Traduzido do francês, “art déco” significa “arte decorativa”. O estilo Art Déco, ou como também é chamado - Art Déco, recebeu esse nome quando uma exposição de artes decorativas e aplicadas foi realizada em Paris em 1925. Quando e como surgiu esse estilo? E em geral, o que isso representa na joalheria?
Já no início do século XX, os joalheiros começaram a abandonar as linhas sinuosas da Art Nouveau e a procurar novos meios de expressão. Na modernidade tardia já foram descobertas as linhas geométricas inerentes ao Art Déco, mas tudo foi interrompido pela Primeira Guerra Mundial, após o fim da qual as pessoas tentaram encontrar novos ideais com ainda maior desejo, porque além da destruição e das baixas humanas, houve decepção com os valores do passado.
Surgiu uma nova mulher que inspirou poetas e artistas, inclusive joalheiros. Foi nessa época que Louis Cartier esboçou suas primeiras joias em uma nova direção.
Art Déco absorveu simplicidade e luxo, um jogo puro e brilhante de pedras, buscas estilísticas, incluindo cubismo, modernismo, surrealismo, neoclassicismo e as características étnicas da Grécia Antiga, Egito, África e Oriente.
Os joalheiros, como todos os escultores de arte, sempre ouvem com atenção o clima da sociedade. Como podemos ajudar a esquecer os horrores da guerra e levar alegria às pessoas? Foi nessa época que o ecletismo das tendências estilísticas fez do Art Déco um estilo inovador.
E assim, os designers das joalherias propuseram novas formas, que passaram a ser geométricas, desenho linear, composição simétrica, contrastes de cores e recortes especiais. pedras preciosas, que adquiriram linhas mais claras, triangulares, trapezoidais e esmeraldas eram mais comuns.
No início, os joalheiros usavam materiais baratos: esmalte, cromo, vidro, plástico e preferiam cores vivas. No entanto, a sociedade do pós-guerra procurou criar em torno de si a ilusão de luxo e prosperidade. E antes de tudo, isso poderia ser feito pelas rainhas da tela prateada de Hollywood. Suas pulseiras e colares brilhavam com diamantes nas telas.
Durante a era Art Déco, a platina tornou-se um metal de culto; foi esse metal nobre que entrou na moda. E junto com isso, ouro branco, prata, aço e até alumínio ganharam popularidade. Além dos metais, os joalheiros costumavam usar materiais exóticos - marfim, pele de crocodilo e tubarão, além de madeiras raras. Usamos madrepérola branca pura, diamantes brancos e ônix preto...
O mérito do estilo Art Déco é a ousada combinação de pedras preciosas com strass em uma só joia, pérolas naturais– com artificiais.
A técnica de decoração mais comum era a esmaltação do metal e o corte inusitado. As formas das joias no estilo Art Déco são geometria clara e simetria estrita, disposição dos elementos com certo ritmo de alternância.
Os principais motivos no design de joias, além da geometria, foram as imagens e cenários do Balé Russo de S. Diaghilev, cultura países diferentes e épocas - Antigo Egito, China, Japão, Índia, Grécia Antiga, África, objetos de flora e fauna.
As joias mais pitorescas incluem broche-borla, brincos longos, inclusive brincos-borlas que enfeitavam as cabeças cortadas das beldades, cintos pesados, pulseiras usadas não só no pulso, mas também no antebraço, uma faixa para a cabeça (bandeau), decorada com strass, pérolas e, para alguns, diamantes, anel de coquetel, colar de gola, colar e pulseira em forma de cobra, anel e pulseira em forma de pantera...
No período Art Déco também entraram na moda preciosos isqueiros e piteiras, nos quais também se alternavam componentes preto e branco.
Os relógios de pulso ganharam popularidade excepcional, em cuja criação os joalheiros mostraram uma imaginação extraordinária. Os relógios tinham formatos variados, decoração rica, originalidade e graça. A caixa do relógio e as pulseiras foram decoradas com pedras preciosas.
Um dos joalheiros mais famosos da época foi Georges Fouquet e seu filho. O joalheiro parisiense Raymond Templier também criou interessantes soluções artísticas. Um lugar especial em seu trabalho é ocupado por joias com estritos elementos geométricos decorados com esmalte brilhante, com espetacular contraste de cores.
A história da Casa Cartier ilustra claramente o desenvolvimento do estilo Art Déco. As joias dos anos 20-30 de Louis Cartier demonstram as principais etapas do desenvolvimento do novo estilo. Inicialmente, Cartier utilizou mais círculo ou segmento, acreditando que eram esses figuras geométricas Adequado para joias femininas. Então ele começou a usar quadrado e retângulo.
O joalheiro decorou suas joias com diamantes combinados com outras pedras e esmalte. Suas joias brincavam com cores vivas e cores requintadas, por exemplo, ele acrescentava diamantes luxuosos a produtos feitos de ônix, cristal de rocha e jade, coral e madrepérola. Gradualmente, os joalheiros Cartier abandonaram as cores brilhantes e começaram a usar cor branca. Foi assim que surgiu o estilo “art déco branco”.
As joias com formas geométricas estritas em uma combinação contrastante de branco e preto - platina branca e diamantes com ônix preto ou esmalte preto - eram magníficas. Foi com base neste contraste de cores que foi criado um motivo único, denominado “pele de pantera”.
Posteriormente, o motivo foi utilizado para criar broches em forma de panteras, bem como para decorar enfeites de cabelo e relógios de pulso. Mas, mesmo assim, era difícil recusar completamente as cores vivas da esmeralda, dos rubis, das safiras, mesmo no “art déco branco”. Por isso, Cartier adorava criar broches - “vasos de frutas”. Joias multicoloridas no estilo tutti frutti tornaram-se famosas joias Cartier.
Após a descoberta do túmulo de Tutancâmon em 1922, houve um aumento no interesse pelas joias egípcias; entre as joias de Cartier estavam pingentes espetaculares feitos de placas de jade com diamantes e rubis, o famoso broche “escaravelho” feito de quartzo esfumaçado, faiança decorada com diamantes. .
O brilho e a cor nas joias aumentaram ainda mais em 1929 e depois, porque foram esses anos em que o poder de compra se perdeu em todas as áreas da vida, e para chamar a atenção e sobreviver em tempos difíceis, foram criados os objetos de joalheria mais brilhantes. Jade, topázio, zircão, coral e água-marinha tornaram-se populares.
O estilo Art Déco pode ser considerado finalmente formado no início da década de 20, e em 1925 recebeu o reconhecimento final, por isso foi em uma exposição realizada em Paris em 1925 que o estilo recebeu seu nome.
A exposição apresentou joalherias de Fouquet, Templier, Sandoz, Boucheron, Van Cleef, Cartier, Mauboussin e muitos outros joalheiros franceses. O sucesso dos joalheiros foi incrível. O joalheiro parisiense Georges Mauboussin recebeu uma medalha de ouro pelas joias Art Déco.
A admiração dos visitantes não teve limites. Todos admiraram os colares criados por Mauboussin, nos quais diamantes em moldura de platina se alternavam com lindas pérolas, anel de jadeíta, pingentes em forma de vasos de flores e fontes. Após a exposição, a empresa Mauboussin tornou-se famosa.
Não só as obras de joalheria de Cartier e Mauboussin glorificaram o estilo Art Déco; graças aos joalheiros Boucheron, Van Cleef e Arpels, o estilo Art Déco tornou-se reconhecido internacionalmente como sinônimo de luxo e admiração. Naqueles anos, muitas coisas mudaram na vida das pessoas, novas tecnologias foram desenvolvidas, novos materiais foram procurados e pesquisas foram realizadas em ciência e tecnologia.
Foi um século de conquistas em todas as esferas da atividade e da vida humana. Tudo isso se refletiu nas atividades da joalheria. Na Van Cleef & Arpels, os joalheiros inventaram um novo tipo de cravação para pedras preciosas - cravação invisível. As pedras foram cortadas de forma que pudessem ser instaladas próximas umas das outras, assim o metal base foi totalmente coberto com “pavimento de pedra”. Isso tornou possível criar as mais excelentes joias.
Broches de diamantes, sautoirs e pulseiras elegantes com padrões ornamentais claros feitos de pedras preciosas eram muito procurados no mercado de joias. Entraram na moda broches-borlas e miçangas feitas de pedras naturais. Particularmente populares, graças à moda dos cortes de cabelo curtos, eram os brincos longos em cascata e os grandes brincos de encaixe que cobriam o lóbulo da orelha.
Os historiadores da arte acreditam que o estilo Art Déco dominou o mundo da arte por apenas cerca de duas décadas, da Primeira Guerra Mundial à Segunda Guerra Mundial. Mas outra coisa é importante - muitas das técnicas e conquistas na tecnologia joalheira desenvolvidas durante o Art Déco revelaram-se tão universais que os mestres joalheiros sentiram por muito tempo a influência desse estilo nas gerações subsequentes.
EM moda moderna O estilo Art Déco é popular novamente. É escolhido por mulheres autoconfiantes que preferem o luxo e ao mesmo tempo a contenção aristocrática.
Sergei Dyagelev
temporadas" de Sergei Diaghilev, os joalheiros, assim como seus colegas artistas - arquitetos e artistas decorativos que trabalharam em design de interiores - finalmente abandonaram as linhas fantasiosamente curvas e as cores desbotadas do Art Nouveau. Em busca de novos meios de expressão, recorreram a formas geométricas claras, com uma construção clara de composições simétricas, nas quais pedras preciosas lindamente lapidadas desempenhavam um papel dominante.
O estilo das obras que criaram seria mais tarde denominado Art Déco. Combinava simplicidade e luxo, clareza de desenhos geométricos e um jogo brilhante de pedras cintilantes. Esse estilo, que se formou na França no início da década de 1920, logo conquistou os Estados Unidos e depois a maioria dos países europeus, subordinando quase todos os tipos de arte aplicada, inclusive o figurino, aos seus princípios artísticos.
A nova moda caiu completamente sob o poder da geometria pura, e o terno feminino, que lembrava uma camisa no corte, passou a ser definido por rígidos 
construtividade. Novos nomes surgiram entre os criadores de moda. Em 1920, a artista de vanguarda Sonia Delaunay abriu um salão de moda em Paris, decorando seus modelos com padrões geométricos brilhantes. Na década de 1930, uma nova estrela brilhou no horizonte da moda - Coco Chanel, que prestou muita atenção aos acessórios de joalheria, e logo começou a desenhar joias ela mesma. Os novos tempos deram origem a um novo ideal de mulher. Ela se tornou independente e independente, uma parceira igual a um homem. Bravos parisienses
Coco Chanel
reconhecidos formadores de opinião, logo após a guerra, primeiro cortaram os cabelos, depois encurtaram as saias e vestiram vestidos sem mangas. Surgiu uma tendência de moda original, focada em figuras meio femininas, meio infantis - a chamada moda “garçon”. É verdade que na década de 1930 a linha dos vestidos suavizou um pouco, a moda de luxo tornou-se mais feminina e as ideias sobre beleza foram incorporadas nas imagens das estrelas de cinema de Hollywood. Mas nessas duas décadas, o traje feminino abriu amplas possibilidades para a imaginação dos joalheiros.
Entre as decorações mais pitorescas, 
pertencia sem dúvida ao “broche de borla” que decorava a gola aberta do vestido de noite; nos banheiros diurnos, mais modestos, ele foi substituído por um colar excepcionalmente longo de pérolas artificiais ou contas feitas de pedras. Brincos longos entraram na moda, decorando com eficácia cabeças cortadas, cintos pesados e pulseiras, que muitas vezes eram usadas não só no pulso, mas também no antebraço. Surgiu um novo tipo de joia - um broche de duas peças com fecho de clipe; Foi usado para fixar trucarts da moda. Os relógios de pulso ganharam popularidade excepcional durante este período; os joalheiros os criaram 
mostrou uma imaginação incrível. Os relógios distinguiam-se pela variedade de formatos, riqueza de decoração e elegância. O corpo e as pulseiras foram decorados com pedras preciosas.
Os pioneiros de uma nova direção na arte joalheira foram os mestres franceses. Entre eles estava um dos joalheiros mais famosos de Paris, Georges Fouquet, que na era Art Nouveau era chamado de “o segundo depois de Lalique”. Em uma de suas obras mais realizadas do início da década de 1920 
anos, em um pingente redondo com pingentes simétricos, todas as características do novo estilo já são visíveis - a geometria clara da forma e estrutura ornamental da decoração, a mistura ousada de materiais caros: diamantes, esmeraldas, lápis-lazúli e cristal de rocha .
Ainda mais inovadoras foram as experiências de seu filho Jean Fouquet: ele criou uma série de joias completamente diferente de tudo que já havia sido feito antes. As coleções em Paris e Nova York contêm seu broche e pulseira de marfim, compostos por elos redondos de ouro amarelo, decorados com pirâmides de ônix preto e círculos de ouro Branco. Estas joias inusitadas foram claramente criadas sob a influência das buscas vanguardistas dos pintores do início do século e, sobretudo, dos cubistas. Não menos interessantes são os brincos de platina de outro joalheiro parisiense, Raymond Templier; as ideias do construtivismo são claramente sentidas na sua construção. Templier decorou os estritos elementos geométricos de seus “desenhos preciosos” com esmalte brilhante ou verniz japonês, conseguindo contrastes de cores incomumente eficazes. No entanto, estas obras expressivas e originais de ambos os joalheiros deram mais uma impressão de obras de arte “autossuficientes” do que de jóias harmoniosamente ligadas ao corpo humano e ao seu traje. 
Talvez, nesta abordagem ao design artístico de joias, Jean Fouquet e Raymond Templier estivessem quase cem anos à frente do seu tempo.
Na década de 1920, durante os primeiros dias do que às vezes era chamado de “jazz moderno”, os joalheiros usavam frequentemente materiais como esmalte, cromo, vidro e plástico, e preferiam cores brilhantes. Mas logo perceberam que a “geração perdida” do pós-guerra precisava da ilusão de prosperidade, que era proporcionada apenas pelo ouro, pela platina e pelos mais belos pedras naturais. Muitas pessoas já aprenderam com a sua própria experiência amarga o que é uma fonte financeira que salva vidas em tempos de mama joias podem se tornar - além disso, eles estão privados delas há muito tempo.
Os joalheiros da Casa Cartier entenderam isso muito bem, tendo sempre apostado na utilização das pedras mais luxuosas na joalheria. Mesmo antes da Primeira Guerra Mundial, Louis Cartier foi talvez o primeiro entre os joalheiros a perceber as novas tendências da arte e começou a estilizar os seus motivos favoritos de várias guirlandas, dando-lhes um carácter geométrico. Suas obras das décadas de 1920-1930 demonstram claramente as principais etapas do desenvolvimento do novo estilo. 
Numa primeira fase, Cartier deu preferência a composições harmoniosas e formas simples e claras. Inicialmente era um círculo ou um segmento, pois ele acreditava que essas eram as formas geométricas mais adequadas para joias destinadas à mulher. Mais tarde, ele recorreu a outras formas geométricas: quadrado, retângulo e, menos frequentemente, losango. Decorou joias de silhueta simples e clara, feitas de ônix, cristal de rocha, jade, coral ou madrepérola, com diamantes e outras pedras preciosas, selecionando sutilmente suas cores requintadas.
Mas logo os joalheiros da Casa Cartier abandonaram as cores vivas e iniciaram o surgimento do chamado estilo “art déco branco”. Estrito formas geométricas Suas joias eram animadas por combinações contrastantes de platina branca e diamantes com ônix preto ou esmalte preto. A partir deste expressivo jogo óptico de manchas pretas e brancas, foi criado um motivo único, denominado “pele de pantera”. Este motivo foi utilizado na criação de broches originais em forma de panteras ou enfeites de cabelo; O período “Art Déco Branco”, talvez, tenha se revelado não apenas o mais frutífero nas atividades da empresa, mas também o mais importante para a formação de um novo estilo como um todo. 
Porém, Louis Cartier, mesmo no “período branco”, não abandonou a cor, confeccionando broches de esmeraldas, rubis e safiras que reproduziam “vasos de frutas” ou “cestos de flores”. Aliás, o motivo de uma cesta com flores era bem típico da decoração em estilo Art Déco. Ele foi abordado não só por joalheiros, mas também por decoradores de interiores e mestres de outros tipos de arte aplicada. Assim, o mais famoso marceneiro francês da época, Emile-Jacques Ruhlmann, adorava decorar seus móveis com composições da moda em forma de cestos de flores estilizados.
As joias multicoloridas tornaram-se especialmente populares após o advento da moda das joias indianas. Além disso, o mercado de pedras estava saturado de rubis, safiras, esmeraldas, lapidadas em forma de folhas, flores, frutos ou bolas. Ao mesmo tempo, as famosas joias de Cartier apareceram no estilo “tutti frutti” que ele inventou; eram composições multicoloridas brilhantes de pedras preciosas esculpidas; Após a descoberta do túmulo de Tutancâmon em 1922 e o subsequente aumento de interesse no Egito a empresa começou a produzir jóias coloridas 
feito no "estilo egípcio". Entre eles estão espetaculares pingentes feitos de placas de jade, decorados com diamantes e rubis, e o famoso broche escaravelho feito de quartzo fumê com asas de faiança azul cravejadas de diamantes. Especialmente com frequência, os joalheiros começaram a criar brilhantes itens decorativos depois da crise de 1929: foi assim que tentaram, atraindo a atenção dos compradores, sobreviver a este momento difícil.
Assim, a história da Casa Cartier ilustra claramente o processo de formação do estilo Art Déco. Foi finalmente formado no início da década de 1920 e atingiu seu apogeu em meados da década. A época do seu triunfo foi a Exposição de Artes Decorativas e Indústria Moderna, realizada em 1925 em Paris. Na verdade, foi nesta exposição que o estilo recebeu o reconhecimento final, e mais tarde a sua abreviatura - “Art Déco” - passou a ser o nome do estilo.
A exposição dos joalheiros ficava no luxuoso edifício Grand Palais. Cartier expôs em outro pavilhão da exposição (Elegance), juntando-se aos famosos estilistas da época - Bort, Lanvin e outros, provavelmente para mais uma vez enfatizar a ligação inextricável entre joias e figurinos. As obras de Fouquet, Sandoz, Templier, Boucheron, Cartier, Van Cleef, Mauboussin e outros joalheiros franceses apresentadas na exposição completaram as buscas do período anterior e simbolizaram o nascimento da estética de uma nova era. 
O sucesso dos joalheiros que trabalham no estilo Art Déco foi fenomenal. O reconhecimento formal do novo estilo pode ser considerado o fato de o maior prêmio da exposição - a Medalha de Ouro - ter sido concedido ao joalheiro parisiense Georges Mauboussin pelas joias em estilo Art Déco. Naquela época, seus produtos já eram bem conhecidos dos amantes de joias. Os colares criados por Mauboussin, nos quais diamantes incrustados em moldura de platina alternavam-se com lindas pérolas e decoravam a parte central - um anel de jadeíta - distinguiam-se pela incrível beleza e elegância e eram objeto de desejo de muitas belezas sociais e estrelas de Hollywood. Seus pingentes em forma de vasos de flores e fontes estilizados, decorados com esmeraldas esculpidas, diamantes e esmaltes, tornaram-se objetos a serem imitados e copiados. Todas essas decorações são feitas em estilo Art Déco, e foi esse estilo que tornou Mauboussin famoso. 
Mas o desenvolvimento do estilo não parou. Ele nasceu na era da ciência e da tecnologia e foi muito influenciado por suas conquistas. Um dos joalheiros que participaram da exposição escreveu que “aço polido, níquel fosco, sombra e luz, mecânica e geometria - todos esses são objetos do nosso tempo. Nós os vemos e convivemos com eles todos os dias. Somos pessoas da nossa época e esta é a base de todas as nossas criações presentes e futuras...” Não é surpreendente que, para alcançar a expressão artística, os joalheiros tenham feito um grande esforço na procura de novos materiais e no desenvolvimento de novas tecnologias. técnicas.
O maior sucesso foi alcançado pela empresa Van Cleef e Arpels. Em 1935, Alfred Van Cleef e Julien Arpels conseguiram inventar um novo tipo de cravação para pedras preciosas - cravação invisível. Este método de fixação envolve o corte preciso de pedras preciosas duras da mesma cor - diamantes, safiras ou rubis - nas quais são usinadas ranhuras, permitindo que as pedras sejam inseridas próximas umas das outras e assim cobrindo completamente o metal com elas, escondendo a base de ouro . Esta técnica tecnológica permitiu aos mestres da Van Cleef e Arpels - e posteriormente de outras empresas - criar uma série de excelentes joias no estilo Art Déco. Talvez, graças justamente a essas joias, bem como às obras de Cartier, Boucheron, Mauboussin e outros joalheiros, o estilo Art Déco tenha se tornado internacionalmente reconhecido como sinônimo de luxo e ostentação única. 
Já na década de 1930, o estilo Art Déco passou a determinar o desenho artístico não apenas de joias exclusivas feitas com pedras de alto custo - nesse estilo, em muitos países da Europa e da América, foram criadas coisas menos caras, destinadas a um público bastante amplo. gama de compradores. Broches e sautoirs com clipes de diamante eram muito procurados no mercado de joias, especialmente pulseiras elegantes, nas quais os diamantes de tamanho médio enfatizavam as linhas claras dos padrões ornamentais planos. Decorações semelhantes foram feitas em grandes quantidades Muitas joalherias, não é por acaso que hoje em dia podem ser vistas em qualquer grande loja de antiguidades ou encontradas em catálogos de leilões. 
É geralmente aceito que o estilo Art Déco dominou o mundo da arte por pouco mais de duas décadas, desde o final da Primeira Guerra Mundial até o início da Segunda. No entanto, a estrutura figurativa e as técnicas desenvolvidas pelos mestres Art Déco revelaram-se tão viáveis e universais que a sua influência foi sentida pelos joalheiros de todas as gerações subsequentes. E é aqui que reside o espantoso fenómeno da Art Déco.
Roupas com estilo são a personificação do charme, luxo e originalidade. Os trajes Art Déco não podem ser classificados como roupa casual. Esses modelos são mais adequados para um evento significativo. Afinal, cada item desse estilo é único e tem sua própria ideia de design.
Roupas em estilo Art Déco são a personificação da beleza, charme e originalidade
Esse look parece brilhante e até provocante, mas ao mesmo tempo, o estilo art déco nas roupas não aceita nenhuma vulgaridade, apenas elegância em toda sua graça e sofisticação!
Charme Art Déco nas roupas
Uma mulher nesta imagem pode ser luxuosa, mas brincalhona, indefesa, mas sedutora.
O estilo Art Déco nas roupas é caracterizado por sua contenção e sofisticação
Esse estilo ousado e incomumente multifacetado combinava coisas aparentemente absolutamente incompatíveis. Choque e contenção, excesso e sofisticação - esta é a sua descrição.
O estilo Art Déco é a escolha dos verdadeiros gourmets da moda
Linhas sinuosas e retas, suavidade e contraste, excessos burgueses e simplicidade de motivos étnicos são as características deste estilo.
Fendas e recortes, ombros e costas abertos, toques translúcidos em forma de chiffon esvoaçante ou rendas requintadas em um vestido de noite ajudam a demonstrar um corpo bonito.
Precisamente à noite, porque o art déco não pode ser atribuído às roupas do dia a dia, como jeans ou suéter, que se usam quando se vai ao armazém comprar pão. Esses trajes são destinados a ir à ópera ou ao teatro e, em sua forma mais pura, o art déco pode ser encontrado com mais frequência em festas especiais organizadas no estilo dos anos 20.
Art Déco - estilo retrô dos anos 20
Retorno triunfante
Retornando quase cem anos depois, o espetacular e luxuoso estilo Art Déco apareceu pela primeira vez no tapete vermelho. Ícones de estilo e belezas reconhecidas como Nicole Kidman, Christina Aguilera, Heidi Klum escolheram-no para enfatizar a individualidade e o brilho de sua própria imagem.
E depois do aparecimento de “O Grande Gatsby” nas telas, esses looks migraram para o guarda-roupa de muitas mulheres modernas que nada têm a ver com arte.
Brilho, glamour, esplendor, riqueza e roupas chiques – uma nova interpretação da exuberância de O Grande Gatsby
Por várias temporadas consecutivas, essa tendência no vestuário vem ganhando força. Foi apresentado em suas coleções de moda por Stefan Rolland, Albert Ferretti, Ralph Lauren, Roberto Cavalli e outros designers famosos. Este estilo é facilmente reconhecido pelas suas silhuetas retas, grandes enfeites ousados e cores contrastantes. Meros mortais podem se inspirar em filmes antigos, nos quais reina uma incrível atmosfera art déco.
Origens do estilo
Surgiu na década de vinte do século passado. Foi um momento difícil e ao mesmo tempo brilhante. Acabei de terminar Guerra Mundial. As pessoas, depois de dificuldades e sofrimentos, voltaram à vida normal.
Eles queriam compensar de alguma forma o que haviam perdido. Talvez tenha sido precisamente este desejo de celebração que levou ao surgimento de um estilo particularmente teatral, pretensioso e até pomposo.
A década de 20 foi um ponto de viragem na história da moda mundial.
A emancipação também desempenhou um certo papel na formação do Art Déco. As mulheres procuravam ser iguais aos homens em tudo: dirigiam, fumavam e cortavam os longos cabelos. Formas curvas são coisa do passado. Mulher moderna ela deveria parecer um menino - baixa, magra, com quadris estreitos e seios pequenos.
A moda dos anos 20 era a combinação perfeita de estilo e funcionalidade
Assim, o corte do vestido não tem cintura pronunciada ou qualquer outro toque de feminilidade. Mas para compensar a severidade da silhueta, surgiu uma decoração que impressionava pela sua diversidade e riqueza.
Características
O estilo Art Déco é sempre sofisticação e uma certa teatralidade, impraticabilidade e luxo. Combina modernidade, etnia e classicismo. Nas roupas você pode ver imagens de pavões e dragões, branqueados rostos femininos e cisnes - tudo o que você não encontrará no comum, Vida cotidiana.
Os vestidos Art Déco são uma verdadeira obra de arte
Esse estilo é exigente em tudo: o vestido é só reto, os sapatos são scarpins.
Vestido reto clássico em estilo art déco
Calças não são aconselháveis, mas se você realmente quiser usá-las, certifique-se de usar uma calça boca de sino ou absolutamente reta.
Roupas de estilo Art Déco são cada vez mais encontradas em coleções modernas
Mas o casaco certamente deve ter um formato incomum e deve ficar uma palma acima dos joelhos.
O vestido é a base do estilo
É ele quem recebe a atenção principal. Este é sempre o elemento central da imagem, que é complementado por acessórios adequados.
Vestido de noite Estilo retrô
Características distintivas do vestido estilo Art Déco:
- O estilo é extremamente simples e lembra um retângulo, em casos extremos é permitido um leve ajuste. Sem saias rodadas.
- As peças são maiores que o normal. Se houver bolsos, então eles são grandes; se houver gola, então são luxuosos.
- O comprimento é tradicionalmente um pouco abaixo do joelho, mas nas variações modernas pode facilmente subir acima dos joelhos. Um vestido de noite geralmente cai no chão.
- As mangas geralmente estão ausentes, embora haja exceções.
- A parte de trás costuma estar aberta.
- Decotes de profundidades variadas, na maioria das vezes profundos.
- A decoração é sempre rica - lantejoulas, flores, bordados, rendas, miçangas, pedras e assim por diante.
- Os padrões são geralmente geométricos ou abstratos. Às vezes há florais.
Pele, brilhos, chique - tudo isso em estilo art déco
Tecidos
Na maioria das vezes, ao criar roupas nesse estilo, os designers usam materiais nobres como seda, veludo, cetim e chiffon. Embora na passarela da moda, além dos tradicionais tecidos elegantes, você possa ver outros mais simples - cambraia, linho, algodão. Mas em qualquer caso, o tecido deve ser natural.
Os vestidos Art Déco são a personificação do charme e do luxo
Cores
O estilo art déco moderno permite qualquer cor. Tudo depende da impressão que desejam causar. Os designers muitas vezes optam por tecidos lisos elegantes, introduzindo um elemento assimétrico inesperado e também bastante brilhante na forma de uma flor grande, uma gola de formato inesperado ou uma cortina interessante.
Um vestido francamente feminino e sedutor em estilo art déco
Não menos populares no mundo da moda moderna são vários motivos étnicos e padrões geométricos: claros e muito sofisticados. A influência do cinema também teve certo impacto. Nos últimos anos, combinações contrastantes, especialmente preto e branco, ou fatal preto-branco-vermelho, têm sido muito procuradas. Também estão em tendência as cores ouro, prata e platina.
O estilo Art Déco inspira designers a terem novas ideias e fashionistas a experimentarem roupas.
Acabamento
Elementos decorativos luminosos são um atributo indispensável deste estilo. Tudo o que é brilhante, cativante e brilhante é usado como decoração: strass, brilhos, miçangas, etc. Mas, ao mesmo tempo, uma mulher não deve parecer um papagaio ou uma árvore de Natal. Pelo contrário, os acréscimos visam criar uma impressão de sofisticação e sofisticação.
O estilo Art Déco nas roupas é uma das tendências vintage e muito popular hoje em dia.
Uma imagem adequadamente projetada em estilo art déco sempre parece cara e impressionante. Portanto, apenas materiais da mais alta qualidade são selecionados. Precioso e pedras semipreciosas, pérolas naturais, rendas self made. Pele verdadeira pode ser um excelente complemento.
Decorações
Quanto mais refinados forem, melhor. A quantidade também pode ser ilimitada: várias voltas de pérolas naturais, brincos bastante compridos, muitas pulseiras largas.
O estilo principal nas joias modernas é o estilo art déco, que se distingue pela simplicidade e, ao mesmo tempo, luxo
Isto é especialmente verdadeiro quando o vestido em si não é complementado com elementos decorativos. Broches de todos os formatos e tamanhos, colares e anéis enormes também ficarão ótimos.
Art Déco difere de outros tipos de joias por sua clara variedade de linhas e jogo brilhante de pedras preciosas
Bolsa
Uma mulher Art Déco só pode ter nas mãos uma bolsa ou clutch elegante ou um leque feito de penas reais. Bolsas grandes, pastas de negócios e mochilas volumosas não estão aqui. Hoje, bolsas em miniatura e clutches bordadas com miçangas estão no auge da moda. Seria bom se as mãos que seguram essa bolsa usassem luvas decorativas. Os designers recomendam fortemente esta opção requintada.
Cocar
No art déco, o cocar desempenha um papel especial. Talvez porque durante o nascimento deste estilo todas as mulheres usassem chapéus. Sem dúvida cartão de visitas O estilo é o chapéu cloche, um formato lacônico e ao mesmo tempo incrivelmente feminino, que lembra uma flor de sino. A simplicidade externa desse chapéu é compensada pela decoração - miçangas, penas, flores de tecido. Também pode ser decorado com um véu de malha que cobre metade do rosto. Uma boa opção é uma boina ou chapéu-coco, se você preferir essa opção.
A tendência é uma variedade de tiaras e tiaras, mas devem ser decoradas de acordo com o estilo.
Uma faixa art déco acentua o visual
Cabelo e maquiagem
A maioria dos estilos de cabelo modernos não são adequados para art déco. Ele não aceita cabelos desgrenhados e franja rasgada. Formas complexas e volumes maiores também não são para ele. Simples cabelo curto ou ondas perfeitas são as características deste estilo complexo. Cabelo longo O melhor é prendê-lo com alfinetes e escondê-lo sob um chapéu. Você pode protegê-los com uma malha fina.
Imagem harmoniosa em estilo art déco
A maquiagem é baseada em um jogo de contrastes: pele branca, sombras prateadas, cinza ou mesmo pretas, batom brilhante em vermelho intenso ou bordô completarão a imagem fatal da “playgirl” da era Art Nouveau.
A maquiagem Art Déco foi pensada para completar perfeitamente o look.
Sapato
Sem botas - apenas sapatos! Como último recurso, sandálias. Anteriormente, eram impostos requisitos particularmente rigorosos aos sapatos. Basicamente, eram bombas simples, sem decoração ou detalhes desnecessários.
Bombas para um visual Art Déco
A moda moderna é mais liberal. Designers famosos brincam com maestria com o formato original do sapato, complementando-o com pontas, fechos criativos ou cores.
Sandálias de grife originais em estilo art déco
A principal condição para qualquer sapato art déco é a presença de salto. Além dos sapatos clássicos no verão, podem ser sandálias com tiras finas, e na estação fria - botins.
Novo som
Claro, na vida cotidiana você não vê esse estilo retrô em sua forma pura. Seu chique, brilho e beleza são mais adequados para eventos de entretenimento noturno. Mas isso não significa que o art déco seja apropriado apenas para bailes. Gostei do corte simples dos vestidos dele Moda de rua, especialmente porque a cintura deslocada para baixo ou a ausência dela como tal, alonga-se para cima e afina invulgarmente a silhueta feminina. Este estilo retro complexo e surpreendentemente multifacetado inspirou muitos designers modernos a criar modelos que pareceriam longe do art déco - vestidos de verão, macacões, túnicas, cujo corte lembra um retângulo. Apenas o número diminuiu detalhes brilhantes e os padrões geométricos, pelo contrário, parecem novos e modernos.Eles são frequentemente encontrados em looks festivos e cotidianos. O principal é lembrar que o art déco é sempre a personificação da beleza, do charme e da originalidade.
No início do século XX, por volta da década de 20, a sociedade abandonou gradativamente o estilo Art Nouveau extrovertido com suas linhas distorcidas e cores desbotadas. A Art Nouveau tardia, chamada de “moderna”, agradou-se com o fortalecimento do geometrismo. Em vez de asas de fada, os joalheiros começaram a representar asas de avião. A busca pelo estilo foi interrompida durante dois anos pela Primeira Guerra Mundial, mas o período entre as duas guerras mundiais pertence inteiramente ao estilo Art Déco. Quem quiser conhecer esse estilo pode assistir ao filme “O Grande Gatsby”.
Na década de 1920, surgiu a moda “garçon”, quando as fashionistas parisienses cortavam os cabelos curtos, encurtavam as saias e abandonavam as mangas. Em vez de um luxuoso “broche-borla” noturno, durante o dia eles usavam pérolas artificiais em forma de fio sem fim ou contas feitas de pedras. Cintos e pulseiras pesadas nos pulsos e antebraços entraram na moda. A novidade foi um broche de duas partes, preso com um cadeado, que servia para prender casacos curtos da moda com mangas três quartos - “troucars”.
Os relógios de pulso, que nessa época substituíram a versão usual com corrente, começaram a entrar em uso e criaram uma verdadeira sensação. Eles foram produzidos em uma variedade de formatos e foram ricamente e elegantemente decorados.
Assim, o estilo Art Déco surgiu na França e depois se estabeleceu em toda a Europa e nos Estados Unidos (a grafia Art Déco na versão russa não é totalmente correta, pois no Art Déco a letra t não é legível).
Estilo Art Déco em joias
Durante o período do construtivismo, a tecnocracia tornou-se a verdadeira musa dos joalheiros, o que determinou as principais características das joias da época - ângulos retos e linhas, formas geométricas, círculos, cores “tipográficas” abertas. O estilo Art Déco tinha uma tarefa muito específica - entre as duas guerras mundiais, criar um mito sobre como vivia luxuosamente a “geração perdida”. 
Em 1922, foi inaugurado o túmulo de Tutancâmon, o que despertou interesse no Egito. Cartier abriu uma linha de joias de estilo egípcio. Eram pingentes de jade com diamantes e rubis, feitos de escaravelhos de quartzo fumê, cujas asas eram cobertas com faiança azul.
Na era Art Déco, surgiram o pós-impressionismo, o surrealismo e o expressionismo; os gostos das pessoas foram moldados pelas temporadas de Diaghilev em Paris. Tudo isso somado ao espetáculo de novas tecnologias emergentes. Filho do famoso joalheiro-artista Georges Fouquet da era Art Nouveau anterior, Jean Fouquet criou suas obras em um estilo diferente de tudo e de todos. Suas obras – pulseiras e broches de marfim preservados em coleções em Nova York e Paris – são verdadeiramente diferentes de tudo. Isto é puro cubismo, um tema da vanguarda do início do século XX. 
Outro joalheiro parisiense, Raymond Templier, produziu “arranha-céus” originais - brincos de platina com a manifestação de ideias construtivistas. Templier decorou os elementos geométricos de seus “desenhos preciosos” com verniz japonês ou esmalte brilhante. Os joalheiros Jean Fouquet e Raymond Templier podem ser considerados verdadeiros “convidados do futuro”.
Jewelry House Cartier, que teve como base o Art Déco
Nas décadas de 1920 e 1930, a Casa Cartier produziu produtos que mostravam claramente o surgimento de um novo estilo. Em primeiro lugar, Cartier passou a utilizar formas e composições simples em forma de círculos e segmentos, que considerava os mais “femininos”. Então ele dominou outras figuras. Suas joias feitas de cristal de rocha, madrepérola, jade e ônix com silhuetas claras e simples foram decoradas com diamantes e outras pedras preciosas com uma cuidadosa seleção de cores.
Mas então os artesãos que trabalhavam na Casa Cartier dominaram o “art déco branco”, combinando diamantes e platina branca com esmalte preto e ônix preto. Assim, nasceu das manchas pretas e brancas um motivo especial de “pele de pantera”, que também foi utilizado para criar relógios de pulso. Graças ao “art déco branco”, não só a empresa foi enriquecida, mas também se formou um estilo totalmente novo.
Naquela época, broches em forma de cestos com flores ou vasos com frutas, montados a partir de safiras, rubis e esmeraldas, eram confeccionados sobre fundo colorido. O motivo de uma cesta cheia de flores era muito característico da joalheria Art Déco.
Em 1925, foi realizada em Paris uma exposição da indústria moderna e das artes decorativas, que se tornou um verdadeiro triunfo para a Casa Cartier. Os joalheiros franceses Sandoz, Fouquet, Van Cleef, Despres, Mauboussin e outros mostraram como nasce a estética da nova era. O joalheiro parisiense Georges Mauboussin, já muito conhecido na alta sociedade, recebeu uma medalha de ouro.
Era Art Déco e tecnologia de joias
Alfred Van Cleef e Julien Arpels inventaram uma configuração invisível para pedras preciosas em 1935. As ranhuras foram cortadas em rubis, safiras e diamantes, as pedras se encaixaram umas nas outras, o metal foi completamente coberto. Graças a este novo produto, a empresa Van Cleef and Arpels, e depois dela as demais, começaram a criar verdadeiras obras-primas no estilo Art Déco.
Na década de 1930, as joias Art Déco se espalharam, à medida que tanto os países europeus quanto os Estados Unidos começaram a criar itens acessíveis a uma ampla gama de compradores. Eram broches feitos de diamantes, sautoirs (do francês “porter en sautoire” - para usar no ombro) e pulseiras, onde pequenos diamantes enfatizavam as linhas ornamentais de padrões planos claros. Você ainda pode encontrar muitas joias semelhantes em lojas de antiguidades hoje.
Em todo o mundo, o período de domínio do estilo Art Déco durou entre a Primeira e a Segunda Guerra Mundial. Mas a sua estrutura figurativa e as técnicas utilizadas revelaram-se tão universais que ainda hoje parecem brilhantes e modernas.
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Origem:
1.F França (Art Déco. 1925, 1966)
2. EUA (estilo Hollywood, Nova York gley 1930, 1960,1980)
3. URSS (construtivismo 1920-30 e estilo Império de Stalin 1935-55)
Principais características:
1. A forma deve seguir a função. A imagem da coisa é feita a partir do alvo.
2. Formas geométricas escalonadas ou lineares. Projeções planas.
3. Formas geométricas básicas: triângulo, elipse, losango, zigue-zague, rosa dos ventos.
4. Cores brilhantes e contrastantes.
5. Composição dinâmica ou elementos móveis
6. Bordas e contornos claros, cantos arredondados.
7. Materiais caros: marfim, bronze, pedra polida
8. Materiais para produção em massa: cromo, vidro, baquelite.
Características principais:
1. O estilo glorificou uma vida dinâmica e próspera: viagens, esportes, resorts, produtos sofisticados para velocidade, um novo tipo de mulher.
2. Reflexão através da arte do novo ambiente industrial do homem. Transformações do ambiente material e visual de uma pessoa sob a pressão de mudanças técnicas e sociais sem precedentes.
3. Motivos éticos: arte egípcia e asteca antiga, bordado russo, estampa popular
Símbolos ou constantes de estilo:
1. Carro, trem, navio a vapor, arranha-céu, fonte
2. Velocidade, movimento.
Como novo estilo Art Deco surgiu pela primeira vez na França e claramente dominou 1918-1939 obg. V Alemanha, União Soviética E EUA. Caracteriza-se por uma combinação de formas monumentais e pesadas com decoração sofisticada; uma combinação de elementos do cubismo e do expressionismo; o uso de formas expressivas de “desenho técnico”.
O ímpeto para o rápido desenvolvimento deste estilo foi Exposição de Paris 1925 cidade, onde foram apresentadas as mais recentes conquistas nas áreas de arquitetura, design de interiores, móveis, produtos de metal, vidro e cerâmica. PARA Quando a Exposição de Paris fechou as suas portas em Outubro de 1925 e os pavilhões foram desmantelados, o mundo estava pronto para que um estilo novo e claramente definido se estabelecesse.
Ecletismo Art Deco A exposição de 1925 mostrou o entrelaçamento das diversas raízes deste estilo, que deve o seu nascimento ao cubismo e à moda do exótico, bem como às artes decorativas modernas da Áustria, Alemanha, Holanda, Itália, Checoslováquia, dos países escandinavos e A própria França. Um novo estilo desenvolveu uma linguagem decorativa própria, que continuou a expandir-se e a melhorar em todos os cantos do planeta, a linguagem tornou-se um símbolo de dinâmica e escala mundo moderno. Art Deco estava pronto para se tornar uma expressão da modernidade, ou seja, um estilo que estava destinado num futuro próximo a começar a desempenhar um papel importante em muitas áreas importantes de produção em todo o mundo ocidental.
Começando como uma inovação leve e graciosa inspirada no balé” Temporadas russas", Art Deco logo evoluiu para a personificação da incrível simplicidade e da natureza intransigente da vida na era da máquina. Representantes de todas as áreas das artes plásticas e decorativas modernas procuravam uma forma de expressar a velocidade e a pressão com que os carros, comboios, aviões, rádio e electricidade mudavam o mundo existente - tentavam encontrar cores e formas que fossem mais simples, mais distintos e mais fortes do que aqueles usados anteriormente. Art Deco moldou o próprio modo de vida das pessoas no período entre guerrasanos, sua maneira de se vestir e de conversar, de viajar, de trabalhar e de relaxar. Ele dominou a indústria do entretenimento e as artes - seu espírito pode ser sentido em cinemas, prédios de apartamentos, arranha-céus, composições de interiores e padrões de joias preciosas, no design de utensílios de cozinha e luminárias de rua, em esculturas e cartazes, em ilustrações de livros e revistas, em tecidos, pinturas, em edifícios públicos.
Em geral, o estilo pode ser visto como a última etapa no desenvolvimento da arte durante o período Art Nouveau, ou como um estilo de transição da Art Nouveau para o funcionalismo do pós-guerra, design de "estilo internacional".O estilo Art Déco provou repetidamente o seu apelo inabalável, pois ainda hoje continua a ser o meio mais eficaz de demonstrar elegância e luxo.
Os visitantes da exposição de 1925 tiveram a promessa de um grande espetáculo. Era ao mesmo tempo um parque temático e uma feira comercial: a Exposição ocupava uma grande área no centro da cidade, em ambas as margens do Sena. A margem direita do rio foi entregue a pavilhões de países estrangeiros, e a ponte Alexandre III foi transformada por Maurice Dufresne em uma ponte veneziana com duas fileiras de lojas. Alguns dos pavilhões franceses foram dedicados a lojas de departamentos, salões de beleza e grandes fábricas estatais parisienses.
Primeira Exposição. Nome Art Deco derivado do nome da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais e significa literalmente “artes decorativas”. De acordo com o plano original, esta exposição seria realizada em 1916. No entanto, devido às dificuldades económicas no período pós-guerra, foi repetidamente adiado, e países como Alemanha e Holanda. Os EUA receberam o convite demasiado tarde e não conseguiram (?) preparar-se adequadamente.
As condições de participação na exposição incluíam uma cláusula segundo a qual as exposições deveriam encarnar a materialização de algo novo na arte e não ter qualquer ligação com estilos anteriormente comuns. Os organizadores queriam chamar a atenção e restaurar a imagem da França como criadora de tendências em moda e estilo, principal fonte de bens de luxo. A mensagem principal era um apelo à produção de coisas originais, à criação de um conceito que correspondesse à crescente industrialização.“Enormes fontes de vidro brincam entre árvores cubistas em tamanho real, e cachoeiras de sons musicais caem em cascata pelos becos a partir dos topos vertiginosos de quatro torres gigantes. Entre nos pavilhões e... você verá móveis de formas incríveis e inéditas, decoração de padrões inimagináveis nas paredes, pisos e tetos.”
Vinte e dois pavilhões estrangeiros constituíam uma parte relativamente pequena da exposição em comparação com a parte predominante da França, no entanto, a sua diversidade indica a ausência de um estilo dominante. Os estilos da exposição variaram do construtivismo radical do pavilhão soviético à conservadora exposição pseudo-eclesiástica inglesa.
E, no entanto, algumas características estilísticas que apareceram claramente na exposição de 1925 foram posteriormente rotuladas como Art Déco. São, antes de tudo, tendências que serviram de base para a definição internacional de estilo. Nesse sentido, os contornos pesados e arredondados dos móveis de luxo são típicos Rühlmann, desenho estilizado de estofamento de móveis Louis Xu E André Mara, cascatas de vidro René Lalique, bem como conjuntos Paul Follot, Maurice Dufresne, que se caracterizam pela simplicidade das curvas da madeira folheada, iluminação inusitada, padrões em zigue-zague e móveis em ângulos retos. Havia uma certa unidade em tudo, especialmente óbvia, aparentemente, para aqueles que se irritavam com isso. Um crítico americano reclamou: “A monótona alternância de ângulos, cubos, octaedros, quadrados e retângulos cria um clima não tanto de rebelião, mas de diversão.” Mas foi precisamente através do desenvolvimento e adaptação destas formas que se deu a popularização e internacionalização do Art Déco. Foram eles que determinaram a diversidade do vocabulário do “último dos estilos totais”.
Primeiro uso do nome:
O próprio nome - art déco - apareceu em 1966 G. Foi então que em Paris, no Museu de Artes Decorativas, foi criada uma exposição de obras de arte aplicada dos anos 20 e 30, criadas a partir de “estruturas expressivas que continham espaço dinâmico num volume fechado de massa” *. Antes disso, Art Déco era chamado de “jazz moderno”, “moderno aerodinâmico (simplificado)”, “moderno em zigue-zague”, e nos EUA - “estilo estrela” (ou seja, estrelas de Hollywood que usavam roupas Art Déco e viviam em casas Art Déco arquitetura equipada com móveis e utensílios adequados).
Art Deco muitas vezes chamado de último grande estilo. Provavelmente é apenas uma frase bonita. Nós concordamos que Art Deco-ótimo estilo, mas não o último. Em nossa opinião, um estilo implementado (impresso) na arquitetura já tem todo o direito de ser chamado de grande estilo, e cada direção se torna um estilo quando um antiestilo é desenvolvido para ela. Art Deco“notório” em todos os tipos de atividade criativa humana, desde utensílios domésticos utilitários até pintura e arquitetura.
Formação de estilo:
Os críticos de arte encontram facilmente nas obras Art Deco emprestando de Art Nouveau, Cubismo, Abstracionismo, Futurismo, as artes do antigo Egito, da África, do Japão... Mas cada componente deste “coquetel” foi relevante para as pessoas dos anos 20, que sobreviveram à guerra mais terrível, perceberam que não haveria retorno ao velho mundo e viram que o mundo era muito maior e mais diverso do que lhes parecia antes. O século XX é o início da formação desse paradigma de desenvolvimento socioeconômico, que mais tarde, na década de 50, receberá o expressivo nome - "Sociedade de consumo" O desejo dos europeus e americanos de estetização da vida quotidiana, de conforto, de introdução activa de novas tecnologias na vida das pessoas, de transição para produção em série aqueles artefatos que há dez anos pertenciam a produtos de luxo(Por exemplo, carro) - tudo isso exigia um domínio artístico adequado das novas realidades técnicas e humanas.
Depois de derretidas, todas essas inovações deram origem a uma arte em que dominavam simultaneamente duas tendências mutuamente exclusivas, à primeira vista. Por um lado - construções “energéticas” em forma de ziguezagues, relâmpagos, flashes de luz, triângulos, losangos, elipses esticadas - tudo que ajudasse a refletir a sensação velocidade de movimento, energia, pressão. Parecia que em torno de algumas obras Art Deco“o vento assobia.” Por outro lado, todas essas dissonâncias foram paradoxalmente combinadas com uma ênfase enfatizada elegância, simplicidade com a aristocracia.
Art Deco Ele colocou o hedonismo e o conforto inseparável da vida cotidiana no centro de seu conceito. E para isso, as coisas que cercam uma pessoa devem primeiro ser funcional, ou seja a melhor maneira adaptados para desempenhar suas tarefas pragmáticas. Forma em primeiro lugar, deve corresponder funções e, em segundo lugar, refletem a principal característica do mundo moderno - rapidez mudanças, sua novidade Está dentro do quadro Art Deco pela primeira vez surgiram móveis elegantes feitos de tubos metálicos ocos semelhantes a guidões de bicicleta, joia em alumínio, elementos interiores em aço soldado, luz neon.
Implementação em arquitetura.
Caos, complexidade e policromia Moderna mais cedo ou mais tarde deve ser substituído. COM Art Deco veio para a arquitetura clareza, sustentabilidade, classicismo e simplicidade visual. Ordem, cor, geometria- Manifesto Art Déco. Art Deco, como Art Nouveau, é um estilo internacional que apareceu na América, Europa e Ásia; no seu início, Art Deco empresta alguns princípios do Art Nouveau. Caso contrário, essas correntes são bem diferentes.
Em primeiro lugar, o lugar da assimetria e da desordem poética retorna eixo de simetria e geometria, as pessoas queriam solo sob os pés. Um novo estilo geométrico, ordenado, calculista- sempre, até o enfeite. A simetria no Art Déco é preferível, mas às vezes pode não existir, mas deve haver um equilíbrio de massas na composição. Na Art Déco, na vanguarda - rapidez da linha. É especialmente visível em arranha-céus nos EUA.
Nos EUA em 30 anos anos Art Deco mudou-se para funcionalismo elegante. Exemplos clássicos de arquitetura Art Deco são os arranha-céus de Nova York. Em Manhattan há cerca de 150 arranha-céus relacionado a este estilo.
Edifício Chrysler dos EUA
À medida que os carros ficam brilhantes, Art Deco adora brilho, superfícies reflexivas e, claro, metal e sua imitação. Ao mesmo tempo, o material não muda visualmente e, ao contrário do Moderno, se for metal, então é estritamente geométrico.
O exemplo mais marcante é tradicionalmente considerado o famoso arranha-céu Edifício Chrysler g (Edifício Chrysler). O topo do edifício é decorado com uma torre de aço inoxidável de 38 metros do Edifício Chrysler - a participação ativa do metal e a sensação de um foguete. Construído pelo arquiteto William van Alen e aberto ao público em 27 de maio de 1930. Esta majestosa estrutura surpreende não só pelo seu tamanho, mas também pela sua elegância.
Por trás da simplicidade externa do edifício está uma decoração complexa de materiais caros do interior. Art Déco utiliza elementos de ornamentos antigos, mas não são cópias exatas, mas sim coisas reinterpretadas. Os ornamentos não são apenas gregos ou romanos – são do Egito, da Mesopotâmia e da África. Para Art Deco“luxo” não é apenas materiais caros, mas também riqueza visual: cores brilhantes e ricas. Normalmente, mais de 3 cores são usadas e parece incrivelmente coeso e inesperadamente bonito. Contra o fundo de um contraste xadrez de preto e branco, há salpicos brilhantes de vermelho e dourado, itens interiores cromados.
Arquitetos americanos da época Art Deco foram intencionais avarento e racional em Design exterior edifícios, mas desperdício e criativo em seu design interiores: entradas, halls, corredores, elevadores e lobbies e, claro, apartamentos, quartos de hotel e escritórios, gastando quantias significativas de dinheiro nisso, utilizando materiais caros e tecnologias modernas, bem como imaginação criativa e habilidade artística.
Outros arranha-céus na América:
Observe que muitos edifícios de estilo Art Deco de alguma forma lembrar Pirâmides egípcias. Em 1922, todo o mundo ocidental ficou chocado com a descoberta do túmulo de Tutancâmon. Aparentemente, é por isso que o fascínio geral pelos motivos arquitetônicos do Antigo Egito (pirâmides), da Mesopotâmia (zigurates) era característico da arquitetura. Art Deco. Muitas vezes os principais elementos arquitetônicos de uma casa só podem ser percebidos mantendo a cabeça erguida. O Chrysler Building, o Rockefeller Center e o Empire State aparecem em toda a sua glória apenas a uma distância respeitosa. A fachada de um prédio alto pode parecer simples e despretensiosa até o 20º ou até 30º andares, e acima será rica e intrincadamente decorada.
1. Edifício do Radiador em Manhattan. NOVA IORQUE. 2.Edifício Niagara Mohawk, construído para a maior empresa de energia elétrica dos Estados Unidos.
Ásia, China, Xangai.
O marco de Xangai é o Bund. O Bund é talvez uma das atrações menos chinesas da China. Era uma vez uma zona para estrangeiros aqui. Apenas residentes de outros estados foram autorizados a viver, alugar e comprar terrenos e imóveis deste lado do Huangpu. Assim, o aterro tornou-se durante algum tempo um pequeno oásis da vida ocidental num país asiático. Mais tarde, o Bund foi preenchido por xangaienses e residentes de outras cidades próximas, e como memória dos antigos colonos, casas, monumentos e outros edifícios diversos permaneceram aqui... Hoje, o Bund abriga mais de 50 edifícios feitos em uma variedade de estilos arquitetônicos: classicismo, Barroco, Art Déco, Gótico, Beaux-Arts, Romantismo, Renascença... Graças a isso, o local recebeu apelidos lisonjeiros como “o museu da arquitetura mundial” ou “a feira de arquitetura de dez mil estados”.
A leste do Bund, o aterro de Xangai, os arranha-céus se elevam ao céu. Leste de Manhattan" Pudong; alguns deles não se conhecem igual em altura no mundo e na arquitetura moderna. O Shanghai World Financial Center é um arranha-céu em Xangai cuja construção foi concluída no verão de 2008. A altura do centro é de 492 metros.
Cingapura
Hotel Parkview Square (2002).
O hotel é carinhosamente chamado de Edifício Gotham. O estilo do Batman reflete a essência do Art Déco
S S S R O construtivismo é frequentemente chamado de análogo doméstico do Art Déco. O espaço social dos artistas do Ocidente e da Rússia Soviética era diferente, mas o tempo histórico era o mesmo, o que leva os criativos a decisões artísticas muito semelhantes, por vezes à beira da coincidência direta. (foto do Edifício Pano Chrysler e Soviético)Arranha-céus stalinistas
Entre as estações de metrô de Moscou, os exemplos mais marcantes são a estação Kropotkinskaya (originalmente o Palácio dos Sovietes), Sokol, Aeroport, mas a estação mais Art Déco é "Maiakovskaia", em tons de mosaico, projetada pelo arquiteto Alexei Nikolaevich Dushkin e recebeu o Grande Prêmio na Exposição Mundial de 1939, em Nova York. Os painéis de mosaico montados em cúpulas em caixotões são feitos de acordo com esboços do artista Alexander Deineka sobre o tema “Dias Diários da Terra dos Soviéticos”: manhã (7 painéis) - dia (8) - noite (5) - manhã (15 ). Supunha-se que os passageiros que entrassem e saíssem seriam “bem-vindos” pelas histórias matinais. Todos os painéis retratam a vida dos cidadãos do jovem país soviético. O último grande projeto relacionado ao estilo Art Déco na URSS foi a primeira etapa do Metrô de Leningrado
Art Deco soviético é o pavilhão da URSS em Exposição de Paris 1937 com “Mulher Trabalhadora e Coletiva da Fazenda” de Vera Mukhina coroando-o. O pavilhão da URSS e o pavilhão da Alemanha nazista ficavam frente a frente, bem no centro da exposição.
Foi estranho porque o nosso grupo “Mulher Trabalhadora e Kolkhoz” estava voando como um redemoinho direto em direção aos nazistas. Mas foi impossível virar a escultura, pois ela se dirigia na direção do prédio.
Os alemães esperaram muito, querendo saber a altura do pavilhão da URSS junto com o grupo escultórico. Quando estabeleceram isso, construíram uma torre sobre seu pavilhão cerca de dez metros mais alta que a soviética. Uma águia nazista foi colocada no topo. Mas para tal altura a águia era pequena e parecia bastante lamentável
Exposição Agrícola All-Union, que acabou recebendo o nome VDNH, tornou-se uma obra-prima arquitetônica da era do realismo socialista, que ainda não foi devidamente apreciada. Alguns, senão muitos, dos pavilhões são criações de forma perfeita, monumentos únicos que reflectiam o espírito e a essência daquele mundo ideal e talvez inatingível de verdadeira liberdade, igualdade e fraternidade, que deveriam simbolizar.
Território VDNHé rico em vários monumentos arquitetônicos, muitos dos quais são conhecidos em todo o mundo. Criados na época soviética, são um monumento à era soviética, muitos deles são exemplos de inovação, poder, luxo, fundamentalidade e possuem características estilísticas Art Deco. Em 18 de abril de 1963, o Comitê Central do PCUS e o Conselho de Ministros da URSS adotaram uma resolução sobre o reperfilamento VDNH
VV 1920-1930. Art Deco deixado como lembrança dos magníficos interiores do metrô de Moscou, resquícios do luxo pré-guerra VDNH e porcelana da Fábrica de Porcelana de Leningrado. Claro, nosso estilo recebeu uma refração única. Mas o caráter “nacional” Art Decoé claramente visível na cultura de outros países. Por trás de toda esta diversidade, não é difícil discernir o principal: a arte daqueles anos é a personificação do mito da nova Idade de Ouro, expresso pelas técnicas artísticas modernas. Em nosso estilo country Art Deco não era tão amplamente conhecido como na Europa e nos EUA. Acredita-se que a arquitetura da era Stalin foi uma das tentativas de criar Art Deco
