Traduit du français, « art déco » signifie « art décoratif ». Le style Art Déco, ou comme on l'appelle aussi - Art Déco, a reçu son nom lors d'une exposition d'arts décoratifs et appliqués à Paris en 1925. Quand et comment est né ce style ? Et de manière générale, que représente-t-il en bijouterie ?
Dès le tout début du XXe siècle, les bijoutiers ont commencé à abandonner les lignes sinueuses de l'Art nouveau et à se tourner vers la recherche de nouveaux moyens d'expression. À la fin de la modernité, les lignes géométriques inhérentes à l'Art Déco étaient déjà découvertes, mais tout fut interrompu par la Première Guerre mondiale, après la fin de laquelle les gens essayèrent de trouver de nouveaux idéaux avec un désir encore plus grand, car en plus des destructions et des pertes humaines, il y avait une déception face aux valeurs du passé.
Une nouvelle femme est apparue, qui a inspiré les poètes et les artistes, notamment les joailliers. C'est à cette époque que Louis Cartier esquisse ses premiers bijoux dans une direction nouvelle.
L'Art Déco absorbait la simplicité et le luxe, un jeu de pierres pur et lumineux, des quêtes stylistiques incluant le cubisme, le modernisme, le surréalisme, le néoclassicisme et les caractéristiques ethniques de la Grèce antique, de l'Égypte, de l'Afrique et de l'Orient.
Les bijoutiers, comme tous les sculpteurs d’art, sont toujours à l’écoute de l’ambiance de la société. Comment pouvons-nous aider à oublier les horreurs de la guerre et apporter de la joie aux gens ? C’est à cette époque que l’éclectisme des tendances stylistiques fait de l’Art Déco un style innovant.
Ainsi, les créateurs des maisons de joaillerie ont proposé de nouvelles formes, devenues un design géométrique et linéaire, une composition symétrique, des contrastes de couleurs et une coupe spéciale. pierres précieuses, qui ont acquis des lignes plus claires, les formes triangulaires, trapézoïdales et émeraude étaient plus courantes.
Au début, les bijoutiers utilisaient des matériaux peu coûteux : émail, chrome, verre, plastique et préféraient les couleurs vives. Cependant, la société d’après-guerre a cherché à créer autour d’elle l’illusion du luxe et de la prospérité. Et tout d’abord, cela pourrait être fait par les reines du grand écran hollywoodien. Leurs bracelets et colliers scintillaient de diamants sur les écrans.
À l’époque Art Déco, le platine est devenu un métal culte ; c’est ce métal noble qui est devenu à la mode. Parallèlement, l’or blanc, l’argent, l’acier et même l’aluminium ont gagné en popularité. En plus des métaux, les bijoutiers utilisaient souvent des matériaux exotiques - ivoire, peau de crocodile et de requin, ainsi que des bois rares. Nous avons utilisé de la nacre blanche pure, des diamants blancs et de l'onyx noir...
Le mérite du style Art Déco réside dans sa combinaison audacieuse de pierres précieuses et de strass dans un seul bijou, perles naturelles– avec artificiel.
La technique de décoration la plus courante était l'émaillage du métal et la découpe inhabituelle. Les formes des bijoux de style Art Déco sont une géométrie claire et une symétrie stricte, la disposition des éléments avec un certain rythme d'alternance.
Les principaux motifs de la conception des bijoux, outre la géométrie, étaient les images et les décors du ballet russe de S. Diaghilev, la culture différents pays et époques - Egypte ancienne, Chine, Japon, Inde, Grèce antique, Afrique, objets de la flore et de la faune.
Les bijoux les plus pittoresques comprennent une broche-gland, de longues boucles d'oreilles, y compris des boucles d'oreilles-glands qui ornaient les têtes coupées des beautés, de lourdes ceintures, des bracelets portés non seulement au poignet, mais aussi à l'avant-bras, un bandeau (bandeau), décoré de des strass, des perles, et pour certains, des diamants, une bague cocktail, un collier collier, un collier et un bracelet en forme de serpent, une bague et un bracelet en forme de panthère...
Durant la période Art Déco, les précieux briquets et fume-cigarettes sont également à la mode, dans lesquels des composants noirs et blancs alternent également.
Les montres-bracelets ont acquis une popularité exceptionnelle, dans la création desquelles les bijoutiers ont fait preuve d'une imagination extraordinaire. Les montres avaient des formes variées, une décoration riche, de l'originalité et de la grâce. Le boîtier et les bracelets de la montre étaient ornés de pierres précieuses.
L'un des joailliers les plus célèbres de cette époque était Georges Fouquet et son fils. Le joaillier parisien Raymond Templier a également créé des solutions artistiques intéressantes. Une place particulière dans son œuvre est occupée par les bijoux aux éléments géométriques stricts décorés d'émail brillant, avec un contraste de couleurs spectaculaire.
L'histoire de la Maison Cartier illustre clairement l'évolution du style Art Déco. Les œuvres joaillières des années 20-30 de Louis Cartier témoignent des principales étapes du développement du nouveau style. Au départ, Cartier utilisait davantage de cercles ou de segments, estimant que c'étaient ceux-ci formes géométriques Convient aux bijoux pour femmes. Puis il a commencé à utiliser le carré et le rectangle.
Le bijoutier a décoré ses bijoux de diamants en combinaison avec d'autres pierres et émail. Ses bijoux jouaient avec des couleurs vives et des couleurs exquises, par exemple, il ajoutait des diamants luxueux à des produits en onyx, cristal de roche et jade, corail et nacre. Peu à peu, les joailliers de la Maison Cartier abandonnent le brillant gamme de couleurs et j'ai commencé à utiliser blanc. C'est ainsi qu'est apparu le style « art déco blanc ».
Les bijoux aux formes géométriques strictes dans une combinaison contrastée de couleurs blanches et noires - platine blanc et diamants avec onyx noir ou émail noir - étaient magnifiques. C’est sur la base de ce contraste de couleurs qu’a été créé un motif unique, appelé « peau de panthère ».
Par la suite, le motif a été utilisé pour créer des broches en forme de panthères, ainsi que pour décorer les cheveux et les décorations capillaires. montre-bracelet. Mais néanmoins, il était difficile de refuser complètement les couleurs vives de l'émeraude, des rubis, des saphirs, même dans « l'art déco blanc ». C'est pourquoi Cartier aimait créer des broches - des « vases de fruits ». Les bijoux multicolores dans le style tutti frutti sont devenus les célèbres bijoux Cartier.
Après la découverte du tombeau de Toutankhamon en 1922, il y eut un regain d'intérêt pour les bijoux égyptiens ; parmi les bijoux de Cartier se trouvaient des pendentifs spectaculaires constitués de plaques de jade avec des diamants et des rubis, la célèbre broche « scarabée » en quartz fumé, en faïence, décorée de diamants. .
La luminosité et le multicolore des bijoux ont augmenté encore plus en 1929 et au-delà, car c'étaient les années où le pouvoir d'achat était perdu dans tous les domaines de la vie, et afin d'attirer l'attention et de survivre dans les temps difficiles, les objets de bijoux les plus brillants ont été créés. . Le jade, la topaze, le zircon, le corail et l'aigue-marine sont devenus populaires.
Le style Art Déco peut être qualifié de pleinement formé au début des années 20 et, en 1925, il reçut la reconnaissance définitive. C'est donc lors d'une exposition organisée à Paris en 1925 que le style reçut son nom.
L'exposition présentait des œuvres de joaillerie de Fouquet, Templier, Sandoz, Boucheron, Van Cleef, Cartier, Mauboussin et de nombreux autres joailliers français. Le succès des bijoutiers fut étonnant. Le joaillier parisien Georges Mauboussin a reçu une médaille d'or pour ses bijoux Art Déco.
L'admiration des visiteurs ne connaissait aucune limite. Tout le monde admirait les colliers créés par Mauboussin, dans lesquels des diamants dans une monture en platine alternaient avec de belles perles, une bague en jadéite, des pendentifs en forme de vases à fleurs et des fontaines. Après l'exposition, la maison Mauboussin devient célèbre.
Non seulement les œuvres de joaillerie de Cartier et Mauboussin ont glorifié le style Art Déco ; grâce aux joailliers Boucheron, Van Cleef et Arpels, le style Art Déco est devenu internationalement reconnu comme synonyme de luxe et d'admiration. Au cours de ces années, beaucoup de choses ont changé dans la vie des gens, de nouvelles technologies ont été développées, de nouveaux matériaux ont été recherchés et des recherches scientifiques et technologiques ont été menées.
Ce fut un siècle de réalisations dans tous les domaines de l’activité et de la vie humaine. Tout cela se reflétait dans les activités de l'art de la joaillerie. Chez Van Cleef & Arpels, les bijoutiers ont inventé un nouveau type de sertissage pour les pierres précieuses : le sertissage invisible. Les pierres étaient taillées de manière à pouvoir être installées à proximité les unes des autres, le métal de base était donc entièrement recouvert d'un « pavé de pierre ». Cela a permis de créer les bijoux les plus excellents.
Les broches à clip en diamant, les sautoirs et les bracelets élégants aux motifs ornementaux clairs faits de pierres précieuses étaient très demandés sur les marchés de la bijouterie. Les broches, pompons et perles en pierres naturelles sont devenues à la mode. Les longues boucles d'oreilles en cascade et les grandes boucles d'oreilles à clips qui recouvraient le lobe de l'oreille étaient particulièrement populaires, grâce à la mode des coupes de cheveux courtes.
Les historiens de l’art estiment que le style Art déco n’a dominé le monde de l’art que pendant environ deux décennies, de la Première Guerre mondiale à la Seconde Guerre mondiale. Mais autre chose est important : de nombreuses techniques et réalisations en matière de technologie de joaillerie développées pendant l'Art Déco se sont révélées si universelles que les maîtres joailliers ont longtemps ressenti l'influence de ce style sur les générations suivantes.
DANS mode moderne Le style Art Déco est à nouveau populaire. Il est choisi par des femmes sûres d'elles qui préfèrent le luxe et en même temps la retenue aristocratique.
Sergueï Dyagelev
saisons" de Sergei Diaghilev, les bijoutiers, comme leurs collègues artistes - architectes et artistes décorateurs qui ont travaillé sur la décoration intérieure - ont finalement abandonné les lignes courbes fantaisistes et les couleurs fanées de l'Art nouveau. À la recherche de nouveaux moyens d'expression, ils se tournent vers des formes géométriques claires, avec une construction claire de compositions symétriques, dans lesquelles des pierres précieuses joliment taillées jouent un rôle dominant.
Le style des œuvres qu’ils créent sera plus tard appelé Art Déco. Il combinait simplicité et luxe, clarté des motifs géométriques et jeu lumineux de pierres scintillantes. Ce style, qui s'est formé en France au début des années 1920, a rapidement conquis les États-Unis puis la plupart des pays européens, subordonnant à ses principes artistiques presque tous les arts appliqués, y compris le costume.
La nouvelle mode tomba complètement sous le pouvoir de la géométrie pure, et le costume pour femme, qui ressemblait à une chemise en coupe, commença à être défini par des règles strictes. 
constructivité. De nouveaux noms sont apparus parmi les créateurs de mode. En 1920, l'artiste d'avant-garde Sonia Delaunay ouvre un salon de mode à Paris, décorant ses modèles de motifs géométriques lumineux. Dans les années 1930, une nouvelle star brillait à l'horizon de la mode : Coco Chanel, qui accordait une grande attention aux accessoires de bijouterie et commença bientôt à concevoir elle-même des bijoux. Les temps nouveaux ont donné naissance à un nouvel idéal de la femme. Elle est devenue indépendante et indépendante, une partenaire égale avec un homme. Des Parisiens courageux
Coco Chanel
pionniers reconnus, peu après la guerre, ils se coupaient d'abord les cheveux, puis raccourcissaient leurs jupes et enfilaient des robes sans manches. Une tendance de mode originale apparaît, axée sur des figures mi-filles, mi-garçons : la mode dite « garçon ». Certes, dans les années 1930, la ligne vestimentaire s'est quelque peu adoucie, la mode de luxe est devenue plus féminine et les idées sur la beauté ont été incarnées dans les images des stars de cinéma hollywoodiennes. Mais au cours de ces deux décennies, le costume féminin a ouvert de larges possibilités à l'imagination des bijoutiers.
Parmi les décorations les plus pittoresques, 
appartenait sans doute à la « broche à pompon » qui décorait le col ouvert de la robe du soir ; dans les toilettes de jour, plus modestes, il était remplacé par un collier inhabituellement long de perles artificielles ou de perles en pierres. Les longues boucles d'oreilles sont devenues à la mode, décorant efficacement les têtes coupées, les lourdes ceintures et les bracelets, qui étaient souvent portés non seulement au poignet, mais également à l'avant-bras. Un nouveau type de bijoux est apparu : une broche en deux parties avec un fermoir à clip ; Il était utilisé pour épingler les truacarts à la mode. Les montres-bracelets ont acquis une popularité exceptionnelle au cours de cette période. Les bijoutiers les ont créées ; 
a fait preuve d'une imagination incroyable. Les montres se distinguaient par la variété de leurs formes, la richesse de leur décoration et leur élégance. Le corps et les bracelets étaient ornés de pierres précieuses.
Les pionniers d'une nouvelle direction dans l'art de la joaillerie étaient des maîtres français. Parmi eux se trouvait l’un des joailliers les plus célèbres de Paris, Georges Fouquet, que l’on appelait à l’époque de l’Art nouveau « le deuxième après Lalique ». Dans l'une de ses œuvres les plus abouties du début des années 1920 
années, dans un pendentif rond aux pendeloques symétriques, toutes les caractéristiques du nouveau style sont déjà visibles - la géométrie claire de la forme et la structure ornementale du décor, le mélange audacieux de matériaux coûteux : diamants, émeraudes, lapis-lazuli et cristal de roche .
Les expériences de son fils Jean Fouquet sont encore plus innovantes : il crée une série de bijoux complètement différente de tout ce qui avait été fait auparavant. Les collections de Paris et de New York contiennent sa broche et son bracelet en ivoire, composés de maillons ronds en or jaune, décorés de pyramides d'onyx noir et de cercles de or blanc. Ces bijoux insolites ont été clairement créés sous l'influence des recherches avant-gardistes des peintres du début du siècle, et surtout des cubistes. Non moins intéressantes sont les boucles d'oreilles en platine d'un autre joaillier parisien, Raymond Templier ; les idées du constructivisme se font clairement sentir dans leur construction. Templier décorait les éléments géométriques stricts de ses « créations précieuses » avec de l'émail brillant ou du vernis japonais, obtenant ainsi des contrastes de couleurs d'une efficacité inhabituelle. Cependant, ces œuvres expressives et originales des deux joailliers donnaient davantage une impression d’œuvres d’art « autosuffisantes » que de bijoux harmonieusement liés au corps humain et à son costume. 
Peut-être que dans cette approche de la conception artistique des bijoux, Jean Fouquet et Raymond Templier étaient en avance de près de cent ans sur leur temps.
Dans les années 1920, aux débuts de ce qu’on appelait parfois le « jazz moderne », les bijoutiers utilisaient souvent des matériaux tels que l’émail, le chrome, le verre et le plastique, et privilégiaient les couleurs vives. Mais très vite, ils se sont rendu compte que la « génération perdue » d’après-guerre avait besoin de l’illusion de la prospérité, qui n’était fournie que par l’or, le platine et les plus beaux bijoux. pierres naturelles. De nombreuses personnes ont déjà appris par leur propre expérience amère à quel point une source financière vitale est temps de poitrine les bijoux peuvent le devenir - d'ailleurs, ils en ont été privés depuis longtemps.
Les joailliers de la Maison Cartier l’ont bien compris, s’étant toujours attachés à utiliser les pierres les plus luxueuses en joaillerie. Même avant la Première Guerre mondiale, Louis Cartier fut peut-être le premier parmi les bijoutiers à ressentir les nouvelles tendances de l'art et commença à styliser ses motifs préférés de diverses guirlandes, en leur donnant un caractère géométrique. Ses œuvres des années 1920-1930 démontrent clairement les principales étapes du développement du nouveau style. 
Dans un premier temps, Cartier privilégie les compositions harmonieuses et les formes simples et claires. Au départ, il s'agissait d'un cercle ou d'un segment, car il pensait que c'étaient les formes géométriques les plus adaptées aux bijoux destinés à une femme. Plus tard, il s'est tourné vers d'autres formes géométriques : le carré, le rectangle et plus rarement le losange. Il décore des bijoux à la silhouette simple et claire, en onyx, cristal de roche, jade, corail ou nacre, de diamants et autres pierres précieuses, sélectionnant subtilement leurs couleurs exquises.
Mais très vite, les joailliers de la Maison Cartier abandonnent les couleurs vives et initient l'émergence du style dit « art déco blanc ». Strict formes géométriques Leurs bijoux étaient égayés par des combinaisons contrastées de platine blanc et de diamants avec de l'onyx noir ou de l'émail noir. A partir de ce jeu optique expressif de taches noires et blanches, un motif unique a été créé, appelé « peau de panthère ». Ce motif a été utilisé dans la création de broches originales en forme de panthères ou de décorations de cheveux ; il a également été utilisé dans la conception de montres-bracelets. La période « Art Déco Blanc » s’est peut-être avérée être non seulement la plus fructueuse dans les activités de l’entreprise, mais aussi la plus importante pour la formation d’un nouveau style dans son ensemble. 
Cependant, Louis Cartier, même à la « période blanche », n’abandonne pas la couleur, fabriquant des broches en émeraudes, rubis et saphirs qui reproduisent des « vases de fruits » ou des « paniers de fleurs ». D’ailleurs, le motif d’un panier fleuri était très typique de la décoration de style Art Déco. Il a été approché non seulement par des bijoutiers, mais aussi par des décorateurs d'intérieur et des maîtres d'autres types d'arts appliqués. Ainsi, le plus célèbre ébéniste français de l'époque, Emile-Jacques Ruhlmann, aimait décorer ses meubles de compositions à la mode en forme de paniers de fleurs stylisés.
Les bijoux multicolores sont devenus particulièrement populaires après l'avènement de la mode des bijoux indiens. De plus, le marché de la pierre était saturé de rubis, saphirs, émeraudes, taillés en forme de feuilles, de fleurs, de baies ou de boules. Puis ils sont apparus bijoux célèbres Cartier, dans le style « tutti frutti » qu'il a inventé, il s'agissait de compositions multicolores lumineuses de pierres précieuses sculptées. Après la découverte du tombeau de Toutankhamon en 1922 et le regain d'intérêt qui a suivi en Égypte, l'entreprise a commencé à produire des bijoux colorés, 
fabriqué dans le "style égyptien". Parmi eux se trouvent de spectaculaires pendentifs constitués de plaques de jade, ornés de diamants et de rubis, et la célèbre broche scarabée en quartz fumé avec des ailes en faïence bleue serties de diamants. Particulièrement souvent, les bijoutiers ont commencé à créer des objets de décoration après la crise de 1929 : c'est ainsi qu'ils ont tenté, en attirant l'attention des acheteurs, de survivre à cette période difficile.
Ainsi, l'histoire de la Maison Cartier illustre clairement le processus de formation du style Art Déco. Elle fut finalement créée au début des années 1920 et atteignit son apogée au milieu de la décennie. L'époque de son triomphe fut l'Exposition des Arts Décoratifs et de l'Industrie Moderne, organisée en 1925 à Paris. En fait, c'est lors de cette exposition que le style a reçu la reconnaissance définitive, et plus tard son nom abrégé - « Art Déco » - est devenu le nom du style.
L'exposition des joailliers avait lieu dans le luxueux bâtiment du Grand Palais. Cartier expose dans un autre pavillon de l'exposition (Élégance), en collaboration avec les célèbres créateurs de mode de l'époque - Bort, Lanvin et autres, probablement pour souligner une fois de plus le lien inextricable entre bijoux et costume. Les œuvres de Fouquet, Sandoz, Templier, Boucheron, Cartier, Van Cleef, Mauboussin et d'autres joailliers français présentées à l'exposition constituaient l'aboutissement des recherches de la période précédente et symbolisaient la naissance de l'esthétique d'une nouvelle ère. 
Le succès des bijoutiers travaillant dans le style Art Déco fut phénoménal. La reconnaissance formelle du nouveau style peut être considérée comme le fait que la plus haute récompense de l'exposition - la Médaille d'Or - a été décernée au joaillier parisien Georges Mauboussin pour ses bijoux de style Art Déco. À cette époque, ses produits étaient déjà bien connus des amateurs de bijoux. Les colliers créés par Mauboussin, dans lesquels des diamants sertis dans une monture en platine alternaient avec de belles perles et décoraient la partie centrale - une bague en jadéite - se distinguaient par leur beauté et leur élégance étonnantes et faisaient l'objet du désir de nombreuses beautés sociales et stars d'Hollywood. Ses pendentifs en forme de vases à fleurs et de fontaines stylisées, décorés d'émeraudes sculptées, de diamants et d'émail, deviennent des objets à imiter et à copier. Toutes ces décorations sont réalisées dans le style Art Déco, et c'est ce style qui a fait la renommée de Mauboussin. 
Mais le développement du style ne s’est pas arrêté. Il est né à l’ère de la science et de la technologie et a été grandement influencé par ses réalisations. L'un des bijoutiers qui ont participé à l'exposition a écrit que « l'acier poli, le nickel mat, l'ombre et la lumière, la mécanique et la géométrie, tout cela sont des objets de notre temps. Nous les voyons et vivons avec eux au quotidien. Nous sommes des gens de notre époque, et c'est la base de toutes nos créations présentes et futures... » Il n'est pas surprenant que pour parvenir à l'expression artistique, les bijoutiers aient fait beaucoup d'efforts dans la recherche de nouveaux matériaux et le développement de nouvelles technologies. techniques.
Le plus grand succès a été obtenu par la société Van Cleef et Arpels. En 1935, Alfred Van Cleef et Julien Arpels parviennent à inventer un nouveau type de sertissage des pierres précieuses : le sertissage invisible. Cette méthode de fixation consiste à tailler avec précision des pierres précieuses dures de couleur assortie - diamants, saphirs ou rubis - dans lesquelles sont usinées des rainures, permettant d'insérer les pierres à proximité les unes des autres et ainsi d'en recouvrir complètement le métal, cachant ainsi la base en or. . Cette technique technologique a permis aux maîtres de Van Cleef et Arpels - et par la suite à d'autres sociétés - de créer une série d'excellents bijoux de style Art Déco. Peut-être, grâce précisément à ces bijoux, ainsi qu'aux œuvres de Cartier, Boucheron, Mauboussin et d'autres joailliers, le style Art Déco est devenu internationalement reconnu comme synonyme de luxe et d'éclat unique. 
Déjà dans les années 1930, le style Art Déco a commencé à déterminer la conception artistique non seulement de bijoux uniques fabriqués à partir de pierres coûteuses - dans ce style, dans de nombreux pays d'Europe et d'Amérique, des objets moins chers ont été créés, destinés à un public assez large. gamme d'acheteurs. Les broches et sautoirs à pince en diamant étaient très demandés sur le marché de la joaillerie, en particulier les bracelets élégants, dans lesquels les diamants de taille moyenne soulignaient les lignes claires des motifs ornementaux plats. Des décorations similaires ont été réalisées en grandes quantités Ce n'est pas un hasard pour de nombreuses entreprises de joaillerie qu'elles soient aujourd'hui visibles dans n'importe quel grand magasin d'antiquités ou trouvées dans un catalogue de ventes aux enchères. 
Il est généralement admis que le style Art Déco a dominé le monde de l’art pendant un peu plus de deux décennies, de la fin de la Première Guerre mondiale au début de la Seconde. Cependant, la structure figurative et les techniques développées par les maîtres de l'Art Déco se sont révélées si viables et universelles que son influence a été ressentie par les bijoutiers de toutes les générations suivantes. Et c’est là que réside l’étonnant phénomène de l’Art Déco.
Les vêtements stylés incarnent le charme, le luxe et l’originalité. Les tenues Art Déco ne peuvent pas être classées comme tenues décontractées. De tels modèles sont plus adaptés à un événement important. Après tout, chaque article de ce style est unique et a sa propre idée de design.
Les vêtements de style Art Déco sont l'incarnation de la beauté, du charme et de l'originalité.
Cette tenue a l'air lumineuse et même provocante, mais en même temps, le style vestimentaire art déco n'accepte aucune vulgarité, seulement l'élégance dans toute sa grâce et sa sophistication !
Le charme Art Déco dans les vêtements
Une femme à cette image peut être luxueuse, mais enjouée, sans défense, mais coquette.
Le style vestimentaire Art déco se caractérise par sa retenue et sa sophistication
Ce style audacieux et inhabituellement multiforme combinait des choses apparemment absolument incompatibles. Choc et retenue, excès et sophistication - telle est sa description.
Le style Art Déco est le choix des vrais gourmets de la mode
Lignes sinueuses et droites, douceur et contraste, excès bourgeois et simplicité des motifs ethniques sont les caractéristiques de ce style.
Des fentes et des découpes, des épaules et un dos ouverts, des touches translucides sous forme de mousseline fluide ou de dentelle exquise dans une robe de soirée aideront à démontrer un beau corps.
Précisément le soir, car l'art déco ne peut pas être classé comme des vêtements décontractés, comme un jean ou un pull, que l'on porte pour aller chercher du pain au magasin. De telles tenues sont destinées à aller à l'opéra ou au théâtre, et dans sa forme pure, l'art déco se retrouve le plus souvent lors de soirées spéciales organisées dans le style des années 20.
Art Déco - style rétro des années 20
Retour triomphal
De retour près de cent ans plus tard, le style Art Déco spectaculaire et luxueux est apparu pour la première fois sur le tapis rouge. Des icônes de style et des beautés reconnues telles que Nicole Kidman, Christina Aguilera et Heidi Klum l'ont choisi pour souligner l'individualité et l'éclat de leur propre image.
Et après l'apparition de «The Great Gatsby» sur les écrans, de telles tenues ont migré vers la garde-robe de nombreuses femmes modernes qui n'ont rien à voir avec l'art.
Glitz, glamour, splendeur, richesse et vêtements chics - une nouvelle interprétation de l'exubérance de The Great Gatsby
Depuis plusieurs saisons consécutives, cette tendance vestimentaire prend de l'ampleur. Il a été présenté dans leurs collections de mode par Stefan Rolland, Albert Ferretti, Ralph Lauren, Roberto Cavalli et d'autres créateurs célèbres. Ce style est facilement reconnaissable à ses silhouettes droites, ses grands ornements audacieux et ses couleurs contrastées. Les simples mortels peuvent s’inspirer des films anciens, dans lesquels règne une étonnante atmosphère art déco.
Origines du style
Il est apparu dans les années vingt du siècle dernier. Ce fut une période difficile et en même temps brillante. Je viens de terminer guerre mondiale. Les gens, après des épreuves et des épreuves, sont revenus à une vie normale.
Ils voulaient d’une manière ou d’une autre compenser ce qu’ils avaient perdu. C'est peut-être ce désir de fête qui a fait naître un style particulièrement théâtral, prétentieux et même pompeux.
Les années 20 marquent un tournant dans l’histoire de la mode mondiale.
L'émancipation a également joué un certain rôle dans la formation de l'Art Déco. Les femmes cherchaient à être égales aux hommes en tout : elles conduisaient des voitures, fumaient et coupaient leurs cheveux longs. Les formes courbes appartiennent au passé. Femme moderne elle aurait dû ressembler à un garçon – petite, mince, avec des hanches étroites et de petits seins.
La mode des années 20 était la combinaison parfaite de style et de fonctionnalité
En conséquence, la coupe de la robe est sans taille prononcée ni aucune autre touche de féminité. Mais pour compenser la sévérité de la silhouette, apparaît un décor frappant par sa diversité et sa richesse.
Particularités
Le style Art Déco est toujours synonyme de sophistication et d'une certaine théâtralité, impraticabilité et luxe. Il allie modernité, ethnicité et classicisme. Sur les vêtements, on peut voir des images de paons et de dragons, blanchis visages féminins et des cygnes - tout ce que vous ne trouverez pas dans l'ordinaire, la vie quotidienne.
Les robes Art Déco sont une véritable œuvre d'art
Ce style est exigeant en tout : la robe est uniquement droite, les chaussures sont des escarpins.
Robe droite classique de style art déco
Les pantalons ne sont pas conseillés, mais si vous voulez vraiment les porter, assurez-vous d'avoir des pantalons à pattes d'éléphant ou absolument droits.
Les vêtements de style Art Déco se retrouvent de plus en plus dans les collections modernes
Mais le manteau doit certainement avoir une forme inhabituelle et doit être à hauteur de paume au-dessus des genoux.
La tenue vestimentaire est la base du style
C'est lui qui reçoit la principale attention. C'est toujours l'élément central de l'image, qui est complété par des accessoires adaptés.
Tenue de soirée style rétro
Particularités de la robe de style Art Déco :
- Le style est extrêmement simple et ressemble à un rectangle ; dans les cas extrêmes, un léger ajustement est autorisé. Pas de jupes amples.
- Les pièces sont plus grandes que d'habitude. S'il y a des poches, alors elles sont grandes, s'il y a un col, alors elles sont luxueuses.
- La longueur est traditionnellement légèrement en dessous du genou, mais dans les variantes modernes, elle peut facilement monter au-dessus des genoux. Une robe de soirée tombe le plus souvent au sol.
- Les manches sont généralement absentes, bien qu'il existe des exceptions.
- Le dos est souvent ouvert.
- Des décolletés de différentes profondeurs, le plus souvent profonds.
- La décoration est toujours riche - paillettes, fleurs, broderies, dentelles, perles, pierres, etc.
- Les motifs sont le plus souvent géométriques ou abstraits. Parfois il y en a des floraux.
Fourrure, paillettes, chic - tout cela est du style art déco
Tissus
Le plus souvent, lors de la création de vêtements dans ce style, les créateurs utilisent des matériaux aussi nobles que la soie, le velours, le satin et la mousseline. Bien que sur les podiums de la mode, en plus des tissus élégants traditionnels, vous puissiez en voir des plus simples - batiste, lin, coton. Mais dans tous les cas, le tissu doit être naturel.
Les robes Art Déco sont l'incarnation du charme et du luxe
Couleurs
Le style art déco moderne permet n’importe quelle couleur. Tout dépend de l'impression qu'ils veulent donner. Les créateurs optent souvent pour des tissus unis élégants, introduisant un élément asymétrique inattendu mais également assez lumineux sous la forme d'une grande fleur, d'un col de forme inattendue ou d'une draperie intéressante.
Une robe franchement féminine et séduisante au style art déco
Non moins populaires dans le monde de la mode moderne sont divers motifs ethniques et motifs géométriques : à la fois clairs et très fantaisistes. L'influence du cinéma a également eu un certain impact. Ces dernières années, les combinaisons contrastées, notamment le noir et blanc ou le fatal noir-blanc-rouge, ont été très demandées. Les couleurs or, argent et platine sont également à la mode.
Le style Art déco incite les créateurs à proposer de nouvelles idées et les fashionistas à expérimenter les vêtements.
Finition
Les éléments décoratifs lumineux sont un attribut indispensable de ce style. Tout ce qui est brillant, accrocheur et brillant est utilisé comme décoration : strass, paillettes, perles, etc. Mais en même temps, une femme ne doit pas ressembler à un perroquet ou à un sapin de Noël. Au contraire, les ajouts sont conçus pour créer une impression de sophistication et de sophistication.
Le style Art Déco dans les vêtements est l'une des tendances vintage et est très populaire de nos jours
Une image bien conçue dans le style art déco a toujours l'air chère et impressionnante. C’est pourquoi seuls des matériaux de la plus haute qualité sont sélectionnés. Précieux et pierres semi-précieuses, perles naturelles, dentelle faite main. La vraie fourrure peut être un excellent ajout.
Décorations
Plus ils sont raffinés, mieux c'est. La quantité peut aussi être illimitée : plusieurs tours de perles naturelles, des boucles d'oreilles assez longues, de nombreux bracelets larges.
Le style principal des bijoux modernes est le style art déco, qui se distingue par sa simplicité et, en même temps, son luxe.
Cela est particulièrement vrai lorsque la robe elle-même n'est pas complétée par des éléments décoratifs. Les broches de toutes formes et tailles, les colliers et les bagues massives auront également fière allure.
L'Art Déco se distingue des autres types de bijoux par sa nette variété de lignes et son jeu lumineux de pierres précieuses
Sac
Une femme Art Déco ne peut avoir dans ses mains qu'un élégant sac à main, une pochette ou un éventail fait de vraies plumes. Les grands sacs, les mallettes professionnelles et les sacs à dos encombrants ne sont pas là. Aujourd'hui, les sacs à main et pochettes très miniatures brodés de perles sont à la pointe de la mode. Ce serait bien si les mains qui tiennent un tel sac à main portaient des gants décoratifs. Les concepteurs recommandent fortement cette option exquise.
Coiffure
Dans l’art déco, la coiffe joue un rôle particulier. Peut-être parce qu’à la naissance de ce style, toutes les femmes portaient des chapeaux. Indubitablement carte de visite le style est le chapeau cloche, dont la forme laconique et en même temps incroyablement féminine ressemble à une clochette. La simplicité extérieure d'un tel chapeau est compensée par le décor - perles, plumes, fleurs en tissu. Il peut également être agrémenté d'un voile en maille qui recouvre à moitié le visage. Une bonne option est un béret ou un chapeau melon, si vous préférez cette option.
La tendance est à la diversité des bandeaux et bandeaux, mais ils doivent être décorés selon le style.
Un bandeau art déco accentue le look
Coiffure et maquillage
La plupart des coiffures modernes ne conviennent pas à l’art déco. Il n'accepte pas les cheveux ébouriffés et les franges déchirées. Les formes complexes et les volumes accrus ne sont pas non plus pour lui. Simple coupe de cheveux courte ou des vagues soignées sont les caractéristiques de ce style complexe. Cheveux longs Il est préférable de l'épingler et de le cacher sous un chapeau. Vous pouvez les sécuriser avec un maillage fin.
Image harmonieuse dans un style art déco
Le maquillage repose sur un jeu de contrastes : peau blanche, ombres argentées, grises ou même noires, rouge à lèvres éclatant de couleur rouge riche ou bordeaux viendront compléter l'image fatale de la « playgirl » de l'époque Art Nouveau.
Le maquillage Art Déco est conçu pour compléter parfaitement le look.
Chaussures
Pas de bottes, juste des chaussures ! En dernier recours, des sandales. Auparavant, des exigences particulièrement strictes étaient imposées aux chaussures. Fondamentalement, il s’agissait de simples escarpins sans décoration ni détails inutiles.
Des escarpins pour un look Art Déco
La mode moderne est plus libérale. Des designers célèbres jouent magistralement avec la forme originale de la chaussure, en la complétant avec des pointes, des attaches créatives ou des couleurs.
Sandales de créateurs originales de style art déco
La condition principale de toute chaussure art déco est la présence d'un talon. En plus des chaussures classiques en été, il peut s'agir de sandales à fines bretelles et, pendant la saison fraîche, de bottines.
Nouveau son
Bien sûr, dans la vie de tous les jours, on ne voit pas souvent ce style rétro dans sa forme pure. Son chic, son éclat et sa beauté conviennent mieux aux soirées de divertissement. Mais cela ne veut pas dire que l’art déco ne convient qu’aux bals. J'ai aimé la coupe simple de ses robes mode de rue, d'autant plus que la taille décalée vers le bas ou son absence en tant que telle, remonte et affine inhabituellement la silhouette féminine. Ce style rétro complexe et étonnamment multiforme a inspiré de nombreux designers modernes à créer des modèles qui semblent loin de l'art déco - robes d'été, salopettes, tuniques dont la coupe ressemble à un rectangle. Seul le nombre a diminué détails clairs, et les motifs géométriques, au contraire, semblent frais et modernes.On les retrouve souvent dans les looks festifs et quotidiens. L'essentiel est de rappeler que l'art déco est toujours l'incarnation de la beauté, du charme et de l'originalité.
Au début du XXe siècle, vers les années 20, la société abandonne progressivement le style Art Nouveau sortant, avec ses lignes torsadées et ses couleurs délavées. L'Art Nouveau tardif, dit « moderne », se réjouit du renforcement du géomètre. Au lieu d’ailes de fée, les bijoutiers ont commencé à représenter des ailes d’avion. La recherche de style a été interrompue pendant deux ans par la Première Guerre mondiale, mais la période de l'entre-deux-guerres appartient entièrement au style Art Déco. Ceux qui veulent se familiariser avec ce style peuvent regarder le film « The Great Gatsby ».
Dans les années 1920, apparaît la mode « garçon », où les Parisiennes à la mode coupent leurs cheveux courts, raccourcissent leurs jupes et abandonnent les manches. Au lieu d'une luxueuse «broche-gland» de soirée, ils portaient pendant la journée des perles artificielles sous la forme d'un fil sans fin ou des perles faites de pierres. Les lourdes ceintures et bracelets aux poignets et aux avant-bras sont devenus à la mode. Une nouveauté était une broche en deux parties, sécurisée par un fermoir à clip, qui servait à épingler des manteaux courts à la mode à manches trois-quarts - les « troucars ».
Les montres-bracelets, qui remplaçaient à cette époque la version habituelle sur chaîne, ont commencé à être utilisées et ont créé une véritable sensation. Ils étaient produits dans une variété de formes et étaient richement et élégamment décorés.
Ainsi, le style Art Déco est né en France puis s'est imposé dans toute l'Europe et aux États-Unis (l'orthographe de l'Art Déco dans la version russe n'est pas tout à fait correcte, puisque dans l'Art Déco la lettre t n'est pas lisible).
Le style Art Déco en bijoux
Pendant la période du constructivisme, la technocratie est devenue la véritable muse des bijoutiers, qui a déterminé les principales caractéristiques des bijoux de cette époque - angles droits et lignes, formes géométriques, cercles, couleurs « typographiques » ouvertes. Le style Art Déco avait une tâche très spécifique : entre les deux guerres mondiales, créer un mythe sur le luxe de la « génération perdue ». 
En 1922, le tombeau de Toutankhamon fut ouvert, ce qui suscita l'intérêt de l'Égypte. Cartier a ouvert une ligne de bijoux de style égyptien. Il s'agissait de pendentifs en jade avec diamants et rubis, constitués de scarabées de quartz fumé dont les ailes étaient recouvertes de faïence bleue.
À l'époque Art déco, le post-impressionnisme, le surréalisme et l'expressionnisme sont apparus ; les goûts des gens ont été façonnés par les saisons de Diaghilev à Paris. Tout cela s’ajoutait au spectacle de l’émergence de nouvelles technologies. Fils du célèbre artiste-joaillier Georges Fouquet de l'époque Art Nouveau précédente, Jean Fouquet créait ses œuvres dans un style différent de tout le monde et de tout. Ses œuvres - bracelets et broches en ivoire conservés dans des collections à New York et Paris - ne ressemblent vraiment à rien d'autre. Ce - eau propre le cubisme, motif avant-gardiste du début du XXe siècle. 
Un autre bijoutier parisien, Raymond Templier, a produit des « gratte-ciel » originaux - des boucles d'oreilles en platine avec la manifestation d'idées constructivistes. Templier décorait les éléments géométriques de ses « dessins précieux » avec du vernis japonais ou de l'émail brillant. Les joailliers Jean Fouquet et Raymond Templier peuvent être considérés comme de véritables « invités du futur ».
La Maison de Joaillerie Cartier, qui s'est inspirée de l'Art Déco
Dans les années 1920 et 1930, la Maison Cartier produit des produits qui témoignent clairement de l’émergence d’un nouveau style. Tout d'abord, Cartier commence à utiliser des formes et des compositions simples sous forme de cercles et de segments, qu'il considère comme les plus « féminines ». Puis il maîtrise d'autres figures. Leurs bijoux en cristal de roche, nacre, jade et onyx aux silhouettes claires et simples étaient ornés de diamants et autres pierres précieuses avec une sélection rigoureuse de couleurs.
Mais ensuite, les artisans qui travaillaient à la Maison Cartier maîtrisaient « l’art déco blanc », combinant diamants et platine blanc avec émail noir et onyx noir. Ainsi, à partir de taches noires et blanches, est né un motif spécial « peau de panthère », qui a également été utilisé pour créer des montres-bracelets. Grâce à « l’art déco blanc », non seulement l’entreprise s’est enrichie, mais un tout nouveau style s’est formé.
A cette époque, des broches en forme de paniers de fleurs ou de vases de fruits, assemblés à partir de saphirs, de rubis et d'émeraudes, étaient réalisées sur un fond coloré. Le motif d'un panier rempli de fleurs était très caractéristique des bijoux Art Déco.
En 1925, une exposition de l'industrie moderne et des arts décoratifs se tient à Paris, qui devient un véritable triomphe pour la Maison Cartier. Les joailliers français Sandoz, Fouquet, Van Cleef, Despres, Mauboussin et d'autres ont montré comment est née l'esthétique de la nouvelle époque. Le joaillier parisien Georges Mauboussin, déjà très connu dans la haute société, a reçu une médaille d'or.
Époque Art Déco et technologie de la bijouterie
Alfred Van Cleef et Julien Arpels ont inventé une monture invisible pour pierres précieuses en 1935. Des rainures étaient taillées dans des rubis, des saphirs et des diamants, les pierres s'emboîtent étroitement les unes dans les autres, le métal est entièrement recouvert. Grâce à ce nouveau produit, la société Van Cleef et Arpels, et après elle les autres, ont commencé à créer de véritables chefs-d'œuvre dans le style Art Déco.
Dans les années 1930, les bijoux Art Déco se sont répandus alors que les pays européens et américains ont commencé à créer des articles accessibles à un large éventail d'acheteurs. Il s'agissait de broches à clip en diamants, de sautoirs (du français « porter en sautoir » - à porter sur l'épaule) et de bracelets, où de petits diamants soulignaient les lignes ornementales de motifs plats clairs. Aujourd’hui, vous pouvez encore trouver de nombreux bijoux similaires dans les magasins d’antiquités.
Partout dans le monde, la période de domination du style Art Déco a duré entre la Première et la Seconde Guerre mondiale. Mais sa structure figurative et les techniques utilisées se sont révélées si universelles qu’elles paraissent encore aujourd’hui lumineuses et modernes.
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Origine:
1.F France (Art Déco. 1925, 1966)
2. États-Unis (style hollywoodien, New York gley 1930, 1960,1980)
3. URSS (constructivisme 1920-30 et style Empire de Staline 1935-55)
Principales caractéristiques :
1. La forme doit suivre la fonction. L'image de la chose est faite à partir de la cible.
2. Formes géométriques étagées ou linéaires. Projections plates.
3. Formes géométriques de base : triangle, ellipse, losange, zigzag, rose des vents.
4. Couleurs vives et contrastées.
5. Composition dynamique ou éléments en mouvement
6. Bords et contours clairs, coins arrondis.
7. Matériaux coûteux : ivoire, bronze, pierre polie
8. Matériaux pour la production de masse : chrome, verre, bakélite.
Principales caractéristiques :
1. Le style glorifiait une vie dynamique et prospère : voyages, sports, centres de villégiature, produits sophistiqués pour la vitesse, un nouveau type de femme.
2. Réflexion par l'art du nouvel environnement industriel de l'homme. Transformations de l'environnement matériel et visuel d'une personne sous la pression de changements techniques et sociaux sans précédent.
3. Motifs éthiques : art égyptien et aztèque ancien, broderie russe, estampe populaire
Symboles ou constantes de style :
1. Voiture, train, bateau à vapeur, gratte-ciel, fontaine
2. Vitesse, mouvement.
Comme un nouveau style Art Déco est apparu pour la première fois en France et a clairement dominé 1918-1939 gg. V Allemagne, Union soviétique Et USA. Il se caractérise par une combinaison de formes monumentales et alourdies avec une décoration sophistiquée ; une combinaison d'éléments de cubisme et d'expressionnisme ; l'utilisation de formes expressives de « conception technique ».
L'impulsion pour le développement rapide de ce style était Exposition Paris 1925 ville, où ont été présentées les dernières réalisations dans le domaine de l'architecture, de la décoration intérieure, du mobilier, des produits métalliques, du verre et de la céramique. À Au moment où l’Exposition parisienne ferme ses portes en octobre 1925 et que les pavillons sont démontés, le monde est prêt à accueillir un nouveau style clairement défini.
Éclectisme Art Déco L'exposition de 1925 montrait l'imbrication des diverses racines de ce style, qui doit sa naissance à la fois au cubisme et à la mode de l'exotisme, ainsi qu'aux arts décoratifs modernes d'Autriche, d'Allemagne, de Hollande, d'Italie, de Tchécoslovaquie, des pays scandinaves et La France elle-même. Nouveau style a développé son propre langage décoratif, qui a continué à se développer et à s'améliorer aux quatre coins de la planète, le langage devenant un symbole de dynamique et d'échelle. monde moderne. Art Décoétait prêt à devenir une expression de la modernité, c'est-à-dire un style destiné, dans un avenir proche, à jouer un rôle important dans de nombreux domaines de production importants à travers le monde occidental.
Au départ comme une innovation légère et gracieuse inspirée du ballet " saisons russes", Art Déco a rapidement évolué pour devenir la personnification de l’étonnante simplicité et de la nature sans compromis de la vie à l’ère des machines. Les représentants de tous les domaines des beaux-arts et des arts décoratifs modernes cherchaient un moyen d'exprimer la vitesse et la pression avec lesquelles les voitures, les trains, les avions, la radio et l'électricité changeaient le monde existant - ils essayaient de trouver des couleurs et des formes plus simples, plus distincts et plus forts que ceux utilisés auparavant. Art Déco a façonné le mode de vie même des gens dans l'entre-deux-guerress années, leur façon de s'habiller et de parler, de voyager, de travailler et de se détendre. Il a dominé l'industrie du divertissement et des arts - son esprit se ressent dans les cinémas, les immeubles d'habitation, les gratte-ciel, les compositions intérieures et les motifs de bijoux précieux, dans la conception d'ustensiles de cuisine et de lampadaires, dans les sculptures et les affiches, dans les illustrations de livres et de magazines, dans les tissus, les peintures, dans les bâtiments publics.
En général, le style peut être considéré comme la dernière étape du développement de l'art pendant la période Art Nouveau, ou comme un style de transition de l'Art Nouveau au fonctionnalisme d'après-guerre, le design de « style international ».Le style Art Déco a prouvé à maintes reprises son attrait indéfectible, car il reste encore aujourd'hui le moyen le plus efficace de démontrer l'élégance et le luxe.
Les visiteurs de l’exposition de 1925 se voyaient promettre un grand spectacle. C'est à la fois un parc à thème et une foire commerciale : l'Exposition occupe un vaste espace en centre-ville, sur les deux rives de la Seine. La rive droite du fleuve fut réservée aux pavillons étrangers et le pont Alexandre III fut transformé par Maurice Dufresne en un pont vénitien à deux rangées de boutiques. Certains pavillons français étaient dédiés aux grands magasins, salons et grandes usines d'État parisiens.
Première exposition. Nom Art Déco dérivé du nom de l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels et signifie littéralement « arts décoratifs ». Selon le plan initial, cette exposition devait se tenir à 1916. Cependant, en raison des difficultés économiques de l'après-guerre, l'événement a été reporté à plusieurs reprises et des pays comme Allemagne et Pays-Bas. Les États-Unis ont reçu l’invitation trop tard et n’ont pas réussi (?) à se préparer correctement.
Les conditions de participation à l'exposition comprenaient une clause selon laquelle les objets exposés devaient incarner l'incarnation du nouveau dans l'art et n'avoir aucun lien avec des styles auparavant communs. Les organisateurs voulaient attirer l'attention et restaurer l'image de la France en tant que pionnier de la mode et du style, principale source de produits de luxe. Le message principal était un appel à produire des choses originales, à créer un concept qui correspondait à une industrialisation croissante.« D'immenses fontaines de verre jouent parmi des arbres cubistes grandeur nature, et des cascades de sons musicaux dévalent les ruelles depuis les sommets vertigineux de quatre tours géantes. Entrez dans les pavillons et... vous verrez des meubles aux formes étonnantes et inédites, des décors aux motifs inimaginables sur les murs, au sol et au plafond.
Vingt-deux pavillons étrangers constituent une part relativement faible de l'exposition par rapport à la part prédominante de la France, mais leur diversité indique l'absence d'un style dominant. Les styles de l'exposition allaient du constructivisme radical du pavillon soviétique à l'exposition conservatrice pseudo-ecclésiastique anglaise.
Pourtant, certains traits stylistiques qui apparaissaient clairement lors de l’exposition de 1925 furent ensuite qualifiés d’Art Déco. Ce sont avant tout des tendances qui ont servi de base à la définition internationale du style. En ce sens, les lignes lourdes et arrondies des meubles de luxe sont typiques Rühlmann, dessin stylisé de revêtement de meubles Louis Xu Et André Mara, cascades de verre René Lalique, ainsi que des ensembles Paul Follot, Maurice Dufresne, qui se caractérisent par la simplicité des courbes du bois plaqué, un éclairage inhabituel, des motifs en zigzag et des meubles à angles droits. Il y avait une certaine unité dans tout, particulièrement évidente, apparemment, pour ceux qui en étaient irrités. Un critique américain s’est plaint : « L’alternance sourde d’angles, de cubes, d’octaèdres, de carrés et de rectangles crée une atmosphère moins de rébellion que de plaisir. » Mais c’est précisément à travers le développement et l’adaptation de ces formes que s’est opérée la popularisation et l’internationalisation de l’Art Déco. Ce sont eux qui ont déterminé la diversité du vocabulaire du « dernier des styles totaux ».
Première utilisation du nom :
Le nom lui-même - art déco - est apparu dans 1966 G. C'est alors qu'est créée à Paris, au Musée des Arts Décoratifs, une exposition d'œuvres d'art appliqué des années 20 et 30, créée sur la base de « structures expressives qui contenaient l'espace dynamique dans un volume de masse fermé »*. Avant cela, l'Art déco était appelé « jazz moderne », « moderne épuré (aérodynamique) », « moderne en zigzag » et aux États-Unis - « style star » (c'est-à-dire des stars hollywoodiennes qui portaient des vêtements Art déco et vivaient dans des maisons Art déco architecture équipée de mobilier et d'ustensiles appropriés).
Art Déco souvent appelé le dernier grand style. C'est probablement juste une belle phrase. Nous sommes d'accord sur le fait que Art Déco-super style, mais pas le dernier. À notre avis, un style mis en œuvre (imprimé) dans l'architecture a déjà tout à fait le droit d'être qualifié de grand style, et chaque direction devient un style lorsqu'un anti-style est développé pour elle. Art Déco« remarqué » dans tous les types d’activités créatrices humaines, des articles ménagers utilitaires à la peinture et à l’architecture.
Formation des styles :
Les critiques d'art trouvent facilement dans les œuvres Art Déco emprunter à Art nouveau, cubisme, abstractionnisme, futurisme, les arts de l'Égypte ancienne, de l'Afrique, du Japon... Mais chaque élément de ce « cocktail » était pertinent pour les peuples des années 20, qui ont survécu à la guerre la plus terrible, ont compris qu'il n'y aurait pas de retour à l'ancien monde et ont vu que le monde était beaucoup plus vaste et diversifié qu’il ne leur paraissait auparavant. Le XXe siècle est le début de la formation de ce paradigme de développement socio-économique, qui plus tard, dans les années 50, recevra le nom expressif - "société de consommation" Le désir des Européens et des Américains d'esthétisation de la vie quotidienne, de confort, d'introduction active des nouvelles technologies dans la vie des gens, de transition vers production en série ces artefacts qui appartenaient il y a dix ans produits de luxe(Par exemple, voiture) - tout cela exigeait une maîtrise artistique adéquate des nouvelles réalités techniques et humaines.
Après s'être fondues, toutes ces innovations ont donné naissance à un art dans lequel deux courants, à première vue incompatibles, dominaient simultanément. D'une part - des constructions « énergétiques » sous forme de zigzags, d'éclairs, d'éclairs lumineux, de triangles, de losanges, d'ellipses étirées - tout ce qui contribuait à refléter la sensation mouvement, vitesse, énergie, pression. Il semblait qu'autour de certaines œuvres art déco« le vent siffle ». En revanche, toutes ces dissonances se conjuguaient paradoxalement avec une accentuation élégance, simplicité avec l'aristocratie.
Art Déco Il a placé l'hédonisme et le confort indissociable du quotidien au centre de son concept. Et pour cela, les choses qui entourent une personne doivent d'abord être fonctionnel, c'est-à-dire de la meilleure façon possible adaptés pour accomplir leurs tâches pragmatiques. Formulaire il doit d'abord correspondre fonctions, et, deuxièmement, reflètent la principale caractéristique du monde moderne - la rapidité les changements, leur nouveauté C'est dans le cadre Art Déco pour la première fois, des meubles élégants constitués de tubes métalliques creux semblables à des guidons de vélo sont apparus, bijoux en aluminium, éléments intérieurs en acier soudé, éclairage néon.
Implémentation en architecture.
Chaos, complexité et polychromie Moderne tôt ou tard, il faudra les remplacer. AVEC Art Déco je suis venu à l'architecture clarté, durabilité, classicisme et simplicité visuelle. Ordre, couleur, géométrie- Manifeste Art Déco. L'Art Déco, comme l'Art Nouveau, est un style international apparu en Amérique, en Europe et en Asie à ses débuts, l'Art Déco emprunte certains principes à l'Art Nouveau. Sinon, ces courants sont bien différents.
Tout d’abord, la place de l’asymétrie et du désordre poétique revient axe de symétrie et la géométrie, les gens voulaient de la terre sous leurs pieds. Nouveau style géométrique, ordonné, calculateur- toujours, jusqu'à l'ornement. La symétrie dans l'Art Déco est préférable, mais parfois elle n'existe pas, mais il doit y avoir un équilibre des masses dans la composition. Dans l'Art Déco, à l'avant-garde - rapidité de la ligne. Cela est particulièrement visible dans les gratte-ciel des États-Unis.
Aux États-Unis en années 30 années Art Déco est passé à fonctionnalisme élégant. Exemples classiques d'architecture Art Déco sont les gratte-ciel de New York. À Manhattan, il y a environ 150 gratte-ciel liés à ce style.
Bâtiment Chrysler aux États-Unis
Alors que les voitures deviennent brillantes, Art Déco aime la brillance, les surfaces réfléchissantes et, bien sûr, le métal et ses imitations. En même temps, le matériau ne change pas visuellement, et contrairement au Moderne, s'il s'agit de métal, alors il est strictement géométrique.
L'exemple le plus frappant est traditionnellement considéré comme le célèbre gratte-ciel Bâtiment Chrysler g (bâtiment Chrysler). Le sommet du bâtiment est décoré d'une flèche en acier inoxydable de 38 mètres du Chrysler Building - la participation active du métal et la sensation d'une fusée. Construit par l'architecte William van Alen et ouvert au public le 27 mai 1930. Cette structure majestueuse surprend non seulement par sa taille, mais aussi par son élégance.
Derrière la simplicité extérieure du bâtiment se cache une décoration complexe de matériaux intérieurs coûteux. L'Art Déco utilise des éléments d'ornements antiques, mais ce ne sont pas des copies exactes, mais des choses réinterprétées. Les ornements ne sont pas seulement grecs ou romains : ils proviennent d’Égypte, de Mésopotamie et d’Afrique. Pour Art Déco le « luxe » n'est pas seulement matériaux coûteux, mais aussi richesse visuelle : couleurs vives et riches. Généralement, plus de 3 couleurs sont utilisées et le résultat est incroyablement cohérent et d’une beauté inattendue. Sur fond de contraste en damier de noir et blanc, il y a des touches lumineuses de rouge et d'or et des éléments intérieurs chromés.
Architectes américains de l'époque Art Décoétaient intentionnels avare et rationnel dans conception extérieure des bâtiments, mais gaspilleur et créatif dans sa conception intérieurs : les entrées, les halls, les couloirs, les ascenseurs et les halls d'entrée et, bien sûr, les appartements, les chambres d'hôtel et les bureaux, en dépensant des sommes importantes pour cela, en utilisant des matériaux coûteux et des technologies modernes, ainsi qu'en faisant preuve d'imagination créatrice et de compétences artistiques.
Autres gratte-ciel en Amérique :
Veuillez noter que de nombreux bâtiments de style Art Déco rappelle en quelque sorte Pyramides égyptiennes. En 1922, le monde occidental tout entier fut choqué par la découverte du tombeau de Toutankhamon. Apparemment, c'est pourquoi la fascination générale pour les motifs architecturaux de l'Egypte ancienne (pyramides) et de la Mésopotamie (ziggourats) était caractéristique de l'architecture. Art Déco. Souvent, les principaux éléments architecturaux d’une maison ne peuvent être remarqués qu’en gardant la tête haute. Le Chrysler Building, le Rockefeller Center et l'Empire State n'apparaissent dans toute leur splendeur qu'à une distance respectueuse. La façade d'un immeuble de grande hauteur peut paraître simple et sans prétention jusqu'au 20e ou même au 30e étage, et au-dessus elle sera richement et complexement décorée.
1. Radiateur Building Manhattan. New York. 2.Niagara Mohawk Building, construit pour la plus grande compagnie d'électricité des États-Unis.
Asie, Chine, Shanghai.
L'emblème de Shanghai est le Bund. Le Bund est peut-être l’une des attractions les moins chinoises de Chine. Il était une fois ici une zone pour les étrangers. Seuls les résidents d’autres États étaient autorisés à vivre, louer et acheter des terrains et des biens immobiliers de ce côté du Huangpu. Ainsi, le remblai est devenu pendant quelque temps une petite oasis de la vie occidentale dans un pays asiatique. Plus tard, le Bund a été rempli de Shanghaiens et d'habitants d'autres villes voisines, et en souvenir des anciens colons, des maisons, des monuments et d'autres bâtiments divers sont restés ici... Aujourd'hui, le Bund abrite plus de 50 bâtiments construits dans un style variété de styles architecturaux : classicisme, Baroque, Art Déco, Gothique, Beaux-Arts, Romantisme, Renaissance... Grâce à cela, le lieu a reçu des surnoms aussi flatteurs que « le musée de l'architecture mondiale » ou « la foire d'architecture de dix mille États ».
À l’est du Bund, sur la digue de Shanghai, des gratte-ciel s’élèvent vers le ciel. Manhattan Est" Pudong ; certains d'entre eux ne se connaissent pas égale en hauteur dans le monde et sur l'architecture moderne. Le Shanghai World Financial Center est un gratte-ciel de Shanghai dont la construction a été achevée à l'été 2008. La hauteur du centre est de 492 mètres.
Singapour
Hôtel Parkview Square (2002).
L'hôtel est affectueusement appelé le Gotham Building. Le style de Batman reflète l'essence de l'Art déco
S S S R Le constructivisme est souvent appelé l’analogue domestique de l’Art déco. L’espace social des artistes de la Russie occidentale et soviétique était différent, mais le temps historique était le même, ce qui conduit les créateurs à des décisions artistiques très similaires, parfois à la limite d’une coïncidence directe. (photo du Pano Chrysler Building et du Soviet)Gratte-ciel staliniens
Parmi les stations de métro de Moscou, les exemples les plus frappants sont les stations Kropotkinskaya (à l'origine le Palais des Soviets), Sokol, Aeroport, mais la station la plus Art Déco est "Maïakovskaïa", aux nuances de mosaïque, conçue par l'architecte Alexei Nikolaevich Dushkin et reçue le Grand Prix à l'Exposition universelle de 1939 à New York. Les panneaux de mosaïque montés dans des coupoles à caissons sont réalisés d'après les croquis de l'artiste Alexandre Deineka sur le thème « Jours quotidiens du pays des Soviets » : matin (7 panneaux) - jour (8) - nuit (5) - matin (15 ). On partait du principe que les passagers entrant et sortant seraient « accueillis » par les histoires du matin. Tous les panneaux représentent la vie des citoyens du jeune pays soviétique. Le dernier grand projet lié au style Art Déco en URSS fut la première étape du métro de Léningrad
L'Art déco soviétique est le pavillon de l'URSS sur Exposition parisienne 1937 avec pour couronnement « Ouvrière et fermière collective » de Vera Mukhina. Le pavillon de l’URSS et celui de l’Allemagne nazie se faisaient face au centre même de l’exposition.
C'était gênant parce que notre groupe « Ouvrière et Kolkhozienne » volait comme un tourbillon droit vers les nazis. Mais il était impossible de tourner la sculpture, puisqu’elle se dirigeait vers le bâtiment.
Les Allemands ont attendu longtemps, voulant connaître la hauteur du pavillon de l'URSS ainsi que du groupe sculptural. Lorsqu'ils l'ont établi, ils ont construit une tour au-dessus de leur pavillon, environ dix mètres plus haute que le pavillon soviétique. Un aigle nazi était placé au sommet. Mais pour une telle hauteur, l'aigle était petit et avait l'air plutôt pitoyable
Exposition agricole de toute l'Union, qui a finalement reçu le nom VDNKh, est devenu un chef-d'œuvre architectural de l'ère du réalisme socialiste, qui n'a pas encore été suffisamment apprécié. Certains, sinon beaucoup, des pavillons sont des créations de forme parfaite, des monuments uniques qui reflètent l'esprit et l'essence de ce monde idéal et peut-être inaccessible de véritable liberté, égalité et fraternité, qu'ils étaient censés symboliser.
Territoire VDNKh est riche de divers monuments architecturaux, dont beaucoup sont connus dans le monde entier. Créés à l'époque soviétique, ils sont un monument de l'ère soviétique, beaucoup d'entre eux sont des exemples d'innovation, de puissance, de luxe, de fondamentalité et présentent des caractéristiques stylistiques. Art Déco. Le 18 avril 1963, le Comité central du PCUS et le Conseil des ministres de l'URSS ont adopté une résolution sur le reprofilage VDNKh
VV 1920-1930. Art Déco laissé en souvenir des magnifiques intérieurs du métro de Moscou, vestiges du luxe d'avant-guerre VDNKh et de la porcelaine de la manufacture de porcelaine de Leningrad. Bien entendu, notre style a reçu une réfraction tout à fait unique. Mais le caractère « national » Art Déco est clairement visible dans la culture des autres pays. Derrière toute cette diversité, il n'est pas difficile de discerner l'essentiel : l'art de ces années-là est l'incarnation du mythe du nouvel âge d'or, exprimé par les techniques artistiques modernes. Dans notre style campagnard Art Déco n'était pas aussi connu qu'en Europe et aux États-Unis. On pense que l'architecture de l'époque stalinienne était l'une des tentatives visant à créer Art Déco
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