους. Αντί για μια πολυτελή βραδινή «φούντα καρφίτσας», κατά τη διάρκεια της ημέρας φορούσαν τεχνητά μαργαριτάρια σε μορφή ατελείωτου νήματος ή χάντρες από πέτρες. Στη μόδα μπήκαν βαριές ζώνες και βραχιόλια στους καρπούς και τους πήχεις. Μια καινοτομία ήταν μια καρφίτσα δύο μερών, ασφαλισμένη με κλειδαριά με κλιπ, η οποία χρησιμοποιήθηκε για να καρφώσει μοντέρνα κοντά παλτό με μανίκια τριών τετάρτων - "τρουκάρ".
Τα ρολόγια χειρός, που αντικατέστησαν τη συνηθισμένη έκδοση σε μια αλυσίδα αυτή τη στιγμή, άρχισαν να χρησιμοποιούνται και δημιούργησαν μια πραγματική αίσθηση. Κατασκευάζονταν σε διάφορα σχήματα και ήταν πλούσια και κομψά διακοσμημένα.
Έτσι, το στυλ Art Deco προέκυψε στη Γαλλία και στη συνέχεια καθιερώθηκε σε όλη την Ευρώπη και τις Ηνωμένες Πολιτείες (η ορθογραφία του Art Deco στη ρωσική έκδοση δεν είναι απολύτως σωστή, αφού στο Art Deco το γράμμα t δεν είναι ευανάγνωστο).
Στυλ Art Deco στα κοσμήματα
Κατά την περίοδο του κονστρουκτιβισμού, η τεχνοκρατία έγινε η πραγματική μούσα των κοσμημάτων, η οποία καθόρισε τα κύρια χαρακτηριστικά του κοσμήματος εκείνης της εποχής - ορθές γωνίες και γραμμές, γεωμετρικά σχήματα, κύκλοι, ανοιχτά «τυπογραφικά» χρώματα. Το στυλ Art Deco είχε ένα πολύ συγκεκριμένο καθήκον - ανάμεσα στους δύο παγκόσμιους πολέμους, να δημιουργήσει έναν μύθο για το πόσο πολυτελώς ζούσε η «χαμένη γενιά». 
Το 1922 άνοιξε ο τάφος του Τουταγχαμών, ο οποίος κέντρισε το ενδιαφέρον στην Αίγυπτο. Η Cartier άνοιξε μια σειρά κοσμημάτων αιγυπτιακού στυλ. Επρόκειτο για μενταγιόν από νεφρίτη με διαμάντια και ρουμπίνια, από καπνιστούς σκαραβαίους χαλαζία, των οποίων τα φτερά ήταν καλυμμένα με μπλε φαγεντιανή.
Στην εποχή της Art Deco, εμφανίστηκαν ο μετα-ιμπρεσιονισμός, ο σουρεαλισμός και ο εξπρεσιονισμός· τα γούστα των ανθρώπων διαμορφώθηκαν από τις εποχές του Diaghilev στο Παρίσι. Όλα αυτά προστέθηκαν στο θέαμα της νέας τεχνολογίας που αναδύεται. Ο γιος του διάσημου κοσμηματοπώλη-καλλιτέχνη Georges Fouquet την προηγούμενη εποχή της Art Nouveau, ο Jean Fouquet δημιούργησε τα έργα του με ένα στυλ που ήταν διαφορετικό από όλους και από όλα. Τα έργα του - βραχιόλια από ελεφαντόδοντο και καρφίτσες που διατηρούνται σε συλλογές στη Νέα Υόρκη και το Παρίσι - δεν μοιάζουν πραγματικά με τίποτα άλλο. Αυτός είναι ο καθαρός κυβισμός, ένα μοτίβο της πρωτοπορίας των αρχών του εικοστού αιώνα. 
Ένας άλλος κοσμηματοπώλης από το Παρίσι, ο Raymond Templier, παρήγαγε πρωτότυπους «ουρανοξύστες» - σκουλαρίκια από πλατίνα με την εκδήλωση κονστρουκτιβιστικών ιδεών. Ο Templier διακοσμούσε τα γεωμετρικά στοιχεία των «πολύτιμων σχεδίων» του με ιαπωνικό βερνίκι ή λαμπερό σμάλτο. Οι κοσμηματοπώλες Jean Fouquet και Raymond Templier μπορούν να θεωρηθούν πραγματικοί «καλεσμένοι από το μέλλον».
Jewelry House Cartier, που έλαβε ως βάση το Art Deco
Στις δεκαετίες του 1920 και του 1930, ο Οίκος Cartier παρήγαγε προϊόντα που έδειχναν ξεκάθαρα την εμφάνιση ενός νέου στυλ. Πρώτα απ 'όλα, ο Cartier άρχισε να χρησιμοποιεί απλά σχήματα και συνθέσεις με τη μορφή κύκλων και τμημάτων, τα οποία θεωρούσε τα πιο "θηλυκά". Στη συνέχεια κατέκτησε άλλες φιγούρες. Τα κοσμήματά τους από κρύσταλλο βράχου, φίλντισι, νεφρίτη και όνυχα με καθαρές, απλές σιλουέτες ήταν διακοσμημένα με διαμάντια και άλλους πολύτιμους λίθους με μια προσεκτική επιλογή χρωμάτων.
Στη συνέχεια, όμως, οι τεχνίτες που δούλευαν στο House of Cartier κατέκτησαν το «white art deco», συνδυάζοντας διαμάντια και λευκή πλατίνα με μαύρο σμάλτο και μαύρο όνυχα. Έτσι, από ασπρόμαυρες κηλίδες γεννήθηκε ένα ιδιαίτερο μοτίβο «δέρμα πάνθηρα», το οποίο χρησιμοποιήθηκε και για τη δημιουργία ρολογιών χειρός. Χάρη στο "white art deco", όχι μόνο η εταιρεία εμπλουτίστηκε, αλλά διαμορφώθηκε ένα εντελώς νέο στυλ.
Εκείνη την εποχή, σε έγχρωμο φόντο κατασκευάζονταν καρφίτσες με τη μορφή καλαθιών με λουλούδια ή βάζα με φρούτα, συναρμολογημένες από ζαφείρια, ρουμπίνια και σμαράγδια. Το μοτίβο ενός καλαθιού γεμάτο με λουλούδια ήταν πολύ χαρακτηριστικό των κοσμημάτων Art Deco.
Το 1925 πραγματοποιήθηκε στο Παρίσι μια έκθεση σύγχρονης βιομηχανίας και διακοσμητικών τεχνών, η οποία έγινε πραγματικός θρίαμβος για τον Οίκο του Καρτιέ. Οι Γάλλοι κοσμηματοπώλες Sandoz, Fouquet, Van Cleef, Despres, Mauboussin και άλλοι έδειξαν πώς γεννιέται η αισθητική της νεότερης εποχής. Ο Παριζιάνος κοσμηματοπώλης Georges Mauboussin, ήδη πολύ γνωστός στην υψηλή κοινωνία, έλαβε χρυσό μετάλλιο.
Εποχή Art Deco και τεχνολογία κοσμημάτων
Ο Alfred Van Cleef και ο Julien Arpels επινόησαν ένα αόρατο σκηνικό για πολύτιμους λίθους το 1935. Τα αυλάκια κόπηκαν σε ρουμπίνια, ζαφείρια και διαμάντια, οι πέτρες ταιριάζουν πολύ μεταξύ τους, το μέταλλο ήταν εντελώς καλυμμένο. Χάρη σε αυτό το νέο προϊόν, η εταιρεία Van Cleef and Arpels, και μετά από αυτήν οι υπόλοιπες, άρχισαν να δημιουργούν πραγματικά αριστουργήματα σε στυλ Art Deco.
Μέχρι τη δεκαετία του 1930, τα κοσμήματα Art Deco είχαν γίνει ευρέως διαδεδομένα καθώς τόσο οι ευρωπαϊκές χώρες όσο και η Αμερική άρχισαν να δημιουργούν αντικείμενα που ήταν προσβάσιμα σε ένα ευρύ φάσμα αγοραστών. Αυτά ήταν καρφίτσες με κλιπ από διαμάντια, σαβουάρ (από το γαλλικό "porter en sautoire" - για να φορεθούν πάνω από τον ώμο) και βραχιόλια, όπου τα μικρά διαμάντια τόνιζαν τις διακοσμητικές γραμμές των καθαρών επίπεδων σχεδίων. Μπορείτε ακόμα να βρείτε πολλά παρόμοια κοσμήματα σε καταστήματα με αντίκες και σήμερα.
Σε όλο τον κόσμο, η περίοδος κυριαρχίας του στυλ Art Deco διήρκεσε μεταξύ του Πρώτου και του Δεύτερου Παγκόσμιου Πολέμου. Αλλά η εικονιστική του δομή και οι τεχνικές που χρησιμοποιήθηκαν αποδείχτηκαν τόσο καθολικές που εξακολουθούν να φαίνονται φωτεινά και μοντέρνα μέχρι σήμερα.
ΑΚΟΛΟΥΘΗΣΤΕ ΜΑΣ ΣΤΟ ZEN
Προέλευση:
1. Φ Γαλλία (Art Deco. 1925, 1966)
2. ΗΠΑ (Hollywood style, New York gley 1930, 1960,1980)
3. ΕΣΣΔ (κονστρουκτιβισμός 1920-30, και στυλ αυτοκρατορίας του Στάλιν 1935-55)
Κύρια χαρακτηριστικά:
1. Η φόρμα πρέπει να ακολουθεί τη λειτουργία. Η εικόνα του πράγματος γίνεται από τον στόχο.
2. Γεωμετρικά κλιμακωτά ή γραμμικά σχήματα. Επίπεδες προβολές.
3. Βασικά γεωμετρικά σχήματα: τρίγωνο, έλλειψη, ρόμβος, ζιγκ-ζαγκ, τριαντάφυλλο πυξίδας.
4. Φωτεινά χρώματα με αντίθεση.
5. Δυναμική σύνθεση ή κινούμενα στοιχεία
6. Καθαρίστε τις άκρες και τα περιγράμματα, στρογγυλεμένες γωνίες.
7. Ακριβά υλικά: ελεφαντόδοντο, μπρούτζος, γυαλισμένη πέτρα
8. Υλικά μαζικής παραγωγής: χρώμιο, γυαλί, βακελίτης.
Τα κύρια χαρακτηριστικά:
1. Το στυλ δόξαζε μια δυναμική, ευημερούσα ζωή: ταξίδια, αθλήματα, θέρετρα, εξελιγμένα αγαθά για ταχύτητα, νέος τύπος γυναίκας.
2. Αναστοχασμός μέσα από την τέχνη του νέου βιομηχανικού περιβάλλοντος του ανθρώπου. Μεταμορφώσεις του υλικού και του οπτικού περιβάλλοντος ενός ατόμου κάτω από την πίεση πρωτόγνωρων τεχνικών και κοινωνικών αλλαγών.
3. Ηθικά μοτίβα: αρχαία αιγυπτιακή και αζτέκικη τέχνη, ρωσικά κεντήματα, λαϊκή εκτύπωση
Σύμβολα ή σταθερές στυλ:
1. Αυτοκίνητο, τρένο, ατμόπλοιο, ουρανοξύστης, συντριβάνι
2. Ταχύτητα, κίνηση.
Σαν νέο στυλ Διακοσμητική τέχνηπρωτοεμφανίστηκε στη Γαλλία και κυριάρχησε σαφώς 1918-1939 gg. V Γερμανία, Σοβιετική ΈνωσηΚαι ΗΠΑ. Χαρακτηρίζεται από έναν συνδυασμό μνημειακών σταθμισμένων μορφών με εκλεπτυσμένη διακόσμηση. ένας συνδυασμός στοιχείων κυβισμού και εξπρεσιονισμού. τη χρήση εκφραστικών μορφών «τεχνικού σχεδιασμού».
Το έναυσμα για την ταχεία ανάπτυξη αυτού του στυλ ήταν Έκθεση Παρισιού 1925πόλη, όπου παρουσιάστηκαν τα τελευταία επιτεύγματα στον τομέα της αρχιτεκτονικής, της εσωτερικής διακόσμησης, των επίπλων, των μεταλλικών προϊόντων, του γυαλιού και της κεραμικής. ΠΡΟΣ ΤΗΝΜέχρι τη στιγμή που η Έκθεση του Παρισιού έκλεισε τις πύλες της τον Οκτώβριο του 1925 και τα περίπτερα διαλύθηκαν, ο κόσμος ήταν έτοιμος για ένα νέο, ξεκάθαρα καθορισμένο ύφος να κυριαρχήσει.
Εκλεκτισμός Διακοσμητική τέχνηΗ έκθεση του 1925 έδειξε τη συνένωση των διαφόρων ριζών αυτού του στυλ, που οφείλει τη γέννησή του τόσο στον κυβισμό όσο και στη μόδα για το εξωτικό, καθώς και στις σύγχρονες διακοσμητικές τέχνες της Αυστρίας, της Γερμανίας, της Ολλανδίας, της Ιταλίας, της Τσεχοσλοβακίας, των Σκανδιναβικών χωρών και Η ίδια η Γαλλία. Ένα νέο στυλανέπτυξε τη δική του διακοσμητική γλώσσα, η οποία συνέχισε να επεκτείνεται και να βελτιώνεται σε όλες τις γωνιές του πλανήτη, η γλώσσα έγινε σύμβολο δυναμικής και κλίμακας σύγχρονος κόσμος. Διακοσμητική τέχνηήταν έτοιμη να γίνει έκφραση της νεωτερικότητας, δηλαδή ένα στυλ που έμελλε στο εγγύς μέλλον να αρχίσει να παίζει μεγάλο ρόλο σε πολλούς σημαντικούς τομείς παραγωγής σε ολόκληρο τον δυτικό κόσμο.
Ξεκινώντας ως μια ελαφριά, χαριτωμένη καινοτομία εμπνευσμένη από το μπαλέτο " Ρωσικές εποχές", Διακοσμητική τέχνησύντομα εξελίχθηκε στην προσωποποίηση της εκπληκτικής απλότητας και της ασυμβίβαστης φύσης της ζωής στην εποχή των μηχανών. Εκπρόσωποι όλων των τομέων των σύγχρονων καλών και διακοσμητικών τεχνών έψαχναν έναν τρόπο να εκφράσουν την ταχύτητα και την πίεση με την οποία τα αυτοκίνητα, τα τρένα, τα αεροπλάνα, το ραδιόφωνο και ο ηλεκτρισμός άλλαζαν τον υπάρχοντα κόσμο - προσπάθησαν να βρουν χρώματα και μορφές που θα ήταν απλούστερες, πιο ευδιάκριτα και πιο δυνατά από αυτά που χρησιμοποιήθηκαν πριν. Διακοσμητική τέχνηδιαμόρφωσε τον ίδιο τον τρόπο ζωής των ανθρώπων στον Μεσοπόλεμοχρόνια, ο τρόπος τους να ντύνονται και να μιλάνε, να ταξιδεύουν, να εργάζονται και να χαλαρώνουν. Κυριάρχησε στη βιομηχανία του θεάματος και στις τέχνες - το πνεύμα του μπορεί να γίνει αισθητό σε κινηματογράφους, πολυκατοικίες, ουρανοξύστες, εσωτερικές συνθέσεις και μοτίβα πολύτιμων κοσμημάτων, στο σχεδιασμό κουζινών και λαμπτήρων δρόμου, σε γλυπτά και αφίσες, σε εικονογραφήσεις βιβλίων και περιοδικών, σε υφάσματα, πίνακες ζωγραφικής, σε δημόσια κτίρια.
Γενικά, το στυλ μπορεί να θεωρηθεί ως το τελευταίο στάδιο στην ανάπτυξη της τέχνης κατά την περίοδο της Art Nouveau ή ως ένα μεταβατικό στυλ από το Art Nouveau στον μεταπολεμικό λειτουργισμό, το σχέδιο "διεθνούς στυλ".Το στυλ Art Deco έχει επανειλημμένα αποδείξει την αδιάκοπη γοητεία του, καθώς ακόμη και σήμερα παραμένει το πιο αποτελεσματικό μέσο επίδειξης κομψότητας και πολυτέλειας.
Στους επισκέπτες της έκθεσης του 1925 υποσχέθηκαν ένα μεγαλειώδες θέαμα. Ήταν ταυτόχρονα θεματικό πάρκο και εμπορική έκθεση: η Έκθεση καταλάμβανε μια μεγάλη περιοχή στο κέντρο της πόλης και στις δύο όχθες του Σηκουάνα. Η δεξιά όχθη του ποταμού παραχωρήθηκε σε περίπτερα ξένων χωρών και η γέφυρα Alexander III μετατράπηκε από τον Maurice Dufresne σε βενετσιάνικη γέφυρα με δύο σειρές καταστημάτων. Μερικά από τα γαλλικά περίπτερα ήταν αφιερωμένα σε παριζιάνικα πολυκαταστήματα, σαλόνια και μεγάλα κρατικά εργοστάσια.
Πρώτη Έκθεση.Ονομα Διακοσμητική τέχνηπροέρχεται από το όνομα της Διεθνούς Έκθεσης Διακοσμητικών και Βιομηχανικών Τεχνών και κυριολεκτικά σημαίνει «διακοσμητικές τέχνες». Σύμφωνα με το αρχικό σχέδιο, η έκθεση αυτή επρόκειτο να πραγματοποιηθεί στο 1916. Ωστόσο, λόγω οικονομικών δυσκολιών στη μεταπολεμική περίοδο, αναβλήθηκε επανειλημμένα και χώρες όπως Γερμανία και Ολλανδία. Οι ΗΠΑ έλαβαν την πρόσκληση πολύ αργά και δεν κατάφεραν (;) να προετοιμαστούν σωστά.
Οι προϋποθέσεις συμμετοχής στην έκθεση περιελάμβαναν μια ρήτρα σύμφωνα με την οποία τα εκθέματα έπρεπε να ενσαρκώνουν την ενσάρκωση κάτι καινούργιου στην τέχνη και να μην έχουν καμία σχέση με παλαιότερα κοινά στυλ. Οι διοργανωτές ήθελαν να τραβήξουν την προσοχή και να αποκαταστήσουν την εικόνα της Γαλλίας ως trendsetter της μόδας και του στυλ, της κύριας πηγής ειδών πολυτελείας. Το κύριο μήνυμα ήταν ένα κάλεσμα να παραχθούν πρωτότυπα πράγματα, να δημιουργηθεί μια ιδέα που να αντιστοιχεί στην αυξανόμενη εκβιομηχάνιση.«Τεράστια γυάλινα σιντριβάνια παίζουν ανάμεσα σε κυβιστικά δέντρα σε φυσικό μέγεθος και καταρράκτες μουσικών ήχων καταρρακτώνται στα σοκάκια από τις ιλιγγιώδεις κορυφές τεσσάρων γιγάντιων πύργων. Περπατήστε στα περίπτερα και... θα δείτε έπιπλα εκπληκτικών και αόρατων σχημάτων, διακόσμηση με ασύλληπτα σχέδια σε τοίχους, δάπεδα και οροφές.»
Είκοσι δύο ξένα περίπτερα αποτελούσαν ένα σχετικά μικρό μέρος της έκθεσης σε σύγκριση με το κυρίαρχο μερίδιο της Γαλλίας, ωστόσο, η ποικιλομορφία τους υποδηλώνει την απουσία κυρίαρχου στυλ. Τα στυλ της έκθεσης κυμαίνονταν από τον ριζοσπαστικό κονστρουκτιβισμό του σοβιετικού περιπτέρου μέχρι τη συντηρητική ψευδοεκκλησιαστική αγγλική έκθεση.
Κι όμως, κάποια στιλιστικά χαρακτηριστικά που εμφανίστηκαν ξεκάθαρα στην έκθεση του 1925 ονομάστηκαν στη συνέχεια Art Deco. Αυτές είναι, πρώτα απ 'όλα, τάσεις που χρησίμευσαν ως βάση για τον διεθνή ορισμό του στυλ. Υπό αυτή την έννοια, τα βαριά, στρογγυλεμένα περιγράμματα των πολυτελών επίπλων είναι χαρακτηριστικά Rühlmann, στυλιζαρισμένο σχέδιο ταπετσαρίας επίπλων Louis XuΚαι Αντρέ Μάρα, γυάλινοι καταρράκτες Ρενέ Λαλίκε, καθώς και σύνολα Paul Follot, Maurice Dufresne, που χαρακτηρίζονται από την απλότητα των καμπυλών από καπλαμά ξύλο, τον ασυνήθιστο φωτισμό, τα ζιγκ-ζαγκ σχέδια και τα έπιπλα με ορθές γωνίες. Υπήρχε μια ορισμένη ενότητα σε όλα, ιδιαίτερα προφανής, προφανώς, σε όσους ήταν ερεθισμένοι από αυτό. Ένας Αμερικανός κριτικός παραπονέθηκε: «Η βαρετή εναλλαγή γωνιών, κύβων, οκταέδρων, τετραγώνων και ορθογωνίων δημιουργεί μια διάθεση όχι τόσο εξέγερσης όσο διασκέδασης». Αλλά ακριβώς μέσω της ανάπτυξης και προσαρμογής αυτών των μορφών έγινε η εκλαΐκευση και η διεθνοποίηση του Art Deco. Ήταν αυτοί που καθόρισαν την ποικιλομορφία του λεξιλογίου του «τελευταίου από τα συνολικά στυλ».
Πρώτη χρήση του ονόματος:
Το ίδιο το όνομα - art deco - εμφανίστηκε στο 1966 σολ. Ήταν τότε που στο Παρίσι, στο Μουσείο Διακοσμητικών Τεχνών, δημιουργήθηκε μια έκθεση έργων εφαρμοσμένης τέχνης των δεκαετιών του '20 και του '30, που δημιουργήθηκε με βάση "εκφραστικές δομές που περιείχαν δυναμικό χώρο σε κλειστό όγκο μάζας" *. Πριν από αυτό, το Art Deco ονομαζόταν "jazz modern", "streamlined (streamlined) modern", "zigzag modern" και στις ΗΠΑ - "star style" (δηλαδή αστέρες του Χόλιγουντ που φορούσαν ρούχα Art Deco και ζούσαν σε σπίτια Art Deco αρχιτεκτονική εξοπλισμένη με κατάλληλα έπιπλα και σκεύη).
Διακοσμητική τέχνηαποκαλείται συχνά το τελευταίο υπέροχο στυλ. Το πιο πιθανό είναι να είναι απλώς μια όμορφη φράση. Συμφωνούμε σε αυτό Διακοσμητική τέχνη- υπέροχο στυλ, αλλά όχι το τελευταίο. Κατά τη γνώμη μας, ένα στυλ που εφαρμόζεται (αποτυπώνεται) στην αρχιτεκτονική έχει ήδη κάθε δικαίωμα να αποκαλείται εξαιρετικό στυλ και κάθε κατεύθυνση γίνεται στυλ όταν αναπτύσσεται ένα αντί-στυλ για αυτήν. Διακοσμητική τέχνη«σημειώνεται» σε όλους τους τύπους ανθρώπινης δημιουργικής δραστηριότητας, από χρηστικά είδη οικιακής χρήσης έως τη ζωγραφική και την αρχιτεκτονική.
Σχηματισμός στυλ:
Οι κριτικοί τέχνης βρίσκουν εύκολα στα έργα Διακοσμητική τέχνηδανεισμός από Αρ Νουβό, Κυβισμός, Αφαίρεση, Φουτουρισμός,οι τέχνες της αρχαίας Αιγύπτου, της Αφρικής, της Ιαπωνίας... Αλλά κάθε συστατικό αυτού του «κοκτέιλ» ήταν σχετικό για τους ανθρώπους της δεκαετίας του '20, που επέζησαν από τον πιο τρομερό πόλεμο, συνειδητοποίησαν ότι δεν θα υπήρχε επιστροφή στον παλιό κόσμο και είδαν ότι ο κόσμος ήταν πολύ μεγαλύτερος και πιο ποικιλόμορφος απ' όσο τους φαινόταν πριν. Ο εικοστός αιώνας είναι η αρχή της διαμόρφωσης αυτού του παραδείγματος κοινωνικο-οικονομικής ανάπτυξης, το οποίο αργότερα, στη δεκαετία του '50, θα λάβει το εκφραστικό όνομα - "καταναλωτική κοινωνία" Η επιθυμία των Ευρωπαίων και των Αμερικανών για την αισθητική της καθημερινότητας, την άνεση, την ενεργό εισαγωγή νέων τεχνολογιών στη ζωή των ανθρώπων, τη μετάβαση σε σειριακή παραγωγήεκείνα τα τεχνουργήματα που ανήκαν πριν από δέκα χρόνια πολυτελή αγαθά(Για παράδειγμα, αυτοκίνητο) - όλα αυτά απαιτούσαν επαρκή καλλιτεχνική μαεστρία των νέων τεχνικών και ανθρώπινων πραγματικοτήτων.
Έχοντας λιώσει, όλες αυτές οι καινοτομίες γέννησαν μια τέχνη στην οποία κυριαρχούσαν ταυτόχρονα δύο τάσεις που αλληλοαποκλείονταν, με την πρώτη ματιά. Από τη μια πλευρά - κατασκευές «ενέργειας» με τη μορφή ζιγκ-ζαγκ, κεραυνών, λάμψεις φωτός, τρίγωνα, ρόμβους, τεντωμένες ελλείψεις - όλα όσα βοήθησαν στην αντανάκλαση της αίσθησης ταχύτητα κίνησης, ενέργεια, πίεση. Φαινόταν ότι γύρω από κάποια έργα Διακοσμητική τέχνη«ο άνεμος σφυρίζει.» Από την άλλη, όλες αυτές οι παραφωνίες συνδυάστηκαν παράδοξα με μια τονισμένη κομψότητα, απλότηταμε την αριστοκρατία.
Διακοσμητική τέχνηΣτο επίκεντρο της ιδέας του τοποθέτησε τον ηδονισμό και την αδιαχώριστη άνεση της καθημερινότητας. Και για αυτό, τα πράγματα που περιβάλλουν έναν άνθρωπο πρέπει πρώτα να είναι λειτουργικός, δηλ. ο καλύτερος τρόποςπροσαρμοσμένα για να εκτελούν τα ρεαλιστικά καθήκοντά τους. Μορφήπρώτον, πρέπει να αντιστοιχεί λειτουργίες, και, δεύτερον, αντικατοπτρίζουν το κύριο χαρακτηριστικό του σύγχρονου κόσμου - την ταχύτητα αλλαγές, η καινοτομία τουςΕίναι μέσα στα πλαίσια Διακοσμητική τέχνηγια πρώτη φορά εμφανίστηκαν κομψά έπιπλα από κοίλους μεταλλικούς σωλήνες παρόμοιους με το τιμόνι του ποδηλάτου, κοσμήματακατασκευασμένο από αλουμίνιο, εσωτερικά στοιχεία από συγκολλημένο ατσάλι, φως νέον.
Εφαρμογή στην αρχιτεκτονική.
Χάος, πολυπλοκότητα και πολυχρωμία Μοντέρνααργά ή γρήγορα πρέπει να αντικατασταθεί. ΜΕ Διακοσμητική τέχνηήρθε στην αρχιτεκτονική σαφήνεια, βιωσιμότητα, κλασικισμός και οπτική απλότητα. Σειρά, χρώμα, γεωμετρία- Μανιφέστο Art Deco. Το Art Deco, όπως και το Art Nouveau, είναι ένα διεθνές στυλ που εμφανίστηκε στην Αμερική, την Ευρώπη και την Ασία· στην αρχή του, το Art Deco δανείζεται ορισμένες αρχές από το Art Nouveau. Διαφορετικά, αυτά τα ρεύματα είναι αρκετά διαφορετικά.
Πρώτα απ' όλα επιστρέφει η θέση της ασυμμετρίας και της ποιητικής αταξίας ΑΞΟΝΑΣ συμμετριαςκαι γεωμετρία, οι άνθρωποι ήθελαν χώμα κάτω από τα πόδια τους. Ένα νέο στυλ γεωμετρικός, τακτικός, υπολογιστικός- πάντα, μέχρι το στολίδι. Η συμμετρία στο Art Deco είναι προτιμότερη, αλλά μερικές φορές μπορεί να μην υπάρχει, αλλά πρέπει να υπάρχει ισορροπία μαζών στη σύνθεση. Στο Art Deco, στην πρώτη γραμμή - ταχύτητα της γραμμής. Είναι ιδιαίτερα ορατό σε ουρανοξύστες στις ΗΠΑ.
Στις ΗΠΑ σε δεκαετία του '30χρόνια Διακοσμητική τέχνηπροχώρησε σε κομψός λειτουργισμός.Κλασικά παραδείγματα αρχιτεκτονικής Διακοσμητική τέχνηείναι οι ουρανοξύστες της Νέας Υόρκης. Στο Μανχάταν υπάρχουν περίπου 150 ουρανοξύστεςσχετίζονται με αυτό το στυλ.
Κτίριο ΗΠΑ Chrysler
Καθώς τα αυτοκίνητα γυαλίζουν, Διακοσμητική τέχνηλατρεύει τη λάμψη, τις ανακλαστικές επιφάνειες και, φυσικά, το μέταλλο και την απομίμησή του. Ταυτόχρονα, το υλικό δεν αλλάζει οπτικά και σε αντίθεση με το Μοντέρνο, αν είναι μέταλλο, τότε είναι αυστηρά γεωμετρικό.
Το πιο εντυπωσιακό παράδειγμα θεωρείται παραδοσιακά ο διάσημος ουρανοξύστης Κτίριο Chryslerζ (Κτίριο Chrysler). Η κορυφή του κτιρίου είναι διακοσμημένη με ένα ανοξείδωτο κωδωνοστάσιο 38 μέτρων του κτηρίου Chrysler - την ενεργή συμμετοχή του μετάλλου, και την αίσθηση ενός πυραύλου. Χτίστηκε από τον αρχιτέκτονα William van Alen και άνοιξε για το κοινό στις 27 Μαΐου 1930. Αυτή η μεγαλοπρεπής κατασκευή εκπλήσσει όχι μόνο με το μέγεθός της, αλλά και με την κομψότητά της.
Πίσω από την εξωτερική απλότητα του κτιρίου υπάρχει μια πολύπλοκη διακόσμηση από ακριβά υλικά του εσωτερικού. Το Art Deco χρησιμοποιεί στοιχεία παλαιών διακοσμητικών, αλλά αυτά δεν είναι ακριβή αντίγραφα, αλλά επανερμηνευμένα πράγματα. Τα στολίδια δεν είναι μόνο ελληνικά ή ρωμαϊκά - είναι από την Αίγυπτο, τη Μεσοποταμία και την Αφρική. Για Διακοσμητική τέχνη«πολυτέλεια» δεν είναι μόνο ακριβά υλικά, αλλά επίσης οπτικός πλούτος:φωτεινά, πλούσια χρώματα. Συνήθως χρησιμοποιούνται περισσότερα από 3 χρώματα και φαίνεται εκπληκτικά συνεκτικό και απροσδόκητα όμορφο. Με φόντο μια αντίθεση μαύρου και λευκού από σκακιέρα, υπάρχουν λαμπερές πιτσιλιές από κόκκινο και χρυσό, επιχρωμιωμένα εσωτερικά αντικείμενα.
Αμερικανοί αρχιτέκτονες της περιόδου Διακοσμητική τέχνηήταν σκόπιμα τσιγκούνηςκαι ορθολογικό σε εξωτερικό σχεδιασμόκτίρια, αλλά σπάταλοςκαι δημιουργικό στο σχεδιασμό του εσωτερικοί χώροι:εισόδους, αίθουσες, διαδρόμους, ανελκυστήρες και λόμπι και, φυσικά, διαμερίσματα, δωμάτια ξενοδοχείων και γραφεία, ξοδεύοντας σημαντικά χρηματικά ποσά για αυτό, χρησιμοποιώντας ακριβά υλικά και σύγχρονες τεχνολογίες, καθώς και δημιουργική φαντασία και καλλιτεχνικές δεξιότητες.
Άλλοι ουρανοξύστες στην Αμερική:
Παρακαλείστε να σημειώσετε ότι πολλά κτίρια στυλ Διακοσμητική τέχνηυπενθυμίζω κατά κάποιο τρόπο Αιγυπτιακές πυραμίδες. Το 1922, ολόκληρος ο δυτικός κόσμος συγκλονίστηκε από την ανακάλυψη του τάφου του Τουταγχαμών. Προφανώς, αυτός είναι ο λόγος που η γενική γοητεία με τα αρχιτεκτονικά μοτίβα της Αρχαίας Αιγύπτου (πυραμίδες), της Μεσοποταμίας (ζιγκουράτ) ήταν χαρακτηριστικό της αρχιτεκτονικής Διακοσμητική τέχνη. Συχνά τα κύρια αρχιτεκτονικά στοιχεία ενός σπιτιού μπορούν να γίνουν αντιληπτά μόνο κρατώντας το κεφάλι ψηλά. Το Chrysler Building, το Rockefeller Center και το Empire State εμφανίζονται σε όλο τους το μεγαλείο μόνο από σεβαστή απόσταση. Η πρόσοψη ενός πολυώροφου κτιρίου μπορεί να φαίνεται απλή και ανεπιτήδευτη μέχρι τον 20ο ή και τον 30ο όροφο και πάνω από αυτό θα είναι πλούσια και περίπλοκα διακοσμημένα.
1. Κτίριο καλοριφέρ Μανχάταν. NY. 2. Κτίριο Niagara Mohawk, κατασκευασμένο για τη μεγαλύτερη εταιρεία ηλεκτρικής ενέργειας στις Ηνωμένες Πολιτείες.
Ασία, Κίνα, Σαγκάη.
Το ορόσημο της Σαγκάης είναι το Bund. Το Bund είναι ίσως ένα από τα πιο αντικινεζικά αξιοθέατα στην Κίνα. Μια φορά κι έναν καιρό υπήρχε εδώ μια ζώνη για ξένους. Μόνο οι κάτοικοι άλλων πολιτειών είχαν τη δυνατότητα να ζουν, να νοικιάζουν και να αγοράζουν γη και ακίνητα σε αυτήν την πλευρά του Huangpu. Έτσι, το ανάχωμα έγινε για κάποιο διάστημα μια μικρή όαση της δυτικής ζωής σε μια ασιατική χώρα. Αργότερα, το Bund γέμισε με Σαγκάηδες και κατοίκους άλλων γειτονικών πόλεων, και ως ανάμνηση των πρώην αποίκων, σπίτια, μνημεία και άλλα διάφορα κτίρια παρέμειναν εδώ... Σήμερα, το Bund φιλοξενεί περισσότερα από 50 κτίρια κατασκευασμένα σε ποικιλία αρχιτεκτονικών στυλ: κλασικισμός, Μπαρόκ, Art Deco, Gothic, Beaux-Arts, Ρομαντισμός, Αναγέννηση...Χάρη σε αυτό, ο τόπος έλαβε τέτοια κολακευτικά παρατσούκλια όπως "το μουσείο της παγκόσμιας αρχιτεκτονικής" ή "η έκθεση αρχιτεκτονικής δέκα χιλιάδων κρατών".
Στα ανατολικά του Bund, το ανάχωμα της Σαγκάης, ουρανοξύστες πετούν στον ουρανό. Ανατολικό Μανχάταν" Pudong;κάποιοι από αυτούς δεν γνωρίζουν τον εαυτό τους ίσο σε ύψος στον κόσμοκαι στη σύγχρονη αρχιτεκτονική. Το Shanghai World Financial Center είναι ένας ουρανοξύστης στη Σαγκάη, η κατασκευή του οποίου ολοκληρώθηκε το καλοκαίρι του 2008. Το ύψος του κέντρου είναι 492 μέτρα.
Σιγκαπούρη
Parkview Square Hotel (2002).
Το ξενοδοχείο ονομάζεται με αγάπη Κτήριο Γκόθαμ. Το στυλ του Batman αντανακλά την ουσία του Art Deco
S S S R Ο κονστρουκτιβισμός αποκαλείται συχνά το εγχώριο ανάλογο του Art Deco. Ο κοινωνικός χώρος των καλλιτεχνών της Δύσης και της Σοβιετικής Ρωσίας ήταν διαφορετικός, αλλά ο ιστορικός χρόνος ήταν ο ίδιος, γεγονός που οδηγεί τους δημιουργικούς ανθρώπους σε πολύ παρόμοιες καλλιτεχνικές αποφάσεις, μερικές φορές στα όρια της άμεσης σύμπτωσης. (φωτογραφία του κτηρίου Pano Chrysler και των Σοβιετικών) Σταλινικοί ουρανοξύστες
Μεταξύ των σταθμών του μετρό της Μόσχας, τα πιο εντυπωσιακά παραδείγματα είναι ο σταθμός Kropotkinskaya (αρχικά το Παλάτι των Σοβιέτ), το Sokol, το Aeroport, αλλά ο πιο αρ ντεκό σταθμός είναι "Μαγιακόφσκαγια", με ψηφιδωτές αποχρώσεις, σχεδιασμένο από τον αρχιτέκτονα Alexei Nikolaevich Dushkin και έλαβε το Grand Prix στην Παγκόσμια Έκθεση του 1939 στη Νέα Υόρκη. Τα μωσαϊκά πάνελ τοποθετημένα σε θόλους κασόνι είναι κατασκευασμένα σύμφωνα με σκίτσα του καλλιτέχνη Alexander Deineka με θέμα "Καθημερινές μέρες της χώρας των Σοβιέτ": πρωί (7 πάνελ) - ημέρα (8) - νύχτα (5) - πρωί (15 ). Θεωρήθηκε ότι οι επιβάτες που εισέρχονταν και έφευγαν θα ήταν «καλοδεχούμενοι» από πρωινές ιστορίες. Όλα τα πάνελ απεικονίζουν τη ζωή των πολιτών της νεαρής σοβιετικής χώρας. Το τελευταίο μεγάλο έργο που σχετίζεται με το στυλ Art Deco στην ΕΣΣΔ ήταν το πρώτο στάδιο του μετρό του Λένινγκραντ
Το Σοβιετικό Art Deco είναι το περίπτερο της ΕΣΣΔ Έκθεση Παρισιού 1937με το «Worker and Collective Farm Woman» της Vera Mukhina να το επιστέφει. Το περίπτερο της ΕΣΣΔ και το περίπτερο της Ναζιστικής Γερμανίας στέκονταν το ένα απέναντι από το άλλο στο κέντρο της έκθεσης.
Ήταν άβολο γιατί η ομάδα μας «Worker and Kolkhoz Woman» πετούσε σαν ανεμοστρόβιλος κατευθείαν προς τους Ναζί. Αλλά ήταν αδύνατο να γυρίσει το γλυπτό, αφού κατευθυνόταν προς την κατεύθυνση του κτιρίου.
Οι Γερμανοί περίμεναν αρκετή ώρα, θέλοντας να μάθουν το ύψος του περιπτέρου της ΕΣΣΔ μαζί με τη γλυπτική ομάδα. Όταν το καθιέρωσαν, έχτισαν έναν πύργο πάνω από το περίπτερο τους περίπου δέκα μέτρα ψηλότερα από το σοβιετικό. Από πάνω τοποθετήθηκε ένας ναζιστικός αετός. Αλλά για τέτοιο ύψος ο αετός ήταν μικρός και φαινόταν μάλλον αξιολύπητος
Πανενωσιακή Γεωργική Έκθεση, η οποία τελικά έλαβε το όνομα VDNH, έγινε ένα αρχιτεκτονικό αριστούργημα της εποχής του σοσιαλιστικού ρεαλισμού, το οποίο ακόμη δεν έχει εκτιμηθεί δεόντως. Μερικά, αν όχι πολλά, από τα περίπτερα είναι δημιουργήματα τέλειας μορφής, μοναδικά μνημεία που αντανακλούσαν το πνεύμα και την ουσία αυτού του ιδανικού και ίσως άφθατου κόσμου της αληθινής ελευθερίας, ισότητας και αδελφότητας, που υποτίθεται ότι συμβολίζουν.
Εδαφος VDNHείναι πλούσιο σε διάφορα αρχιτεκτονικά μνημεία, πολλά από τα οποία είναι γνωστά σε όλο τον κόσμο. Δημιουργήθηκαν στη σοβιετική εποχή, αποτελούν μνημείο της σοβιετικής εποχής, πολλά από αυτά είναι παραδείγματα καινοτομίας, δύναμης, πολυτέλειας, θεμελιώδους σημασίας και έχουν στιλιστικά χαρακτηριστικά Διακοσμητική τέχνη. Στις 18 Απριλίου 1963, η Κεντρική Επιτροπή του ΚΚΣΕ και το Συμβούλιο Υπουργών της ΕΣΣΔ υιοθέτησαν ψήφισμα για τον επαναπροσδιορισμό VDNH
VV 1920-1930. Διακοσμητική τέχνηάφησε ως αναμνηστικό τους υπέροχους εσωτερικούς χώρους του μετρό της Μόσχας, τα απομεινάρια της προπολεμικής πολυτέλειας VDNHκαι πορσελάνη από το Εργοστάσιο Πορσελάνης του Λένινγκραντ. Φυσικά, το στυλ μας έχει λάβει μια πολύ μοναδική διάθλαση. Αλλά ο «εθνικός» χαρακτήρας Διακοσμητική τέχνηείναι ξεκάθαρα ορατό στον πολιτισμό άλλων χωρών. Πίσω από όλη αυτή την ποικιλομορφία, δεν είναι δύσκολο να διακρίνει κανείς το κύριο πράγμα: η τέχνη εκείνων των χρόνων είναι η ενσάρκωση του μύθου της νέας Χρυσής Εποχής, που εκφράζεται με σύγχρονες καλλιτεχνικές τεχνικές. Στο στυλ της χώρας μας Διακοσμητική τέχνηδεν ήταν τόσο ευρέως γνωστό όσο στην Ευρώπη και τις ΗΠΑ. Πιστεύεται ότι η αρχιτεκτονική της εποχής του Στάλιν ήταν μια από τις προσπάθειες δημιουργίας Διακοσμητική τέχνη
