Traducido del francés, "art deco" significa "arte decorativo". El estilo Art Deco, o como también se le llama, Art Deco, recibió su nombre cuando se celebró en París en 1925 una exposición de artes decorativas y aplicadas. ¿Cuándo y cómo se originó este estilo? Y en general, ¿qué representa en joyería?
Ya a principios del siglo XX, los joyeros comenzaron a abandonar las sinuosas líneas del Art Nouveau y buscar nuevos medios de expresión. En la modernidad tardía ya se descubrieron las líneas geométricas inherentes al Art Deco, pero todo fue interrumpido por la Primera Guerra Mundial, tras la cual la gente intentó encontrar nuevos ideales con mayor deseo, porque además de la destrucción y las bajas humanas, hubo decepción por los valores del pasado.
Apareció una nueva mujer que inspiró a poetas y artistas, incluidos joyeros. Fue en este momento cuando Louis Cartier esbozó sus primeras joyas en una nueva dirección.
El Art Deco absorbió la simplicidad y el lujo, un juego de piedras puro y brillante, búsquedas estilísticas, incluido el cubismo, el modernismo, el surrealismo, el neoclasicismo y las características étnicas de la antigua Grecia, Egipto, África y Oriente.
Los joyeros, como todos los escultores artísticos, siempre escuchan con atención el estado de ánimo de la sociedad. ¿Cómo podemos ayudar a olvidar los horrores de la guerra y llevar alegría a la gente? Fue en ese momento cuando el eclecticismo de las tendencias estilísticas convirtió al Art Deco en un estilo innovador.
Y así, los diseñadores de las casas de joyería propusieron nuevas formas, que se convirtieron en diseños geométricos, lineales, composiciones simétricas, contrastes de color y cortes especiales. piedras preciosas, que adquirieron líneas más claras, fueron más comunes los triangulares, trapezoidales y esmeralda.
Al principio, los joyeros utilizaban materiales económicos: esmalte, cromo, vidrio, plástico y preferían los colores brillantes. Sin embargo, la sociedad de posguerra buscó crear a su alrededor la ilusión de lujo y prosperidad. Y, en primer lugar, esto lo podrían hacer las reinas de la pantalla grande de Hollywood. Sus pulseras y collares brillaban con diamantes en las pantallas.
Durante la era Art Déco, el platino se convirtió en un metal de culto; fue este metal noble el que se puso de moda. Y junto con él, ganaron popularidad el oro blanco, la plata, el acero e incluso el aluminio. Además de los metales, los joyeros solían utilizar materiales exóticos: marfil, piel de cocodrilo y tiburón, así como maderas raras. Usamos nácar blanco puro, diamantes blancos y ónix negro...
El mérito del estilo Art Deco es su audaz combinación de piedras preciosas con pedrería en una sola pieza de joyería. perlas naturales– con artificiales.
La técnica de decoración más común fue el esmaltado de metales y el corte inusual. Las formas de joyería en estilo Art Deco son una geometría clara y una simetría estricta, la disposición de elementos con un cierto ritmo de alternancia.
Los motivos principales en el diseño de joyas, además de la geometría, fueron las imágenes y la escenografía del Ballet Ruso de S. Diaghilev, la cultura diferentes paises y épocas: Antiguo Egipto, China, Japón, India, Antigua Grecia, África, objetos de flora y fauna.
Las joyas más pintorescas incluyen un broche con borla, aretes largos, incluidos aretes con borlas que adornaban las cabezas inclinadas de las bellezas, cinturones pesados, pulseras que se usan no solo en la muñeca, sino también en el antebrazo, una diadema (bandeau), decorada con pedrería, perlas, y para algunos, diamantes, un anillo de cóctel, un collar, un collar y pulsera en forma de serpiente, un anillo y pulsera en forma de pantera…
Durante el período Art Déco también se pusieron de moda los preciosos encendedores y boquillas, en los que también se alternaban componentes blancos y negros.
Los relojes de pulsera ganaron una popularidad excepcional, en cuya creación los joyeros demostraron una imaginación extraordinaria. Los relojes tenían una variedad de formas, rica decoración, originalidad y gracia. La caja del reloj y las pulseras estaban decoradas con piedras preciosas.
Uno de los joyeros más famosos de esa época fue Georges Fouquet y su hijo. El joyero parisino Raymond Templier también creó interesantes soluciones artísticas. Un lugar especial en su obra lo ocupan las joyas con estrictos elementos geométricos decorados con esmalte brillante, con un espectacular contraste de color.
La historia de la Casa Cartier ilustra claramente el desarrollo del estilo Art Déco. Los trabajos de joyería de los años 20 y 30 de Louis Cartier demuestran las principales etapas en el desarrollo del nuevo estilo. Inicialmente, Cartier utilizó más círculo o segmento, creyendo que eran estos figuras geometricas Adecuado para joyería de mujer. Luego empezó a usar cuadrados y rectángulos.
El joyero decoró sus joyas con diamantes en combinación con otras piedras y esmalte. Sus piezas de joyería jugaban con colores brillantes y colores exquisitos, por ejemplo, añadía lujosos diamantes a productos hechos de ónix, cristal de roca y jade, coral y nácar. Poco a poco, los joyeros de Cartier abandonaron los colores brillantes y empezaron a utilizar el color blanco. Así surgió el estilo “art deco blanco”.
Las joyas con formas geométricas estrictas en una combinación contrastante de colores blanco y negro (platino blanco y diamantes con ónix negro o esmalte negro) eran magníficas. A partir de este contraste de colores se creó un motivo único, llamado "piel de pantera".
Posteriormente, el motivo se utilizó para crear broches con forma de panteras, así como para decorar adornos para el cabello y relojes de pulsera. Pero, sin embargo, era difícil rechazar por completo los colores brillantes de la esmeralda, los rubíes y los zafiros, incluso en el "art deco blanco". Por eso, a Cartier le encantaba crear broches: "jarrones de frutas". Las joyas multicolores en estilo tutti frutti se hicieron famosas en las joyas de Cartier.
Después del descubrimiento de la tumba de Tutankamón en 1922, surgió el interés por la joyería egipcia; entre las joyas de Cartier se encontraban espectaculares colgantes hechos de placas de jade con diamantes y rubíes, el famoso broche "escarabajo" de cuarzo ahumado, loza decorada con diamantes. .
El brillo y el color en las joyas aumentaron aún más en 1929 y más allá, porque fueron los años en los que se perdió el poder adquisitivo en todos los ámbitos de la vida, y para llamar la atención y sobrevivir en tiempos difíciles, se crearon los objetos de joyería más brillantes. El jade, el topacio, el circón, el coral y la aguamarina se han vuelto populares.
Se puede decir que el estilo Art Deco se formó finalmente a principios de los años 20, y en 1925 recibió el reconocimiento final, por lo que fue en una exposición celebrada en París en 1925 que el estilo recibió su nombre.
La exposición contó con obras de joyería de Fouquet, Templier, Sandoz, Boucheron, Van Cleef, Cartier, Mauboussin y muchos otros joyeros franceses. El éxito de los joyeros fue asombroso. El joyero parisino Georges Mauboussin recibió una medalla de oro por sus joyas Art Déco.
La admiración de los visitantes no tuvo límites. Todos admiraron los collares creados por Mauboussin, en los que diamantes en un marco de platino se alternaban con hermosas perlas, un anillo de jadeíta, colgantes en forma de floreros y fuentes. Después de la exposición, la empresa Mauboussin se hizo famosa.
No sólo las obras de joyería de Cartier y Mauboussin glorificaron el estilo Art Déco; gracias a los joyeros Boucheron, Van Cleef y Arpels, el estilo Art Déco se hizo reconocido internacionalmente como sinónimo de lujo y admiración. En esos años muchas cosas cambiaron en la vida de las personas, se desarrollaron nuevas tecnologías, se buscaron nuevos materiales y se realizaron investigaciones en ciencia y tecnología.
Fue un siglo de logros en todas las esferas de la actividad y la vida humanas. Todo esto se reflejó en las actividades del arte de la joyería. En Van Cleef & Arpels, los joyeros inventaron un nuevo tipo de engaste para piedras preciosas: el engaste invisible. Las piedras se cortaron de tal manera que pudieran instalarse unas cerca de otras, de modo que el metal base quedó completamente cubierto con "pavimento de piedra". Esto hizo posible crear las joyas más excelentes.
En el mercado de la joyería tenían gran demanda los broches con clip de diamantes, los pendientes y las elegantes pulseras con motivos ornamentales claros hechos de piedras preciosas. Se pusieron de moda los broches, borlas y cuentas de piedras naturales. Particularmente populares, gracias a la moda de los cortes de pelo cortos, fueron los pendientes largos en forma de cascada y los grandes pendientes de clip que cubrían el lóbulo de la oreja.
Los historiadores del arte creen que el estilo Art Déco dominó el mundo del arte durante sólo unas dos décadas, desde la Primera Guerra Mundial hasta la Segunda Guerra Mundial. Pero algo más es importante: muchas de las técnicas y logros en la tecnología de la joyería desarrollados durante el Art Deco resultaron ser tan universales que los maestros joyeros sintieron la influencia de este estilo durante mucho tiempo en las generaciones posteriores.
EN moda moderna El estilo Art Déco vuelve a estar de moda. Es elegido por mujeres seguras de sí mismas que prefieren el lujo y al mismo tiempo la moderación aristocrática.
Serguéi Diáguelev
Seasons" de Sergei Diaghilev, los joyeros, al igual que sus colegas artistas (arquitectos y artistas decorativos que trabajaron en el diseño de interiores), finalmente abandonaron las líneas elegantemente curvas y los colores descoloridos del Art Nouveau. En busca de nuevos medios de expresión, recurrieron a formas geométricas claras, con una clara construcción de composiciones simétricas, en las que las piedras preciosas bellamente talladas desempeñaban un papel dominante.
El estilo de las obras que crearon se denominaría posteriormente Art Déco. Combinaba sencillez y lujo, claridad de diseños geométricos y un brillante juego de piedras brillantes. Este estilo, que se formó en Francia a principios de la década de 1920, pronto conquistó los Estados Unidos y luego la mayoría de los países europeos, subordinando a sus principios artísticos casi todos los tipos de artes aplicadas, incluido el vestuario.
La nueva moda cayó completamente bajo el poder de la geometría pura, y el traje de mujer, que en corte parecía una camisa, comenzó a estar definido por estrictas 
constructividad. Han aparecido nuevos nombres entre los creadores de moda. En 1920, la artista de vanguardia Sonia Delaunay abrió un salón de moda en París, decorando sus modelos con brillantes patrones geométricos. En la década de 1930, una nueva estrella brilló en el horizonte de la moda: Coco Chanel, que prestó gran atención a los accesorios de joyería y pronto comenzó a diseñar joyas ella misma. Los nuevos tiempos han dado lugar a un nuevo ideal de mujer. Se volvió independiente e independiente, una socia igualitaria con un hombre. Valientes parisinos
Coco Chanel
Reconocidos creadores de tendencias, poco después de la guerra, primero se cortaron el pelo, luego se acortaron las faldas y se pusieron vestidos sin mangas. Surgió una tendencia de moda original, centrada en figuras mitad de niña y mitad de niño: la llamada moda "garçon". Es cierto que en la década de 1930 la línea de vestimenta se suavizó un poco, la moda de lujo se volvió más femenina y las ideas sobre la belleza se plasmaron en las imágenes de las estrellas de cine de Hollywood. Pero en ambas décadas, el traje femenino abrió amplias posibilidades para la imaginación de los joyeros.
Entre las decoraciones más pintorescas, 
perteneció sin duda al “broche de borla” que adornaba el cuello abierto del vestido de noche; en los baños diurnos, más modestos, fue reemplazado por un collar inusualmente largo de perlas artificiales o cuentas hechas de piedras. Se pusieron de moda los pendientes largos, que decoraban eficazmente cabezas recortadas, cinturones pesados y pulseras, que a menudo se llevaban no sólo en la muñeca, sino también en el antebrazo. Apareció un nuevo tipo de joyería: un broche de dos piezas con cierre de clip; Se utilizaba para fijar truacarts de moda. Los relojes de pulsera adquirieron una popularidad excepcional durante este período; 
Mostró una imaginación asombrosa. Los relojes se distinguían por su variedad de formas, riqueza decorativa y elegancia. El cuerpo y los brazaletes estaban decorados con piedras preciosas.
Los pioneros de una nueva dirección en el arte de la joyería fueron los maestros franceses. Entre ellos se encontraba uno de los joyeros más famosos de París, Georges Fouquet, a quien en la época del Art Nouveau se le llamaba “el segundo después de Lalique”. En una de sus obras más logradas de principios de la década de 1920 
años, en un colgante redondo con colgantes simétricos, todas las características del nuevo estilo ya son visibles: la clara geometría de la forma y la estructura ornamental de la decoración, la audaz mezcla de materiales caros: diamantes, esmeraldas, lapislázuli y cristal de roca. .
Aún más innovadores fueron los experimentos de su hijo Jean Fouquet: creó una serie de joyas completamente diferentes a todo lo que se había hecho antes. Las colecciones de París y Nueva York contienen su broche y pulsera de marfil, compuestos por eslabones redondos de oro amarillo, decorados con pirámides de ónix negro y círculos de Oro blanco. Estas joyas inusuales fueron creadas claramente bajo la influencia de las búsquedas vanguardistas de los pintores de principios de siglo y, sobre todo, de los cubistas. No menos interesantes son los pendientes de platino de otro joyero parisino, Raymond Templier; las ideas del constructivismo se sienten claramente en su construcción. Templier decoró los estrictos elementos geométricos de sus “preciosos diseños” con esmalte brillante o barniz japonés, logrando contrastes de color inusualmente efectivos. Sin embargo, estas obras expresivas y originales de ambos joyeros daban más la impresión de obras de arte "autosuficientes" que de joyas armoniosamente conectadas con el cuerpo humano y su vestimenta. 
Quizás, en este acercamiento al diseño artístico de la joyería, Jean Fouquet y Raymond Templier se adelantaron casi cien años a su tiempo.
En la década de 1920, durante los primeros días de lo que a veces se llamaba “jazz moderno”, los joyeros solían utilizar materiales como esmalte, cromo, vidrio y plástico, y preferían los colores brillantes. Pero muy pronto se dieron cuenta de que la “generación perdida” de la posguerra necesitaba la ilusión de prosperidad, que sólo les proporcionaba el oro, el platino y los productos más bellos. piedras naturales. Muchas personas ya han aprendido por su propia amarga experiencia que es una fuente financiera que salva vidas en tiempos de mama pueden convertirse en joyas; además, han estado privados de ellas durante mucho tiempo.
Los joyeros de la Casa Cartier lo entendieron muy bien y siempre se han comprometido a utilizar las piedras más lujosas en joyería. Incluso antes de la Primera Guerra Mundial, Louis Cartier fue quizás el primero entre los joyeros en percibir las nuevas tendencias en el arte y comenzó a estilizar sus motivos favoritos de varias guirnaldas, dándoles un carácter geométrico. Sus obras de los años 1920-1930 demuestran claramente las principales etapas en el desarrollo del nuevo estilo. 
En la primera etapa, Cartier dio preferencia a composiciones armoniosas y formas simples y claras. Inicialmente se trataba de un círculo o un segmento, ya que creía que eran las formas geométricas más adecuadas para las joyas destinadas a una mujer. Más tarde recurrió a otras formas geométricas: cuadrado, rectángulo y, con menos frecuencia, rombo. Decoraba joyas de silueta sencilla y clara, realizadas en ónix, cristal de roca, jade, coral o nácar, con diamantes y otras piedras preciosas, seleccionando sutilmente sus exquisitos colores.
Pero muy pronto los joyeros de la Casa Cartier abandonaron los colores brillantes e iniciaron el surgimiento del llamado estilo "art déco blanco". Estricto formas geométricas Sus joyas estaban realzadas por combinaciones contrastantes de platino blanco y diamantes con ónix negro o esmalte negro. A partir de este expresivo juego óptico de manchas blancas y negras se creó un motivo único, llamado “piel de pantera”. Este motivo se utilizó en la creación de originales broches en forma de panteras o adornos para el cabello; también se utilizó en el diseño de relojes de pulsera; El período "Art Deco Blanco", quizás, resultó ser no solo el más fructífero en las actividades de la empresa, sino también el más importante para la formación de un nuevo estilo en su conjunto. 
Sin embargo, Louis Cartier, incluso en el “período blanco”, no abandonó el color, fabricando broches con esmeraldas, rubíes y zafiros que reproducían “jarrones de frutas” o “cestos de flores”. Por cierto, el motivo de una cesta con flores era muy típico de la decoración de estilo Art Déco. No solo se acercaron a él joyeros, sino también decoradores de interiores y maestros de otros tipos de artes aplicadas. Así, al ebanista francés más famoso de la época, Emile-Jacques Ruhlmann, le encantaba decorar sus muebles con composiciones de moda en forma de cestas de flores estilizadas.
Las joyas multicolores se hicieron especialmente populares después de la llegada de la moda de las joyas indias. Además, el mercado de la piedra estaba saturado de rubíes, zafiros, esmeraldas, tallados en forma de hojas, flores, bayas o bolas. Al mismo tiempo, aparecieron las famosas joyas de Cartier en el estilo “tutti frutti” que él inventó: eran brillantes composiciones multicolores de piedras preciosas talladas. Después del descubrimiento de la tumba de Tutankamón en 1922 y el posterior aumento del interés en Egipto, la empresa comenzó a producir joyas coloridas, 
hecho en el "estilo egipcio". Entre ellos se encuentran espectaculares colgantes hechos con placas de jade, decorados con diamantes y rubíes, y el famoso broche de escarabajo de cuarzo ahumado con alas de loza azul engastadas con diamantes. Especialmente a menudo, los joyeros comenzaron a crear brillantes. objetos decorativos después de la crisis de 1929: así intentaron, atrayendo la atención de los compradores, sobrevivir a esta época difícil.
Así, la historia de la Casa Cartier ilustra claramente el proceso de formación del estilo Art Deco. Finalmente se formó a principios de la década de 1920 y alcanzó su apogeo a mediados de la década. El momento de su triunfo fue la Exposición de Artes Decorativas e Industria Moderna, celebrada en 1925 en París. En realidad, fue en esta exposición donde el estilo recibió el reconocimiento final, y más tarde su nombre abreviado - "Art Deco" - se convirtió en el nombre del estilo.
La exposición de los joyeros tuvo lugar en el lujoso edificio Grand Palais. Cartier expuso en otro pabellón de la exposición (Elegance), asociandose con los famosos diseñadores de moda de la época: Bort, Lanvin y otros, probablemente para enfatizar una vez más la conexión inextricable entre joyería y vestuario. Las obras de Fouquet, Sandoz, Templier, Boucheron, Cartier, Van Cleef, Mauboussin y otros joyeros franceses presentadas en la exposición fueron la culminación de las búsquedas del período anterior y simbolizaron el nacimiento de la estética de una nueva era. 
El éxito de los joyeros que trabajaban en estilo Art Déco fue fenomenal. El reconocimiento formal del nuevo estilo se puede considerar el hecho de que el premio más alto de la exposición, la Medalla de Oro, fue otorgado al joyero parisino Georges Mauboussin por sus joyas de estilo Art Déco. En ese momento, sus productos ya eran bien conocidos entre los amantes de la joyería. Los collares creados por Mauboussin, en los que diamantes engastados en un marco de platino se alternaban con hermosas perlas y decoraban la parte central, un anillo de jadeíta, se distinguían por su asombrosa belleza y elegancia y eran objeto de deseo de muchas bellezas sociales y estrellas de Hollywood. Sus colgantes en forma de estilizados floreros y fuentes, decorados con esmeraldas talladas, diamantes y esmaltes, se convirtieron en objetos para imitar y copiar. Todas estas decoraciones están realizadas en estilo Art Déco, y fue este estilo el que hizo famoso a Mauboussin. 
Pero el desarrollo del estilo no se detuvo. Nació en la era de la ciencia y la tecnología y estuvo muy influenciado por sus logros. Uno de los joyeros que participaron en la exposición escribió que “el acero pulido, el níquel sin brillo, la sombra y la luz, la mecánica y la geometría: todos estos son objetos de nuestro tiempo. Los vemos y vivimos con ellos todos los días. Somos gente de nuestra época, y esta es la base de todas nuestras creaciones presentes y futuras...” No es de extrañar que para lograr la expresión artística, los joyeros hicieran grandes esfuerzos en la búsqueda de nuevos materiales y el desarrollo de nuevas tecnologías. técnicas.
El mayor éxito lo logró la empresa Van Cleef and Arpels. En 1935, Alfred Van Cleef y Julien Arpels lograron inventar un nuevo tipo de engaste para piedras preciosas: el engaste invisible. Este método de fijación implica el corte de precisión de piedras preciosas duras del mismo color (diamantes, zafiros o rubíes) en las que se mecanizan ranuras, lo que permite insertar las piedras unas cerca de otras y así cubrir completamente el metal con ellas, ocultando la base de oro. . Esta técnica tecnológica permitió a los maestros de Van Cleef y Arpels, y posteriormente a otras empresas, crear una serie de excelentes joyas en estilo Art Déco. Quizás, gracias precisamente a estas joyas, así como a las obras de Cartier, Boucheron, Mauboussin y otros joyeros, el estilo Art Deco se ha vuelto internacionalmente reconocido como sinónimo de lujo y espectacularidad única. 
Ya en la década de 1930, el estilo Art Deco comenzó a determinar el diseño artístico no solo de joyas únicas hechas con piedras costosas; en este estilo, en muchos países de Europa y América, se crearon cosas menos costosas, destinadas a un público bastante amplio. gama de compradores. En el mercado de la joyería tenían demanda los broches con clip de diamantes y los sautoirs, y especialmente las pulseras elegantes, en las que los diamantes de tamaño mediano enfatizaban las líneas claras de los patrones ornamentales planos. Se hicieron decoraciones similares en grandes cantidades En muchas empresas de joyería no es casualidad que hoy en día se puedan ver en cualquier gran tienda de antigüedades o encontrarse en un catálogo de subastas. 
En general, se acepta que el estilo Art Déco dominó el mundo del arte durante poco más de dos décadas, desde el final de la Primera Guerra Mundial hasta el comienzo de la Segunda. Sin embargo, la estructura figurativa y las técnicas desarrolladas por los maestros del Art Deco resultaron ser tan viables y universales que su influencia se sintió en los joyeros de todas las generaciones posteriores. Y aquí radica el asombroso fenómeno del Art Déco.
La ropa con estilo es la encarnación del encanto, el lujo y la originalidad. Los trajes Art Deco no pueden clasificarse como ropa casual. Estos modelos son más adecuados para un evento importante. Después de todo, cada artículo de este estilo es único y tiene su propia idea de diseño.
La ropa de estilo Art Deco es la encarnación de la belleza, el encanto y la originalidad.
Este conjunto parece brillante e incluso provocativo, pero al mismo tiempo, el estilo art deco en la ropa no acepta ninguna vulgaridad, ¡solo elegancia en toda su gracia y sofisticación!
Encanto Art Déco en la ropa
Una mujer con esta imagen puede ser lujosa, pero juguetona, indefensa, pero coqueta.
El estilo Art Deco en la ropa se caracteriza por su sobriedad y sofisticación.
Este estilo audaz e inusualmente multifacético combinaba cosas aparentemente absolutamente incompatibles. Impacto y moderación, exceso y sofisticación: esta es su descripción.
El estilo Art Deco es la elección de los verdaderos gourmets de la moda.
Líneas rectas y sinuosas, suavidad y contraste, excesos burgueses y sencillez de motivos étnicos son las características de este estilo.
Las aberturas y los recortes, los hombros y la espalda abiertos, los toques translúcidos en forma de gasa fluida o el encaje exquisito en un vestido de noche ayudarán a demostrar un cuerpo hermoso.
Precisamente por la noche, porque el art déco no se puede clasificar como ropa informal, como unos vaqueros o un jersey, que se llevan para ir a la tienda a comprar pan. Estos conjuntos están destinados a ir a la ópera o al teatro y, en su forma pura, el art déco se puede encontrar con mayor frecuencia en fiestas especiales organizadas al estilo de los años 20.
Art Déco: estilo retro de los años 20
Regreso triunfante
Casi cien años después, el espectacular y lujoso estilo Art Deco apareció por primera vez en la alfombra roja. Iconos de estilo y bellezas reconocidas como Nicole Kidman, Christina Aguilera, Heidi Klum lo eligieron para enfatizar la individualidad y el brillo de su propia imagen.
Y después de la aparición de "El gran Gatsby" en las pantallas, estos atuendos migraron al guardarropa de muchas mujeres modernas que no tienen nada que ver con el arte.
Ostentación, glamour, esplendor, riqueza y ropa elegante: una nueva interpretación de la exuberancia de El gran Gatsby
Desde hace varias temporadas seguidas, esta tendencia en la confección va ganando impulso. Fue presentado en sus colecciones de moda por Stefan Rolland, Albert Ferretti, Ralph Lauren, Roberto Cavalli y otros diseñadores famosos. Este estilo se reconoce fácilmente por sus siluetas rectas, grandes adornos llamativos y colores contrastantes. Los simples mortales pueden inspirarse en películas antiguas, en las que reina una increíble atmósfera art déco.
Orígenes del estilo
Surgió en los años veinte del siglo pasado. Fue una época difícil y al mismo tiempo brillante. Acaba de terminar Guerra Mundial. La gente, después de penurias y penurias, volvió a la vida normal.
Querían compensar de alguna manera lo que habían perdido. Quizás fue precisamente este deseo de celebración lo que llevó al surgimiento de un estilo particularmente teatral, pretencioso e incluso pomposo.
Los años 20 supusieron un punto de inflexión en la historia de la moda mundial.
La emancipación también jugó un cierto papel en la formación del Art Deco. Las mujeres buscaban ser iguales a los hombres en todo: conducían coches, fumaban y se cortaban el pelo largo. Las formas curvas son cosa del pasado. mujer moderna debería haber parecido un niño: baja, delgada, con caderas estrechas y senos pequeños.
La moda de los años 20 era la combinación perfecta de estilo y funcionalidad.
En consecuencia, el corte del vestido no tiene cintura pronunciada ni ningún otro atisbo de feminidad. Pero para compensar la severidad de la silueta, apareció una decoración que llamaba la atención por su diversidad y riqueza.
Características
El estilo Art Deco es siempre sofisticación y cierta teatralidad, impracticabilidad y lujo. Combina modernidad, etnicidad y clasicismo. En la ropa se pueden ver imágenes de pavos reales y dragones, blanqueadas. rostros femeninos y cisnes: todo lo que no encontrarás en lo normal, La vida cotidiana.
Los vestidos Art Deco son una auténtica obra de arte.
Este estilo es exigente en todo: el vestido es solo recto, los zapatos son de salón.
Vestido recto clásico en estilo art deco.
Los pantalones no son recomendables, pero si realmente quieres usarlos, asegúrate de tener pantalones acampanados o absolutamente rectos.
La ropa de estilo Art Deco se encuentra cada vez más en las colecciones modernas.
Pero el abrigo debe tener una forma inusual y debe llegar hasta la palma de la mano por encima de las rodillas.
El vestido es la base del estilo.
Es él quien recibe la atención principal. Este es siempre el elemento central de la imagen, que se complementa con los accesorios adecuados.
Vestido de noche estilo retro
Rasgos distintivos del vestido de estilo Art Deco:
- El estilo es extremadamente simple y se asemeja a un rectángulo; en casos extremos, se permite un ligero ajuste. Sin faldas amplias.
- Las piezas son más grandes de lo habitual. Si hay bolsillos, entonces son grandes, si hay cuello, entonces son lujosos.
- La longitud es tradicionalmente ligeramente por debajo de la rodilla, pero en las variaciones modernas puede llegar fácilmente por encima de las rodillas. Un vestido de noche suele caer al suelo.
- Las mangas suelen estar ausentes, aunque hay excepciones.
- La espalda suele estar abierta.
- Escotes de diferentes profundidades, la mayoría de las veces profundos.
- La decoración siempre es rica: lentejuelas, flores, bordados, encajes, cuentas, piedras, etc.
- Los patrones suelen ser geométricos o abstractos. A veces los hay florales.
Pieles, destellos, elegancia: todo esto es estilo art deco.
Telas
Muy a menudo, al crear ropa con este estilo, los diseñadores utilizan materiales nobles como la seda, el terciopelo, el satén y la gasa. Aunque en la pasarela de la moda, además de las tradicionales telas elegantes, se pueden ver otras más simples: batista, lino, algodón. Pero en cualquier caso el tejido debe ser natural.
Los vestidos Art Deco son la encarnación del encanto y el lujo.
Colores
El estilo art deco moderno permite cualquier color. Todo depende de la impresión que quieran dar. Los diseñadores suelen optar por elegantes tejidos lisos, introduciendo un elemento asimétrico inesperado y también bastante brillante en forma de una flor grande, un cuello de forma inesperada o cortinas interesantes.
Un vestido francamente femenino y seductor de estilo art déco.
No menos populares en el mundo de la moda moderna son varios motivos étnicos y patrones geométricos: claros y muy elegantes. La influencia del cine también tuvo cierta repercusión. En los últimos años, las combinaciones contrastantes, especialmente blanco y negro, o el fatal negro, blanco y rojo, han tenido una gran demanda. También están de moda los colores oro, plata y platino.
El estilo Art Deco inspira a los diseñadores a proponer nuevas ideas y a los amantes de la moda a experimentar con la ropa.
Refinamiento
Los elementos decorativos brillantes son un atributo indispensable de este estilo. Como decoración se utiliza todo lo brillante, pegadizo y brillante: pedrería, destellos, abalorios, etc. Pero al mismo tiempo, una mujer no debe parecerse a un loro ni a un árbol de Navidad. Por el contrario, las adiciones están diseñadas para crear una impresión de sofisticación y sofisticación.
El estilo Art Deco en la ropa es una de las tendencias vintage y es muy popular hoy en día.
Una imagen correctamente diseñada en estilo art deco siempre parece cara e impresionante. Por lo tanto, sólo se seleccionan materiales de la más alta calidad. Precioso y piedras semi preciosas, perlas naturales, encaje salir adelante por sí mismo. La piel auténtica puede ser una excelente adición.
Decoraciones
Cuanto más refinados sean, mejor. La cantidad también puede ser ilimitada: varias vueltas de perlas naturales, pendientes bastante largos, muchas pulseras anchas.
El estilo principal en las joyas modernas es el estilo art deco, que se distingue por su sencillez y, al mismo tiempo, lujo.
Esto es especialmente cierto cuando el vestido en sí no se complementa con elementos decorativos. Broches de todas las formas y tamaños, collares y anillos enormes también quedarán geniales.
Art Deco se diferencia de otros tipos de joyería por su clara variedad de líneas y su brillante juego de piedras preciosas.
Bolsa
Una mujer Art Déco sólo puede tener en sus manos un elegante bolso o clutch o un abanico hecho de plumas reales. Aquí no hay bolsos grandes, maletines de negocios ni mochilas voluminosas. Hoy en día, los bolsos y clutches en miniatura bordados con abalorios están a la altura de la moda. Sería bueno que las manos que sostienen dicho bolso llevaran guantes decorativos. Los diseñadores recomiendan encarecidamente esta exquisita opción.
Tocado
En el art déco, el tocado juega un papel especial. Quizás porque durante el nacimiento de este estilo, todas las mujeres llevaban sombrero. Indudablemente tarjeta de visita estilo es el sombrero cloche, cuya forma lacónica y al mismo tiempo increíblemente femenina recuerda a una flor de campana. La simplicidad externa de este sombrero se compensa con la decoración: cuentas, plumas, flores de tela. También se puede decorar con un velo de malla que cubra la mitad del rostro. Una buena opción es una boina o un bombín, si te gusta más esta opción.
La tendencia es una variedad de diademas y vinchas, pero hay que decorarlas según el estilo.
Una diadema art déco acentúa el look.
Cabello y maquillaje
La mayoría de los peinados modernos no son adecuados para el art déco. No acepta el pelo despeinado y el flequillo desgarrado. Las formas complejas y los volúmenes aumentados tampoco son para él. Simple Corte de pelo corto u ondas limpias son las características de este estilo complejo. Pelo largo Lo mejor es sujetarlo con alfileres y esconderlo debajo de un sombrero. Puedes asegurarlos con una malla fina.
Imagen armoniosa en estilo art déco
El maquillaje se basa en un juego de contrastes: piel blanca, sombras plateadas, grises o incluso negras, lápiz labial brillante en color rojo intenso o burdeos completarán la imagen fatal de la "playgirl" de la era Art Nouveau.
El maquillaje Art Deco está diseñado para completar a la perfección el look.
Zapatos
Sin botas, ¡solo zapatos! Como último recurso, sandalias. Anteriormente, se imponían requisitos especialmente estrictos al calzado. Básicamente, se trataba de simples zapatos de tacón sin decoración ni detalles innecesarios.
Zapatos de tacón para un look Art Déco
La moda moderna es más liberal. Los diseñadores famosos juegan hábilmente con la forma original del zapato, completándolo con púas, cierres creativos o colores.
Sandalias de diseño originales en estilo art déco.
La condición principal para cualquier zapato art deco es la presencia de un tacón. Además de los zapatos clásicos, en verano pueden ser sandalias con tiras finas y, en la estación fría, botines.
Nuevo sonido
Por supuesto, en la vida cotidiana no es frecuente ver este estilo retro en su forma pura. Su elegancia, brillo y belleza son más adecuados para eventos de entretenimiento nocturno. Pero esto no significa que el art déco sólo sea apropiado para bailes. Me gustó el corte sencillo de sus vestidos. moda callejera, sobre todo porque la cintura se ha desplazado hacia abajo o la ausencia de ella como tal, levanta y adelgaza inusualmente la silueta femenina. Este estilo retro complejo y sorprendentemente multifacético ha inspirado a muchos diseñadores modernos a crear modelos que parecerían lejos del art deco: vestidos de verano, monos, túnicas, cuyo corte se asemeja a un rectángulo. Sólo el número ha disminuido. detalles brillantes Y los patrones geométricos, por el contrario, lucen frescos y modernos.A menudo se encuentran tanto en looks festivos como cotidianos. Lo principal es recordar que el art deco es siempre la encarnación de la belleza, el encanto y la originalidad.
A principios del siglo XX, alrededor de los años 20, la sociedad abandonó gradualmente el extrovertido estilo Art Nouveau con sus líneas retorcidas y sus colores descoloridos. El Art Nouveau tardío, llamado "moderno", se complace con el fortalecimiento del geometrismo. En lugar de alas de hadas, los joyeros empezaron a representar alas de avión. La búsqueda de estilo se vio interrumpida durante dos años por la Primera Guerra Mundial, pero el período entre las dos guerras mundiales pertenece enteramente al estilo Art Déco. Aquellos que quieran familiarizarse con este estilo pueden ver la película "El gran Gatsby".
En la década de 1920 apareció la moda “garçon”, cuando las elegantes parisinas se cortaban el pelo, acortaban las faldas y abandonaban las mangas. En lugar de un lujoso "broche-borla" de noche, durante el día llevaban perlas artificiales en forma de hilo interminable o cuentas de piedras. Se pusieron de moda cinturones pesados y pulseras en muñecas y antebrazos. Una novedad fue un broche de dos partes, asegurado con un cierre de clip, que se utilizaba para sujetar abrigos cortos de moda con mangas de tres cuartos: "troucars".
Los relojes de pulsera, que en aquella época sustituyeron a los habituales con cadena, empezaron a utilizarse y causaron sensación. Se produjeron en una variedad de formas y estaban rica y elegantemente decoradas.
Así, el estilo Art Deco surgió en Francia y luego se estableció en toda Europa y Estados Unidos (la ortografía Art Deco en la versión rusa no es del todo correcta, ya que en Art Deco la letra t no es legible).
Estilo Art Deco en joyería.
Durante el período del constructivismo, la tecnocracia se convirtió en la verdadera musa de los joyeros, lo que determinó las características principales de la joyería de esa época: ángulos y líneas rectas, formas geométricas, círculos, colores abiertos "tipográficos". El estilo Art Deco tenía una tarea muy específica: entre las dos guerras mundiales, crear un mito sobre cuán lujosamente vivía la "generación perdida". 
En 1922 se abrió la tumba de Tutankamón, lo que despertó el interés en Egipto. Cartier abrió una línea de joyería de estilo egipcio. Se trataba de colgantes de jade con diamantes y rubíes, hechos de escarabajos de cuarzo ahumado, cuyas alas estaban cubiertas de loza azul.
En la era del Art Déco surgieron el postimpresionismo, el surrealismo y el expresionismo; los gustos de la gente fueron moldeados por las temporadas de Diaghilev en París. Todo esto se sumó al espectáculo del surgimiento de nuevas tecnologías. Hijo del famoso joyero y artista Georges Fouquet en la anterior época del Art Nouveau, Jean Fouquet creó sus obras en un estilo diferente de todos y de todo. Sus obras (brazaletes y broches de marfil conservados en colecciones de Nueva York y París) no se parecen a nada. Esto es cubismo puro, un motivo de la vanguardia de principios del siglo XX. 
Otro joyero de París, Raymond Templier, produjo originales "rascacielos": aretes de platino con la manifestación de ideas constructivistas. Templier decoró los elementos geométricos de sus “preciosos diseños” con barniz japonés o esmalte brillante. Los joyeros Jean Fouquet y Raymond Templier pueden considerarse verdaderos “invitados del futuro”.
Casa de joyería Cartier, que tomó como base el Art Deco
En las décadas de 1920 y 1930, la Casa Cartier produjo productos que mostraban claramente el surgimiento de un nuevo estilo. En primer lugar, Cartier empezó a utilizar formas y composiciones simples en forma de círculos y segmentos, que consideraba las más “femeninas”. Luego dominó otras figuras. Sus joyas, de cristal de roca, nácar, jade y ónix, de siluetas claras y sencillas, estaban decoradas con diamantes y otras piedras preciosas con una cuidada selección de colores.
Pero luego los artesanos que trabajaron en la Casa Cartier dominaron el “art déco blanco”, combinando diamantes y platino blanco con esmalte negro y ónix negro. Así, de las manchas blancas y negras nació un motivo especial de “piel de pantera”, que también se utilizó para crear relojes de pulsera. Gracias al "art déco blanco" no sólo se enriqueció la empresa, sino que también se formó un estilo completamente nuevo.
En aquella época, sobre un fondo de color se fabricaban broches en forma de cestas con flores o jarrones con frutas, ensamblados con zafiros, rubíes y esmeraldas. El motivo de una cesta llena de flores era muy característico de la joyería Art Déco.
En 1925 se celebró en París una exposición de industria moderna y artes decorativas que se convirtió en un verdadero triunfo para la Casa Cartier. Los joyeros franceses Sandoz, Fouquet, Van Cleef, Despres, Mauboussin y otros mostraron cómo nace la estética de la nueva era. El joyero parisino Georges Mauboussin, ya muy conocido en la alta sociedad, recibió una medalla de oro.
Era Art Deco y tecnología de joyería.
Alfred Van Cleef y Julien Arpels inventaron un engaste invisible para piedras preciosas en 1935. Se cortaron ranuras en rubíes, zafiros y diamantes, las piedras encajaron perfectamente entre sí y el metal quedó completamente cubierto. Gracias a este nuevo producto, la empresa Van Cleef and Arpels, y después el resto, comenzaron a crear verdaderas obras maestras en estilo Art Deco.
En la década de 1930, las joyas Art Déco se habían generalizado a medida que tanto los países europeos como Estados Unidos comenzaron a crear artículos accesibles a una amplia gama de compradores. Se trataba de broches con clip hechos de diamantes, sautoirs (del francés “porter en sautoire” - para llevar sobre el hombro) y pulseras, donde pequeños diamantes enfatizaban las líneas ornamentales de patrones planos claros. Hoy en día todavía se pueden encontrar muchas joyas similares en tiendas de antigüedades.
En todo el mundo, el período de predominio del estilo Art Déco duró entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. Pero su estructura figurativa y las técnicas utilizadas resultaron ser tan universales que todavía lucen brillantes y modernas hasta el día de hoy.
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Origen:
1.f Francia (Art Déco. 1925, 1966)
2. Estados Unidos (estilo Hollywood, Nueva York gley 1930, 1960,1980)
3. URSS (constructivismo 1920-30 y estilo Imperio de Stalin 1935-55)
Principales características:
1. La forma debe seguir a la función. La imagen de la cosa se hace a partir del objetivo.
2. Formas geométricas escalonadas o lineales. Proyecciones planas.
3. Formas geométricas básicas: triángulo, elipse, rombo, zigzag, rosa de los vientos.
4. Colores brillantes y contrastantes.
5. Composición dinámica o elementos en movimiento
6. Bordes y contornos claros, esquinas redondeadas.
7. Materiales caros: marfil, bronce, piedra pulida.
8. Materiales para producción en masa: cromo, vidrio, baquelita.
Características principales:
1. El estilo glorificaba una vida dinámica y próspera: viajes, deportes, complejos turísticos, productos sofisticados para la velocidad, un nuevo tipo de mujer.
2. Reflexión a través del arte del nuevo entorno industrial del hombre. Transformaciones del entorno material y visual de una persona bajo la presión de cambios técnicos y sociales sin precedentes.
3. Motivos éticos: arte egipcio y azteca antiguo, bordado ruso, estampado popular.
Símbolos o constantes de estilo:
1. Coche, tren, barco de vapor, rascacielos, fuente.
2. Velocidad, movimiento.
Como nuevo estilo Arte deco surgió por primera vez en Francia y dominó claramente 1918-1939 ggg. V Alemania, Unión Soviética Y EE.UU. Se caracteriza por una combinación de formas monumentales ponderadas con una decoración sofisticada; una combinación de elementos del cubismo y el expresionismo; el uso de formas expresivas del “diseño técnico”.
El impulso para el rápido desarrollo de este estilo fue Exposición de París 1925 ciudad, donde se mostraron los últimos avances en el campo de la arquitectura, diseño de interiores, muebles, productos metálicos, vidrio y cerámica. A Cuando la Exposición de París cerró sus puertas en octubre de 1925 y se desmantelaron los pabellones, el mundo estaba preparado para que se afianzara un estilo nuevo y claramente definido.
Eclecticismo Arte deco La exposición de 1925 mostró el entrelazamiento de las distintas raíces de este estilo, que debe su origen tanto al cubismo como a la moda de lo exótico, así como a las artes decorativas modernas de Austria, Alemania, Holanda, Italia, Checoslovaquia, los países escandinavos y La propia Francia. un nuevo estilo desarrolló su propio lenguaje decorativo, que continuó expandiéndose y mejorando en todos los rincones del planeta, convirtiéndose el lenguaje en símbolo de dinámica y escala. mundo moderno. Arte deco Estaba listo para convertirse en una expresión de modernidad, es decir, un estilo que estaba destinado en un futuro próximo a comenzar a desempeñar un papel importante en muchas áreas importantes de producción en todo el mundo occidental.
Comenzando como una innovación ligera y elegante inspirada en el ballet " estaciones rusas", Arte deco Pronto evolucionó hasta convertirse en la personificación de la asombrosa simplicidad y la naturaleza intransigente de la vida en la era de las máquinas. Representantes de todos los campos de las bellas artes y las artes decorativas modernas buscaban una manera de expresar la velocidad y la presión con la que los automóviles, los trenes, los aviones, la radio y la electricidad estaban cambiando el mundo existente; intentaron encontrar colores y formas que fueran más simples, más distintos y más fuertes que los utilizados antes. Arte deco moldeó la forma de vida de la gente en el período de entreguerrass años, su forma de vestir y hablar, viajar, trabajar y relajarse. Dominó la industria del entretenimiento y las artes: su espíritu se puede sentir en cines, edificios de apartamentos, rascacielos, composiciones interiores y diseños de joyas preciosas, en el diseño de utensilios de cocina y farolas, en esculturas y carteles, en ilustraciones de libros y revistas, en tejidos, cuadros, en edificios públicos.
En general, el estilo puede verse como la última etapa en el desarrollo del arte durante el período Art Nouveau, o como un estilo de transición del Art Nouveau al funcionalismo de posguerra, el diseño de "estilo internacional".El estilo Art Déco ha demostrado repetidamente su atractivo imperecedero, y aún hoy sigue siendo el medio más eficaz para demostrar elegancia y lujo.
A los visitantes de la exposición de 1925 se les prometió un gran espectáculo. Era a la vez un parque temático y una feria comercial: la exposición ocupaba una gran superficie en el centro de la ciudad, a ambas orillas del Sena. La orilla derecha del río quedó reservada a pabellones de países extranjeros, y Maurice Dufresne transformó el puente Alejandro III en un puente veneciano con dos hileras de tiendas. Algunos de los pabellones franceses estaban dedicados a los grandes almacenes, salones y grandes fábricas estatales parisinas.
Primera Exposición. Nombre Arte deco deriva del nombre de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales y literalmente significa "artes decorativas". Según el plan original, esta exposición debía celebrarse en 1916. Sin embargo, debido a las dificultades económicas del período de posguerra, se pospuso repetidamente y países como Alemania y Holanda. Estados Unidos recibió la invitación demasiado tarde y no (?) se preparó adecuadamente.
Las condiciones de participación en la exposición incluían una cláusula según la cual las piezas expuestas debían encarnar la encarnación de algo nuevo en el arte y no tener ninguna conexión con estilos previamente comunes. Los organizadores querían llamar la atención y restaurar la imagen de Francia como pionera en moda y estilo, principal fuente de artículos de lujo. El mensaje principal era un llamado a producir cosas originales, a crear un concepto que correspondiera a la creciente industrialización.“Enormes fuentes de cristal juegan entre árboles cubistas de tamaño natural, y cascadas de sonidos musicales caen en cascada por los callejones desde las vertiginosas cimas de cuatro torres gigantes. Entra en los pabellones y... verás muebles de formas asombrosas y nunca antes vistas, decoración con patrones inimaginables en las paredes, pisos y techos”.
Veintidós pabellones extranjeros constituyeron una parte relativamente pequeña de la exposición en comparación con la proporción predominante de Francia; sin embargo, su diversidad indica la ausencia de un estilo dominante. Los estilos de la exposición iban desde el constructivismo radical del pabellón soviético hasta la exposición conservadora pseudoeclesiástica inglesa.
Y, sin embargo, algunos rasgos estilísticos que aparecieron claramente en la exposición de 1925 fueron posteriormente etiquetados como Art Déco. Se trata, en primer lugar, de tendencias que sirvieron de base para la definición internacional del estilo. En este sentido, las formas pesadas y redondeadas de los muebles de lujo son típicas Rühlmann, dibujo estilizado de tapicería de muebles. Luis Xu Y André Mara, cascadas de vidrio René Lalique, así como conjuntos Paul Follot y Maurice Dufresne, que se caracterizan por la sencillez de las curvas de la madera contrachapada, una iluminación inusual, patrones en zigzag y muebles con ángulos rectos. Había una cierta unidad en todo, especialmente evidente, al parecer, para aquellos que estaban irritados por ello. Un crítico estadounidense se quejó: “La aburrida alternancia de ángulos, cubos, octaedros, cuadrados y rectángulos crea un ambiente no tanto de rebelión como de diversión”. Pero fue precisamente a través del desarrollo y adaptación de estas formas que se produjo la popularización e internacionalización del Art Déco. Fueron ellos quienes determinaron la diversidad del vocabulario del "último de los estilos totales".
Primer uso del nombre:
El nombre en sí, art déco, apareció en 1966 GRAMO. Fue entonces cuando en París, en el Museo de Artes Decorativas, se creó una exposición de obras de artes aplicadas de los años 20 y 30, creadas a partir de “estructuras expresivas que contenían un espacio dinámico en un volumen de masa cerrado” *. Antes de esto, el Art Deco se llamaba "jazz moderno", "moderno simplificado (simplificado)", "moderno en zigzag" y, en los EE. UU., "estilo estrella" (es decir, estrellas de Hollywood que vestían ropa Art Deco y vivían en casas Art Deco). arquitectura dotada de mobiliario y utensilios adecuados).
Arte deco a menudo llamado el último gran estilo. Lo más probable es que sea sólo una frase bonita. Estamos de acuerdo en que Arte deco-gran estilo, pero no el último. En nuestra opinión, un estilo implementado (impreso) en arquitectura ya tiene todo el derecho a ser llamado un gran estilo, y cada dirección se convierte en un estilo cuando se le desarrolla un antiestilo. Arte deco“notado” en todo tipo de actividad creativa humana, desde artículos utilitarios para el hogar hasta pintura y arquitectura.
Formación de estilo:
Los críticos de arte encuentran fácilmente en las obras. Arte deco tomando prestado de Art Nouveau, cubismo, abstraccionismo, futurismo, las artes del antiguo Egipto, África, Japón... Pero cada componente de este “cóctel” fue relevante para las personas de los años 20, que sobrevivieron a la guerra más terrible, se dieron cuenta de que no habría regreso al viejo mundo y vieron que el mundo era mucho más grande y diverso de lo que les parecía antes. El siglo XX es el comienzo de la formación de ese paradigma de desarrollo socioeconómico, que más tarde, en los años 50, recibirá el expresivo nombre: "sociedad de consumo" El deseo de europeos y estadounidenses por la estetización de la vida cotidiana, la comodidad, la introducción activa de nuevas tecnologías en la vida de las personas, la transición a la categoría. producción en serie esos artefactos que hace diez años pertenecieron a Artículos de lujo(Por ejemplo, auto) - todo esto requirió un dominio artístico adecuado de las nuevas realidades técnicas y humanas.
Al fusionarse, todas estas innovaciones dieron origen a un arte en el que dominaban simultáneamente dos tendencias que, a primera vista, eran mutuamente excluyentes. Por un lado, construcciones “energéticas” en forma de zigzags, relámpagos, destellos de luz, triángulos, rombos, elipses alargadas, todo lo que contribuyó a reflejar la sensación. velocidad de movimiento, energía, presión. Parecía que alrededor de algunas obras Arte deco“el viento silba”. Por otro lado, todas estas disonancias se combinaban paradójicamente con un énfasis. elegancia, sencillez con la aristocracia.
Arte deco Puso el hedonismo y la inseparable comodidad de la vida cotidiana en el centro de su concepto. Y para ello, las cosas que rodean a una persona primero deben ser funcional, es decir. la mejor manera adaptados para realizar sus tareas pragmáticas. Forma en primer lugar, debe corresponder funciones y, en segundo lugar, reflejan la característica principal del mundo moderno: la rapidez cambios, su novedad Está dentro del marco Arte deco Por primera vez aparecieron muebles elegantes hechos de tubos metálicos huecos similares al manillar de una bicicleta. joyas de aluminio, elementos interiores de acero soldado, luz de neón.
Implementación en arquitectura.
Caos, complejidad y policromía moderna tarde o temprano debe ser reemplazado. CON Arte deco llegó a la arquitectura claridad, sostenibilidad, clasicismo y sencillez visual. Orden, color, geometría.- Manifiesto Art Déco. El Art Deco, como el Art Nouveau, es un estilo internacional que se manifestó en América, Europa y Asia; el naciente Art Deco toma prestados algunos principios del Art Nouveau. Por lo demás, estas corrientes son bastante diferentes.
En primer lugar, vuelve el lugar de la asimetría y el desorden poético. eje de simetria y geometría, la gente quería tierra bajo sus pies. un nuevo estilo geométrico, ordenado, calculador- siempre, hasta el adorno. La simetría en Art Deco es preferible, pero a veces puede no existir, pero debe haber un equilibrio de masas en la composición. En Art Deco, a la vanguardia - rapidez de la línea. Es especialmente visible en los rascacielos de Estados Unidos.
En los EE.UU. en 30's años Arte deco pasó a funcionalismo elegante. Ejemplos clásicos de arquitectura. Arte deco Son los rascacielos de Nueva York. En Manhattan hay alrededor 150 rascacielos relacionado con este estilo.
Edificio Chrysler de Estados Unidos
A medida que los autos se vuelven brillantes, Arte deco Le encantan los brillos, las superficies reflectantes y, por supuesto, el metal y sus imitaciones. Al mismo tiempo, el material no cambia visualmente y, a diferencia del moderno, si es metal, es estrictamente geométrico.
El ejemplo más llamativo es tradicionalmente considerado el famoso rascacielos. Edificio Chrysler g (edificio Chrysler). La parte superior del edificio está decorada con una aguja de acero inoxidable de 38 metros del edificio Chrysler: la participación activa del metal y la sensación de un cohete. Construido por el arquitecto William van Alen y abierto al público el 27 de mayo de 1930. Esta majestuosa estructura sorprende no solo por su tamaño, sino también por su elegancia.
Detrás de la sencillez exterior del edificio se esconde una compleja decoración interior hecha de materiales caros. Art Deco utiliza elementos de adornos antiguos, pero no son copias exactas, sino cosas reinterpretadas. Los adornos no son sólo griegos o romanos: son de Egipto, Mesopotamia y África. Para Arte deco"lujo" no es sólo materiales caros, pero también riqueza visual: colores brillantes y ricos. Normalmente se utilizan más de 3 colores y luce increíblemente cohesivo e inesperadamente hermoso. Sobre el fondo de un tablero de ajedrez que contrasta el blanco y el negro, se destacan elementos interiores cromados y toques brillantes de rojo y oro.
arquitectos americanos de la época Arte deco fueron intencionales tacaño y racional en diseño exterior edificios, pero antieconómico y creativo en su diseño. interiores: entradas, vestíbulos, pasillos, ascensores y vestíbulos y, por supuesto, apartamentos, habitaciones de hotel y oficinas, gastando importantes cantidades de dinero en ello, utilizando materiales caros y tecnologías modernas, así como imaginación creativa y habilidad artística.
Otros rascacielos en América:
Tenga en cuenta que muchos edificios de estilo Arte deco de alguna manera recordar Pirámides egipcias. En 1922, todo el mundo occidental quedó conmocionado por el descubrimiento de la tumba de Tutankamón. Aparentemente, esta es la razón por la cual la fascinación general por los motivos arquitectónicos del Antiguo Egipto (pirámides), Mesopotamia (zigurats) era característica de la arquitectura. Arte deco. A menudo, los principales elementos arquitectónicos de una casa sólo se pueden notar manteniendo la cabeza en alto. El edificio Chrysler, el Rockefeller Center y el Empire State aparecen en todo su esplendor sólo desde una distancia respetuosa. La fachada de un edificio de gran altura puede parecer simple y sin pretensiones hasta el piso 20 o incluso el 30, y encima estará rica e intrincadamente decorada.
1. Edificio de radiadores de Manhattan. NUEVA YORK. 2.Edificio Niagara Mohawk, construido para la compañía de energía eléctrica más grande de Estados Unidos.
Asia, China, Shanghái.
El símbolo de Shanghai es el Bund. El Bund es quizás una de las atracciones menos chinas de China. Érase una vez aquí una zona para extranjeros. Sólo a los residentes de otros estados se les permitía vivir, alquilar y comprar tierras y bienes inmuebles en este lado del Huangpu. Así, el terraplén se convirtió durante algún tiempo en un pequeño oasis de vida occidental en un país asiático. Más tarde, el Bund se llenó de shanghaineses y residentes de otras ciudades cercanas, y como recuerdo de los antiguos colonos, aquí quedaron casas, monumentos y otros edificios diversos... Hoy en día, el Bund alberga más de 50 edificios construidos en un variedad de estilos arquitectónicos: clasicismo, Barroco, Art Déco, Gótico, Beaux-Arts, Romanticismo, Renacimiento... Gracias a esto, el lugar recibió apodos tan halagadores como “el museo de arquitectura mundial” o “la feria de arquitectura de los diez mil estados”.
Al este del Bund, el terraplén de Shanghai, se alzan rascacielos hacia el cielo. Pudong del este de Manhattan; algunos de ellos no se conocen a sí mismos igual en altura en el mundo y sobre la arquitectura moderna. El Shanghai World Financial Center es un rascacielos en Shanghai cuya construcción se completó en el verano de 2008. La altura del centro es de 492 metros.
Singapur
Hotel Parkview Square (2002).
El hotel se llama cariñosamente Gotham Building. El estilo de Batman refleja la esencia del Art Deco
S S S R Al constructivismo a menudo se le llama el análogo doméstico del Art Deco. El espacio social de los artistas de Occidente y de la Rusia soviética era diferente, pero el tiempo histórico era el mismo, lo que lleva a los creativos a decisiones artísticas muy similares, a veces al borde de la coincidencia directa. (foto del edificio Pano Chrysler y el edificio soviético) Rascacielos estalinistas
Entre las estaciones de metro de Moscú, los ejemplos más llamativos son la estación Kropotkinskaya (originalmente el Palacio de los Soviéticos), Sokol, Aeroport, pero la estación más Art Deco es "Mayakovskaya", con matices de mosaico, diseñado por el arquitecto Alexei Nikolaevich Dushkin y recibió el Gran Premio en la Exposición Mundial de 1939 en Nueva York. Los paneles de mosaico montados en cúpulas de cajones están hechos según los bocetos del artista Alexander Deineka sobre el tema "Días diarios del país de los soviéticos": mañana (7 paneles) - día (8) - noche (5) - mañana (15 ). Se suponía que los pasajeros que entraran y salieran serían "bienvenidos" por las historias matutinas. Todos los paneles representan la vida de los ciudadanos del joven país soviético. El último gran proyecto relacionado con el estilo Art Deco en la URSS fue la primera etapa del Metro de Leningrado.
El Art Deco soviético es el pabellón de la URSS en Exposición de París 1937 coronado por “Trabajadora y campesina colectiva” de Vera Mukhina. En el centro de la exposición se encontraban el pabellón de la URSS y el pabellón de la Alemania nazi.
Fue incómodo porque nuestro grupo “Trabajadora y koljosiana” volaba como un torbellino directamente hacia los nazis. Pero era imposible girar la escultura, ya que se dirigía en dirección al edificio.
Los alemanes esperaron mucho tiempo, queriendo saber la altura del pabellón de la URSS y del grupo escultórico. Cuando establecieron esto, construyeron una torre sobre su pabellón unos diez metros más alta que la soviética. Encima se colocó un águila nazi. Pero para tal altura el águila era pequeña y parecía bastante lamentable.
Exposición agrícola de toda la Unión, que finalmente recibió el nombre VDNH, se convirtió en una obra maestra arquitectónica de la época del realismo socialista, que aún no ha sido apreciada adecuadamente. Algunos, si no muchos, de los pabellones son creaciones de forma perfecta, monumentos únicos que reflejaban el espíritu y la esencia de ese mundo ideal y quizás inalcanzable de verdadera libertad, igualdad y fraternidad, que se suponía simbolizaban.
Territorio VDNH es rica en diversos monumentos arquitectónicos, muchos de los cuales son conocidos en todo el mundo. Creados en la época soviética, son un monumento a la era soviética, muchos de ellos son ejemplos de innovación, poder, lujo, fundamentalidad y tienen rasgos estilísticos. Arte deco. El 18 de abril de 1963, el Comité Central del PCUS y el Consejo de Ministros de la URSS adoptaron una resolución sobre el reprofilamiento. VDNH
VV 1920-1930. Arte deco dejado como recuerdo de los magníficos interiores del metro de Moscú, restos del lujo de antes de la guerra VDNH y porcelana de la Fábrica de Porcelana de Leningrado. Por supuesto, nuestro estilo ha recibido una refracción única. Pero el carácter "nacional" Arte deco es claramente visible en la cultura de otros países. Detrás de toda esta diversidad, no es difícil discernir lo principal: el arte de aquellos años es la encarnación del mito de la nueva Edad de Oro, expresado mediante técnicas artísticas modernas. En nuestro estilo campestre Arte deco No era tan conocido como en Europa y Estados Unidos. Se cree que la arquitectura de la era de Stalin fue uno de los intentos de crear Arte deco
